❶ 摄影师必看的十部电影
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是惊心动魄的视觉效果。那么，摄影师选择电影的基本条件和原因究竟是什么呢？首先，最重要的是用光的角度和环境。其次是场景的选择。为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。
这些电影大多可以买到正版的DVD，但也有些有些极其罕见，这也显示出它们的珍贵。
1. Baraka（天地玄黄）
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。
这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。
据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。共耗费四百万美元。对于这部无需支付演员的高额出场费的电影来说，投资是相当可观的。如此高投入的另一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
Baraka中的场景，是任何一个摄影师都梦寐以求的。前一分钟你还在为短尾猿那极似人类的脸而浮想联翩，后一分钟就来到了日本积雪的富士山；来不及细味印度恒河边的火葬仪式，又在叙利亚寺庙前徘徊驻足。这是一部值得一看再看的电影，因为其中的内容如此丰富，浮光掠影的浏览根本无法完全吸收。
除了风景之外，导演还利用电脑程控技术，拍摄了大量延时镜头，以反映曼哈顿和东京街头的繁忙场景。这固然是动态影片的特点，但是静态照片摄影师能不能考虑使用延时曝光效果来表达一些忙碌的景象呢？
随这部电影上市的还有一本精美的画册，详细的记录了电影拍摄的种种有趣的经历。同时附有大量的彩色和黑白照片。
电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是
如果非要说这部电影有什么不足的话，它的创意和拍摄手法似乎和1983年的一部名为《Koyaanisqatsi》的电影颇为雷同。有意思的是，《Koyaanisqatsi》的导演和摄像也是这位Ron Fricke。
正如这部电影颇为怪诞的片名一样，这是一部献给所有懂得，并愿意欣赏视觉艺术的人士的杰作。
2. Barry Lyndon（乱世儿女）
电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是
在看这部电影之前，先请教各位一个问题：那就是：谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的21世纪，这样的东西恐怕也无处寻觅吧。或许，全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那一块。
这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，不知为什么流落到了库布里克手中。他将这块镜头稍加改装后，安装到了摄象机上。f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，而没有任何其它的人造光源。
有了这样的拍摄利器，这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。但是值得注意的是，影片有意识的采用大量的“中心构图”，尤其在室内场景中，总是用柱子、门窗、桌椅等物品标明画面的中心点，而那里也正是即将展开的场景的中心，是摄影机想要引导观众关注的中心。从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影讲述的是18世纪的欧洲，当时英普同盟和法奥俄同盟正打得不可开交。一文不名的爱尔兰无赖、穷小子Barry，由于机缘巧合，结识了一个富有的寡妇，并借此挤入了上流社会。但他为了追求贵族爵位而和勋爵决斗，最后被驱逐出英国。或许这部电影该译作《欧洲版鹿鼎记》更合适。
在这部电影中，主角Barry Lyndon的扮演者Ryan O'Neal很好的把握了小无赖自由自在，毫无道德压力的心情。他本人和这部电影也获得了最佳电影艺术学员奖，最佳艺术导演奖，不列颠最佳电影奖等一系列奖项。在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。
3. The Conformist（顺从者）
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影可说是大导演Bernardo Bertolucci的扬名立万之作。虽然情节编排没有选用传统的“开始——经过——结尾”模式，但是，摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。虽然拍摄于35年以前，但是，今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，那就是：跳出陈旧的框框，创造自己的风格。
这位来自帕尔马的Bertolucci导演，后来拍摄了家喻户晓的《末代皇帝》，自己也拿到了当年的奥斯卡最佳导演奖。他的其他作品还有《遮蔽天空》，《巴黎的最后探戈》等等。
4. Day of Heaven（梦断情天）
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。在这些时间，微弱，温暖的日光使物体显得分外美丽。但是对于电影摄像师来说，常常由于剧情和资金预算的限制，而无法选择“魔幻时刻”。很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。
唯一的特例是这部拍摄于1978年的《梦断情天》。这部电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。导演马利克难得的聘请到了当时的两大着名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。
总之，这部电影的情节甚为离奇，也多少经不起推敲。但是，无法掩饰的是它杰出的视觉效果。以下是Nestor Almendros在电影杀青后的感想：
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
“马利克告诉我，他要拍摄一部注重视觉效果的电影，通过视觉效果讲述故事。很多人并没有意识到视觉效果的重要性，许多导演也把更多的精力放在演员上。但是，这是一部用视觉效果说话的电影。这部电影讲述的是电发明之前的事，没有电灯，因此光线常常很弱，完全依赖由窗外透进来的光线，这就是当时人们的生存状态。”
“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。有时，我们每天只能拍摄20分钟。但是这确实物有所值，影片效果非常美丽，浪漫。”
5. Dreams（梦）
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。全剧由八个梦组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。
抛开小日本的民族性不谈，这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。很多摄影家受困于应接不暇的商业工作或“上层意见”，而无法充分发挥自己的灵感。但是我认为，作为艺术工作者，摄影家总要尽可能的追逐自己的灵感吧。从摄影家的相机中出来的，不应仅是现实的反映，还应该努力反映心中的构思。本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。
总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
6. 末代皇帝（The Last Emperor）
这又是一部贝特鲁齐的电影。对于全世界任何一个导演来说，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。
故事从1950年冬天开始讲述起：清王朝废帝溥仪，作为战犯从苏联被押回中国。火车抵达中苏边境的满洲里火车站后，溥仪认为此去性命难保，便溜进卫生间企图割腕自杀。中国战犯管理所所长发现情况有异，急敲卫生间的门。敲门声使溥仪陷入了回忆……
色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。有人说，这部电影的真正主角不是尊龙，而是摄影师Storaro。例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，这时的色调以桔红色和明黄色为主。（溥仪在回忆录中也说过，小时候，由于他身边的绝大多数物品都是代表帝王的黄色，因此他认为所有东西本来都是黄色的。）而在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……
1998年，贝特鲁奇出版了一本书，《The Last Emperor: Multiple Takes》。在这本书中，他详细的阐述了在《末代皇帝》中的色彩运用心得。作为一个静态摄影师，应该知道：照片的色调至关重要，它极微妙又难以把握，甚至能在不经意间引导观看者的心情。
另外值得一提的是，虽然在故宫取景的电影和电视剧有很多，但是能真正拍摄出故宫的宏伟庄严的却没几个。虽然是意大利导演的作品，但是，《末代皇帝》足以给我国的众多“清宫戏”做典范。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
该片在西方上映后。立即掀起了“中国热”。1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。
7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）
作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。
欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄
这部电影获得了数不清的荣誉：十届香港电影"金像奖"十大华语片之一；意大利第四十四届威尼斯国际电影节"银狮奖"、国际影评人学会大奖、天主教影评人协会大奖、金格利造型特别奖、艾维拉诺塔特别奖；获美国第六十四届奥斯卡"金像奖"最佳外语片提名；意大利全国奥斯卡"大卫奖"最佳外语片大奖、最佳外语片女主角提名（巩俐）；意大利米兰电影协会颁发观众评议本年度最佳外语电影第一名大奖。
8. The Third Man（第三个人）
感谢数码技术的应用，使这部电影有机会制作成DVD，成为黑白年代不朽的回忆。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
在拍摄手法上，这恐怕是电影史上第一次将摄像机安在角落拍摄，以表达不安和焦虑的心情。同时，有意识的广角畸变和浅景深镜头，也加重了影片冷酷的基调。大量光影的使用，有效地调动了观众的注意力。整个影片像梦魇一样震撼，且过目难忘。
与前几部彩色电影相比，这部黑白电影是不是显得有些过时？但是如果你仔细看完这部影片的话，你会重新体会到黑白光影的魅力——单色的魔术。这部电影曾荣获嘎纳电影节金棕榈奖，第23届奥斯卡最佳摄影金像奖，英国电影学院最佳影片金奖，并被评选为英国电影史上最佳影片第一名。
9. Visions of Light（光的影像）
像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样
严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。
从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。
这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。
可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏
这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。
10. Winged Migration（鸟与梦飞翔）
这是一部关于野生动物的纪录片。相信很多摄影家都有过拍摄飞鸟的经历吧。长焦加连拍？那只是小儿科。让你看看这个疯狂的法国导演是如何拍摄飞鸟的。
凭借上百万美元的经济支持，导演Cluzaud雇用了四百五十人的拍摄队伍。拍摄工具包括热气球，小型滑翔机，甚至伪装成飞鸟形状，内藏摄像机的小型飞机。在第一年内，他们基本不拍摄，只是跟着鸟到处迁徙，和这些鸟混得很熟，使得这些鸟对他们不再警觉。之后的两年，他们的拍摄团队（其中包括五十人的鸟类专家）跟踪这群飞鸟，穿越四十个国家，并将所有结果浓缩在98分钟的电影中，平均每225分钟素材只取一分钟。效果自然极为真实感人。
DVD版本附送50分钟的幕后花絮。从中看到，摄制组不惜时间，驯化了一批小鸟，使它们习惯飞机的轰鸣声，用于拍摄在航空母舰和工厂那几场戏。摄影师需要和初生的小雁培养感觉，模仿它们的鸣叫，跟它们一起游泳，让它们认为摄影师它们的一员。正是这种不可思议的耐心的感情培养，才有了那些如此近距离而又真实的镜头展现给我们。作为一部纪录片，《鸟与梦飞行》在法国能达到250万人次的票房，并不是偶然的。绝美的画面，得体的配乐。震撼人心的镜头，就是一部完整又完美的交响乐。
❷ 超大屏电影叫什么
超大屏电影叫电影巨幕，意思是电影巨型屏幕。
IMAX电影共分为三种，矩形巨幕、IMAX 3D巨幕以及球型巨幕，也叫“大电影格式”。其中矩形银幕可高达七八层楼，宽20米，大坡度座位以19～25度的角度往后倾斜，保证所有观众都可以遍览整个屏幕。，采用特殊的70毫米胶片，而一般的电影胶片仅为35毫米，能容纳更多的细节。
详细介绍：
观看IMAX 3D巨幕电影必须佩戴特殊的三维立体眼镜，通过其偏振滤光装置将两帧角度略有不同的影像分别传到人的左右眼，使呈现在观众眼前的画面极富立体感且栩栩如生。球形银幕直径可长达30米，逼真的图像呼之欲出，巨大的震撼力惊天动地。
IMAX源自英文“Image Maxium”（图像最大化），是目前世界上最好的影像系统，它集电影技术之大成，拥有最大的银幕、最清晰的图像、最高的精密度、功率最强的放映设备以及最高级的六声道多喇叭音响系统。IMAX在国外被誉为“电影的终极体验”。
因为在看IMAX电影的时候，不仅是用你的眼睛在看，而是纵容全身的感官欺骗自己——七层楼高、20多米宽的超大屏幕、水晶般清晰的画面、极逼真的六声道加超低音音响，你会觉得自己顿时变成《变形记》里那只大甲虫，真实与虚幻的界限模糊了。
❸ 电影中很多大尺度镜头从艺术的角度看是必须的吗你怎么看
近年来，监管愈发严格，已经很久没有出现像《色戒》这样 “艺术感” 超强的电影了，更多的是靠借位、镜头切换这样的拍摄手法来点到即止，而诸如此类的拍摄手法，也只能说有利有弊而已；
《色戒》应该算是剧情片中大尺度的鼻祖了，他以20世纪40年代的上海为背景，讲述了一个有愤青主义的女大学生为了尽绵薄之力利用美色接近汉奸意图行刺，结果接近之后发现对其动了真情，最终被汉奸发现意图惨遭杀害的故事；但很显然，这样的剧情在年轻人眼里并不吸睛，但他却成了当时首屈一指的好片；
原因就是他的一些大尺度剧情：而一些大尺度情节也是根据大学生接近汉奸这一系列剧情展开的，这其中把汉奸易先生的贪婪、无情、暴躁、焦虑不安等情绪刻画的淋漓尽致，也给大家展示了当时战争即将结束时汉奸的最真实写照，这样的情节和人物刻画，不但成了影片的调味剂、增加了收视率，更能称之为是艺术；
但这样的一部艺术片最终却没能逃过 “封杀” 的结局，原因就是该影片的未删减版尺度大到已经超出了传统艺术的范畴，而这也是这类影片的有害之处；太过于追求极致，导致很多人看影片不单是为了体验剧情、观看剧情变化，这或许也是制片方不想看到的结局；
但很明显，近几年来出现的影片对尺度的把控做的非常到位，大家在观影的同时，很少能看到太过露骨的画面，这样也给人以 健康 的观影体验，但结合现在一些小鲜肉的演技来看，似乎很多时候给人一种意犹未尽、人物刻画太笼统的感觉，这或许也是缺少了调味剂的原因吧；
总之，尺度的大小对于影片收视有绝对的影响，更多时候，尺度是演技的一部分，而某些特定的剧情，需要体现淋漓尽致的演技也无可厚非；所以，并不是 “大尺度” 本身的问题，结合剧情设定尺度的大小才是最正确的；
情·欲戏，在某些导演手里能拍出高于生活感的艺术性出来，而在有些导演手里，那就纯粹是低俗。
看过村上春树小说的朋友，不难发现在他的故事里，各种男女之间欲望缠绵场景非常多，但是你会觉得他的小说是色情小说吗？
欲望，是每个人的本能，是生活中本来就有的东西，所以在恰当的时候展现欲望，其实更贴近真实，让读者或观众能感受到人物的体温，能深入到人物的内心，也更能被带入到故事中。
在现实生活里，人人都带着面具。
而在床上，人赤裸相见，彼此更加坦诚，更容易把真实的自我展现出来。
电影里也一样。
很多大尺度场面并不是可有可无，它对于推进剧情、增进人物之间的关系或激发人物之间的矛盾都非常重要，或许通过其他方式也能达到这种目的，但是没有这种方式直接、彻底、节省镜头而且让观众容易理解。
就像再《色戒》里，没有那场闻名遐迩的床·戏，王佳芝和易先生的关系也不会出现跨越性的发展以及微妙性的转变，这为后面的剧情转折埋下了伏笔。
李安其实大可不必让过程显得那么真实，在现实中产生那么大争议，但是你看过那个场面后难道不会觉得李安的安排绝妙吗？
还有《泰坦尼克号》里，杰克为萝丝画的裸体画。萝丝真的有必要全裸入画吗？
还不是为了凸显萝丝和杰克的关系已经有了更深入的发展，还有什么比画裸体画更能展现两人之间纯洁而炽烈的爱呢？
当然这也是为了之后两人在车里那只手印埋下伏笔。
正是这样有层次、不断加强地叙事方式，才能将观众引领进入故事，才能真正讲好故事打动观众。
电影中的大尺度镜头，很多时候仁者见仁，智者见智，艺术这种高大上的东西，似乎只有一部分人看得懂，作为一个俗人，大尺度镜头最好避免未成年人观看，容易误导未成年人的三观。 时，从导演和编剧来说，大尺度镜头可以更好的体现出电影中的艺术性，是必须拍出来，这样也可以吸引不少眼球，也可以提高一定的票房。也会提供给大家对这部电影的争议性，有些电影大尺度镜头既唯美又顺应剧情的发展，让人看了不仅还能最大限度的刺激荷尔蒙，比如外国的一些电影，就经常可以看到一些大尺度的镜头，正是这些大尺度镜头，让这些电影成了经典，让人看了如沐春风，值得回味。 以，个人认为，大尺度镜头不应该一棒子打死，应该根据电影的剧情需要和发展，应该有的时候就有，不应该需要的时候就不要，这样，才能给观众更好的视觉体验和精神上的满足。
电影中激情戏到底是导演的需要，还是艺术的需要呢？
说起电影中的大尺度镜头，就让人不得不想起韩雪，因为韩雪就曾经直言自己拍戏有几个规定，其中不拍吻戏就是原则之一，金星也忍不住吐槽，不拍吻戏你来干嘛？吻戏绝对算不上大尺度，但照样有人不能接受！
可是有时候电影真的需要一些大尺度镜头，毕竟男女主角情到浓时，一个吻恰好就是 情感 的升华。特别是在某些生离死别的战争场景，男女主角发乎情止于礼，这是在很难让观众达到 情感 的共鸣。就像《西西里的美丽传说》，如果不展示丑陋，谁人又能够体会到美好？
当然，除了男女之间，有时候也有男男之间，或者女女之间。比如王家卫的《春光乍泄》，这部电影中有不少镜头需要演员放得开，如果不是演员的努力，这部电影也很难出彩。
当然，有时候也有例外的情况，大尺度镜头仅仅只是为了吸引观众，最典型就是国产鬼片，剧情不行，大尺度来凑，有时候看见这些场景真是怀疑这属于哪一种电影？
所谓的“必须”是指“一定，少了它就不行”的意思。而我们在看电影的时候，常常会看到一些令人羞羞的画面，甚至是非常大尺度的。有些观众认为，这无非就是电影创作者为了带动话题或者是满足观众的好奇而加入进去的桥段。
其实不然，从编剧或者导演的角度出发，有些电影，尤其是偏向于作者电影（个人风格浓烈）的作品中，当男女主角干柴烈火之时，会选择保留部分片段甚至将过程直接呈现给观众，这是一种多方位得展现主人公 情感 与心理的设定。而这激烈的画面之后，人物可能就会受到其他线索的影响，关系发生了变化。
如果没有这一部分的画面呈现，观众也能get到双方的关系变化，但是一旦加入了，甚至事无巨细得展现出来，观众不仅能够得知人物关系 情感 纽带的浓烈，还能从这一关系中挖掘出更多有趣的人物心理。
就拿《色戒》来说，人物的 社会 地位和主动、被动的关系都在那场被删的一干二敬的尺度戏里演绎了。尺度戏在这里不再是博眼球的噱头或者话题炒作，而是真正为剧本和剧情推动服务的片段。
在有些经典的例子，比如《泰坦尼克号》里男女主角在一辆车里的尺度戏份，最后二人在玻璃窗上的手掌印，这个镜头至今经典无比。这让人看起来充满了情欲，但同时又不显得低俗，是浪漫到极致的 情感 共融。在我看来，像这个镜头对于《泰坦尼克号》来说就是必须存在，而且是绝妙的存在。
所以，这些大尺度的片段也要看创作者的需求和观众心理是如何把握的，没有绝对的必须之说，只有放在当时的环境下是否合适或者说是否有增加效果的说法。
不能说必须的吧，应该是许多电影艺术作品用大尺度镜头表现会更完美。
比如娄烨的电影。
娄烨是一个很擅长用情欲镜头叙事的导演。
娄烨对于暴露镜头的执着应该跟他本人想向观众传达的观点思想有自己的理解有关。就像弗洛伊德对美学的认识，它认为人性的一切行为都跟性意识有关。
人出生的时候是裸露着的，这是最真实，最初的模样。我想裸露应该表达着一种还原、真实。
人性的欲望、贪婪、卑劣、卑微在现实生活中苦苦挣扎，谋求生存。这些通过裸露镜头来表达，最合适不过。
裸露镜头，是一种很大胆深度挖掘人性，呈现还原人性最真实的一面的表现手法。
在电影中拍裸露镜头不是难事，也不再少数，但是能通过裸露镜头传达某种观点，引发思考，就不是件容易的事情了。
不是必须的，却是必要的，然而也只是针对部分创造者而言。是否使用大尺度，和导演的创作风格有关。
比如，想要表现一个女子的肉体美，有些导演直接用裸体镜头表现，或正面或背面，通过直观的肉体展示，表达美；有些导演通过朦胧的方式表现，比如女子的身体上盖着一层薄纱，但是曲线毕露；有些导演则喜欢留白，比如只拍脖颈部位，或者拍脚，让观者去想象。
比如，想要表现男女之间的情欲，有些导演直接完整呈现，赤裸裸的视觉冲击；有些导演给一个远景镜头，观者知道男女演员在演绎什么内容，却无法看的真切；有些导演也是点到为止，接吻之后便移开机位，用光线或者声音告诉观者发生了什么事。
比如，想要表现剧中人的悲伤或者沮丧，让其在花洒下淋浴。有些导演既拍全了肉体又拍全了表情，有些导演只拍表情，将镜头定在脖子以上，有些导演拍全景，演员蜷缩在一处，看的见肉体却也看不清肉体。
诸上种种，都可以传达出导演的意图，观者都可以领会到剧中的情节在说什么。那么，是不是说大尺度的震撼力更强？也不尽然。视觉冲击上来讲，大尺度的刺激量更大。但是如果从震撼力的角度说，一个眼神的特写不见得就弱于一个肉体的特写，比如《泰坦尼克号》中杰克给柔丝画人体画的一组镜头，国内公映的版本里删除了柔丝全裸的画面，只保留了杰克画画时柔丝看他时的那种眼神以及杰克画的时候他看柔丝的眼神，只看两个人互相对视的眼神，你便感知到了爱意在视线中的流淌，即便后来看到了未删节的镜头，你不过是轻叹一下柔丝的美，而当初最打动你的，却是他们的眼神，不是肉体；然而，必要的时候，大尺度的震撼力又绝对占了上峰，比如《色戒》里面的激情戏，王佳芝如何吸引住易先生？或者说，王佳芝凭什么可以吸引住易先生？如果仅仅是通过眉目传情，就让心理极度扭曲极度缺乏安全感的易先生看上王佳芝，那就没有什么说服力。通过那段大尺度床戏，观者既明白了易先生为什么和王佳芝上床，也明白了易先生的不寻常心理。李安很会选人，王佳芝的角色必须要身材好同时演技在线，以便让观者意识到，那是什么样的女人才能吸引住杀人魔易先生。这一段，风花雪月的表达手法还真是不行。
大尺度镜头的目的是为了塑造人物的真实性，它之所以被谈论，是因为和人伦道德的束缚相冲突，即便那些电影审查宽松的国家，对大尺度电影是否适合公映也是谨慎得很，毕竟，真实最伤人。真实性的表达不一定要借助大尺度，它可以是隐晦的朦胧的，但是，当大尺度出现的时候，观者应该感谢创作者的勇敢。你可以疑惑他们为什么非的脱？可以不用脱，有的时候甚至没必要脱，可还是脱了。脱了，就有它的道理，不仅仅是过了一次眼瘾的事。
个人电影的大尺度镜头不是从艺术角度，而是审查和传播角度的一种标准。艺术这种纯感知的东西，外延应该和人类的想象力等同，可以无限扩张的，但从艺术传播的角度来说，必须用尺度作为围栏，否则任由艺术家放飞思想，各种突破普通人认知下限的东西就会蜂拥而出了。
比如世界十大X片，看完后心理阴影面积比中国还大。
而现在我们看到的电影领域的“大尺度”，包括很多方面的内容，比如裸露、血腥、粗口、政治明敢词等，这些内容在审查者眼里，都有可能构成他们认知里面的“大尺度”，甚至“超尺度”。所以有时候作为电影指挥棒的导演，他的艺术审美角度可能需要一些“大尺度”的镜头传递自己的理念，但未必能够如愿以偿的实现。
之前何平导演在锵锵三人行里面讲过，导演最难的一点就是如何完整展示自己想表达的东西，每个人对于艺术的认知和审美高度不同，可能对同一个镜头产生完全不同的解读。这还不是审查的问题，即使是拍摄制作过程中，导演和演员都会有很多关于“大尺度”的冲突。
当时曹颖和窦文涛聊到一些影视剧中裸戏的问题，曹颖就坦白有时候一些导演和剧组就为了博眼球，刻意加一些毫无意义的裸戏在剧情中，这种情况她会坚决抵制，宁愿少拍一部戏也不能助长这种风气。
何平导演这时候表示反对，他说其实有时候演员在用自己的世界观去评估导演的一些镜头设计，比如说我们想拍一个女性在出门前换衣服的镜头，导演设计了很多细节来反映女主角的性格和情绪变化，比如脱衣服的一些细节、穿衣服的一些动作和表情，其实都是有自己的艺术表达的。但有时候到了演员眼中，变成“你就是想看我换衣服”，其实不是这样，纯粹是双方对于艺术的理解和沟通不到位的结果。
我个人比较支持何平导演的立场，其实那些所谓的“大尺度”镜头的冲突，其实就是各方协商失败的产物，真正的艺术领域应该更加有突破和挑战，才能让电影艺术的价值得到升华。
我觉得从艺术的角度来看，有些大尺度镜头是必须的。
首先，先说剧情。如果一部好的电影缺失一些大尺度镜头会丧失剧情的完整性，无法精确的表达导演或编剧想要达到的荧幕效果。所以我一向更青睐未删减的影片，不管整部影片最终呈现的效果是褒是贬，都需要最大限度的保留原作的完整性，只有这样才能以最纯粹的视角和思考来理解导演的意图。当然有些影片还是会超出我的认知，而其中的大尺度镜头对剧情理解的帮助也是因影片而异。
其次，我们来举几个例子。比较早的一部限制级影片《发条橙子》，这部影片自拍出来就争议不断，当年更是删掉了多达30分钟的大尺度镜头才得以公映。我也不知道具体看的是哪个版本，至今有些镜头所表达的剧情仍然不好理解。但即使这样，人性的丑恶、贪婪、情欲、荒诞都一定程度得到了完整的展现。电影有时就是真实的人生，无论《发条橙子》遭受了多大的争议，敢在1971年拍出这样的电影，足以让我对整个剧组表示致敬，尤其是片中饰演被侵犯的几个女性演员，感谢她们为电影所作出的极大牺牲。
再说说我们的功夫巨星李小龙。李小龙的功夫片无论对香港电影还是世界电影的发展都具有里程碑式的意义。之后的很多年，很多影视作品都能看到有模仿当年李小龙电影的影子。包括着名演员和导演周星驰，如果不看李小龙的电影，就没法理解周星驰在《功夫》中致敬李小龙的一些小的设计。说回正题，李小龙的《猛龙过江》，其中唐龙在意大利外出游玩时碰到一个香艳的意大利女性，唐龙对女主的告诫还记忆犹新，对这个意大利女性报以微笑，以示友好，谁知刚刚进入公寓该女性就开始脱衣服…原来唐龙不幸偶遇了一个意大利风尘女子。这个小插曲我在删减版的《猛龙过江》并没有看到，观众当然没法理解那个漂亮的意大利女性出现要表达什么样的意思。
接下来我们来看一个比较极端的电影《巴黎最后的探戈》，一部成就和争议都十分巨大的电影。导演贝托鲁奇和马龙·白兰度双双获得了奥斯卡提名，但也由于玛利亚·施耐德的死，这部影史巨作再次被人们推向风口浪尖。其中，马龙·白兰度和玛利亚·施耐德的一场激情戏并未事先告知女主玛利亚·施耐德，从而造成了真实的身体接触，19岁的年纪在不被告知的前提下被侵犯的真实反应有些过于“真实”了，已经超出了一个职业演员的职责所在，最终玛利亚·施耐德的一生都被性爱的标签所困扰，她的生活也被自毁的面目全非，感情纠葛和毒品时常为伴，最终在2011年2月5日不幸去世，结束了波折的一生。当然这样极端的例子无论从人权还是女权，或者尊重女性的角度都不应该得到推崇，哪怕是受到再多的专家和观众的肯定。这种电影即使不拍也不能违背女性演员的真实意愿。
最后，我觉得如果是剧情的需要，一些大尺度的镜头是需要的。而观众观影的动机是有很大区别的。一方面，如果是冲着电影本身，还是应该端正态度，把这些大尺度镜头当作客观的真实存在就好了；另一方面，如果是好奇心的驱使，专门为了看大尺度镜头，很多时候不如去看成人电影那样直接。由此我想到一个同样饱受争议的行业——人体模特，他们或为艺术或为生计，给美术学院的学生们做人体模特，只是职业的需要，不应该受到 社会 的歧视。借用范伟早年的小品来说“低档商品用假人，高档商品真人展示”。回到电影本身，随着电影的发展很多大尺度镜头都会尽可能保护演员的隐私而得到更科学合理的处理，这一点还是十分提倡的，因此，单纯为看大尺度镜头的观众们可要失望了。
我觉得是需要的。
故事只有真实才能引发共鸣，产生思考。
如果将一些大尺度的情节删掉，后续用什么来弥补故事性。电影的每一帧都是有存在的理由的，每一个画面都是为了强调和解释它想告诉你什么。
如果没有的这些画面，大家去感受的时候共鸣要如何产生。
就像《悲伤逆流成河》，大家都知道校园霸凌不对，就像《霸王别姬》，大家都知道应该尊重同性恋，就像《我不是药神》，大家也知道就医难是一个严重的问题。
如果我直接用言语告诉你该怎么做，大家会听吗！
要知道从小到大听父母言的人真的很少。
甚至一篇新闻文章《国旗为谁而降》，它每一个字都是在讲述的一个问题，而引起共鸣之后，大家回会用什么方式去解决。
一旦让人感觉到假，不够真实，脱离了现实，共鸣如何引起。
所以说存在便是合理的。
❹ 电影中很多大尺度镜头从艺术的角度看是必须的吗你怎么看
个人电影的大尺度镜头不是从艺术角度，而是审查和传播角度的一种标准。艺术这种纯感知的东西，外延应该和人类的想象力等同，可以无限扩张的，但从艺术传播的角度来说，必须用尺度作为围栏，否则任由艺术家放飞思想，各种突破普通人认知下限的东西就会蜂拥而出了。
我个人比较支持何平导演的立场，其实那些所谓的“大尺度”镜头的冲突，其实就是各方协商失败的产物，真正的艺术领域应该更加有突破和挑战，才能让电影艺术的价值得到升华。
❺ 电影中有很多“大尺度”镜头，如果从艺术的角度看，这些镜头是不是必须的
首先应该讨论什么是“艺术”？人体艺术算不算艺术？其实也无所谓是从艺术的角度还是从别的什么角度，都一样。有的需要，有的不需要。要看具体的影片，而不是角度。
❻ 如何从公共策划角度分析电影《大腕》
从公共关系学的角度看待电影《大腕》，有2个公共关系主体，一个是泰勒的葬礼，一个是在泰勒的葬礼上打广告的那些商业组织。
对于泰勒的葬礼这个主体，其负责人为尤优，他接受泰勒的委托为其办一个喜剧葬礼，从公共关系角度分析这个喜剧葬礼，其目的是：
1、向公众宣告泰勒的死亡；
2、不希望大家对于此事过于悲伤；
3、将葬礼办为喜丧体现出泰勒豁达的生死观，是其生前积极正面形象塑造的一个延续。
因为没钱尤优只能在葬礼中引入广告，这个无可厚非，将葬礼的一条广告播放权给公益广告以及将广告收入全部捐掉，这两点有助于塑造正面的泰勒形象。
而其他的，在泰勒的葬礼中塞满广告，并且接受假货广告都对此公共关系活动有负面影响。从知名度来评价这个公共关系活动，泰勒的葬礼被全球转播，并且引起广泛的社会舆论，显然知名度很高;
从美誉度来评价此公共关系活动，电影中有个片段，电视中记者采访路人对于在葬礼中加入广告的看法，鲜有人赞许这种做法；
从和谐度来评价此公共关系，显然，在现实生活中公众不会期待这种荒诞的事情发生;总体来说，这个公共关系活动是失败的。
另一个公共关系主体是在在泰勒的葬礼上打广告的那些商业组织，这些商业组织想要通过赞助泰勒的葬礼来提高企业的知名度和美誉度。这个公共关系活动同样是失败的，首先是传播方式不对，都选择的是在葬礼上植入硬广，导致整个葬礼异常混乱；
可以说是毁了整个葬礼，只会降低企业的美誉度，其实可以选择写宣传稿等更加软性的宣传方式，既不破坏葬礼，也能提升企业形象，体现人文性关怀
其次是传播主体与传播媒介不搭，这里传播主体为企业，传播媒介为泰勒的葬礼这个活动，片中尤优说过希望赞助商都是柯达这样的国际大公司。
其中便体现了传播主体要与传播媒介相匹配的思想。国际性大企业和泰勒的社会地位匹配，其赞助显得合情合理。对于小企业来讲，其知名度低，出现在此活动中显得异常突兀。
(6)角度大电影扩展阅读：
剧情：
影片主要讲述了电影制片厂摄影科下岗职工尤优为好莱坞大腕级导演泰勒操办葬礼的故事。
尤优（葛优饰）接到个美差，拍一部宣传记录片记录好莱坞大腕导演泰勒（唐纳德萨瑟兰饰）在中国拍摄影片的工作过程。
一开始工作顺利，但随着制片人托尼（保罗莫索尔斯基饰）的到来，事情起了变化。闲下来的尤优和泰勒、泰勒的助手露茜（关之琳饰）到寺庙游览，三人相处得非常愉快。
不料几天后泰勒因心脏病发作，生命垂危，他希望尤优能为自己操办个喜丧葬礼，尤优揽下活儿。
尤优找到老同学王小柱（英达饰），泰勒将死对王来说是一个难得商机，对托尼来说也是如此，惟有尤优和露茜是怀着朴实感情面对此事。
王小柱开始出谋献策，拉了好多赞助，众多商家不惜花大钱在葬礼上做广告。局面变得无法收拾，却不料，在葬礼的背后另有玄机。
❼ 20部不同视角的二战电影！值得收藏
前言
第二次世界大战，简称二战，是以德意志第三帝国、日本帝国、意大利王国三个法西斯轴心国和匈牙利王国、罗马尼亚王国、保加利亚王国等仆从国为一方，以美英法中等反法西斯同盟和全世界被侵略国家为另一方进行的第二次全球规模的战争。
战争范围从欧洲到亚洲，从大西洋到太平洋，先后有61个国家和地区、20亿以上的人口被卷入战争，作战区域面积2200万平方公里。据不完全统计，战争中军民共伤亡9000余万人，是人类 历史 上规模最大的世界战争。
第二次世界大战深刻地改变了人类 历史 。其影响广泛地涉及到政治、经济、军事、外交、文化和 科技 各个层面。人类的战争活动由此由盲目走向自觉、由浮躁走向理智、由幼稚走向成熟，进入到一个新的 历史 阶段。
本期分享会将为大家带来与二战有关的20部电影，从不同视角看待这场人类史上的最大浩劫，既有残酷的战争大片，也有不同国家的战争反思和解读。其中不乏名垂影史的不朽杰作！
1、《最长的一天》1962
导演: 肯·安纳金 / 安德鲁·马顿主演: 理乍得·伯顿 / 肖恩·康纳利
豆瓣8.5IMDb7.8
所谓“最长的一天”是分别从盟军和德军双方面的角度同时描述诺曼第登陆这一 历史 战役的来龙去脉。影片拍得恢弘激烈，堪称史诗！该片大咖荟萃，诸多明星跑龙套。
2、《啊！海军》1969
导演: 村山三男
主演：中村吉右卫门、岛田正吾、梓英子
豆瓣7.0IMDb7.0
曾被林彪之子林立果写入《571纲要》的江田岛精神即来自本片。作为“军国主义”大毒草电影该片曾轰动国内。
3、《这里的黎明静悄悄》1972
导演:斯坦尼斯拉夫·罗斯托茨基
主演:伊琳娜·舍夫丘克、奥斯特罗乌莫娃·奥丽加
豆瓣8.5IMDb8.0
电影根据前苏联当代着名作家鲍里斯·瓦西里耶夫同名代表作改编。80年代引进后，这部电影曾在国内引起巨大轰动，成为一代经典！
4、《大君主》1975
导演: 斯图尔特·库柏主演: Brian Stirner / 达维德·哈里斯
豆瓣7.8IMDb7.1
这部电影正是描写D-day：1944年6月6日，盟军二战最大的诺曼底“大君主”登陆行动，该片荣获柏林电影节评审团大奖，是之后许多电影参考的二战佳作。
5、《从海底出击》 1981
导演: 沃尔夫冈·彼德森主演: 尤尔根·普洛斯诺 / 赫贝特·格勒内梅厄
豆瓣9.1IMDb8.3
6、《斯大林格勒战役》1993
导演: 约瑟夫·维尔斯麦尔主演: 多米尼加国·霍卫兹 / 托马斯·克莱舒曼
豆瓣8.2IMDb7.5
斯大林格勒战役无疑是整个二战甚至是人类 历史 上最为宏大也是最为惨烈的战役之一，它不仅与中途岛、阿拉曼一起构成了二战的重要转折，更以巨大的伤亡与破坏，绝望的攻伐与残酷杀戮被世人所铭记。
7、《辛德勒的名单》 1993
导演: 史蒂文·斯皮尔伯格主演: 连姆·尼森 / 本·金斯利
豆瓣9.5IMDb8.9
影史最伟大的二战电影，一举荣获当年奥斯卡奖最佳影片等7项大奖！
8、《拯救大兵瑞恩》 1998
导演: 史蒂文·斯皮尔伯格主演: 汤姆·汉克斯 / 汤姆·塞兹摩尔
豆瓣9.0IMDb8.6
同样由斯皮尔伯格执导，该片是影史伟大的战争电影之一，其逼真的战争场面，成为后来战争片争相效仿的对象。而其开创性的颤镜，重新定义了战争视觉。
9、《细细的红线》1998
导演: 泰伦斯·马力克
主演: 西恩·潘 / 伊莱亚斯·科泰斯
豆瓣7.8IMDb7.6
根据美国作家詹姆斯·琼斯的同名小说改编，荣获1999年柏林际电影节金熊大奖。讲述二战的南太平洋上，日美双方展开激烈角逐，人性的底线在炮火声中被彻底摧毁。
10、《兵临城下》 2001
导演: 让-雅克·阿诺
主演: 裘德·洛/艾德·哈里斯/蕾切尔·薇兹
豆瓣8.5IMDb7.6
影片根据真实事件改编，讲述苏联红军传奇狙击手瓦西里·柴瑟夫与德军顶尖的神枪手康尼少校，在斯大林格勒战役中的一场生死之战。是影史精彩的狙击电影之一！
11、《珍珠港》 2001
导演：迈克尔·贝
主演：本·阿弗莱克 / 乔什·哈奈特
豆瓣7.9IMDb6.2
影片由爆炸狂魔迈克尔·贝执导，讲述了珍珠港事件后，两位美军飞行员带着特殊使命：轰炸日本本土。影片真实再现了当年珍珠港事件的惨烈，自杀性反击的决绝和牺牲精神。
12、《进攻列宁格勒》2009
导演: 亚历山大·布拉夫斯基主演: 加布里埃尔·伯恩、米拉·索维诺
豆瓣7.3IMDb6.1
1941年第二次世界大战肆虐时期，德国纳粹入侵苏联。在经历长达4个月的攻坚战无果后，希特勒决定用饥饿和围困的方式夺取列宁格勒。纳粹围城三年，尸横遍野的列宁格勒成为一座死亡之城。
13、《女狙击手》2015
导演: 谢尔盖·马克利斯基
主演: 尤利娅·别列希尔德 / 叶甫盖尼·齐加诺夫
豆瓣7.6IMDb7.1
该片取材于苏联女英雄、神枪手帕夫利琴科的生平，讲述了苏联她在战争爆发后中断学业，参军奔赴前线，书写了二战史上一段不朽的传奇故事。
14、《开战日》2015
导演: 罗尼·伊兹拉
主演: 皮鲁·埃斯贝克、拉斯·米克尔森
豆瓣7.5IMDb6.6
1940年4月9日清晨，德国军队穿过国界进入丹麦境内。丹麦日德兰岛的自行车连队和摩托车连队是最先抵御德军进攻的丹麦部队。4个小时后丹麦沦陷。这部电影再现了这段 历史 。精彩好看！
15、《国王的选择》2016
导演: 埃里克·普派主演: 加斯帕·克里斯滕森/安德斯·巴斯莫·克里斯蒂安森
豆瓣7.4IMDb7.1
1940年4月9日，德国在同一天出兵北欧，同丹麦一样，弱小的挪威也不经打，但是挪威国王面临着一个艰难的选择，这将永远改变他的国家。看完本片你就会明白北欧为何是今天的样子！
16、《敦刻尔克》 2017
导演: 克里斯托弗·诺兰主演: 菲恩·怀特海德 / 汤姆·格林-卡尼
豆瓣8.4IMDb7.9
好莱坞鬼才诺兰的第一部战争巨作。获得第90届奥斯卡最佳剪辑奖。影片带有浓烈的诺兰式风格，三条不同时间线的主观战场体验，将“敦刻尔克”这场二战着名的大撤退表现得非常独特。
17、《冒牌上尉》2017
导演：罗伯特·斯文克
主演：麦克斯·库巴彻 / 米兰·佩舍尔
豆瓣8.5IMDb7.4
影片根据真实故事改编，讲述了一名十九岁的普通国防兵威利赫罗德在二战最后两周内成为所谓的“埃姆斯兰德刽子手”的故事。他凭借捡到的上尉制服而假冒军官，将溃散的其他士兵聚集起来组成特别任务小组，一路抢掠地在行将陷落的纳粹帝国大地上为所欲为，并以元首为榜样掌握起逮捕和生杀大权。
18、《永远的0》 2013
导演: 山崎贵主演: 冈田准一 / 三浦春马 / 井上真央
豆瓣7.5IMDb7.3
由网友留言说非常想看这部电影。这部交错时空的电影，通过寻找飞行员久藏，回顾日本在太平洋战争中种种经历。在第38届日本电影学院奖中荣获包括最佳影片在内的八项大奖。
19、《无声的抵抗》2020
导演: 乔纳森·雅库博维奇编剧: 乔纳森·雅库博维奇主演: 杰西·艾森伯格 / 艾德·哈里斯
豆瓣6.7IMDb6.2
当人们诟病二战法国的窝囊遭遇时，电影聚焦传奇法国哑剧艺术家马塞尔·马索在二战时期的传奇经历。
20、《灰猎犬号》 2020
导演: 亚伦·施耐德
主演: 汤姆·汉克斯 / 伊丽莎白·苏
豆瓣8.2IMDb7.0
这部最新的二战电影由汤姆·汉克斯亲任编剧和主演，改编自真实 历史 事件。展现50多小时内美国驱逐舰和德国潜艇的连场对决。
❽ 有哪些大尺度电影
《红樱桃》
一看到这个名字，就想起女孩背上巨大的纳粹鹰徽纹身，浑身发憷。
第一次看这部电影，造成冲击还历历在目，当时还以为看的是什么“禁片”。
以至于情节已经全然不记得，只有医生拿着小针针在小女孩的背上刺青的画面挥之不去。
最近重刷，才发现，这部23年前上映的国产片带来的震撼，远远不止一背刺青那么简单。
其实放在当年，红樱桃也堪称“现象级”。
这是第一次国内有这样大尺度的裸露镜头公然出现在大荧幕上。
该片总票房5003万，是当年内地电影票房第二，排在它前面的是姜文的《阳光灿烂的日子》。
同时，该片还是16届金鸡奖最佳故事片。
《红樱桃》的票房和口碑上的成功，也为商业因素渗透主旋律电影提供了启发。
电影海报毫不避讳地展示了这个背上纹着纳粹鹰徽的女孩，这无疑是一次勇敢的突破。
但同样，也在那个时代引发了巨大的争议，影片被贴上了“情色”的标签。
影片的女主角，只有17岁的郭柯宇，在片中表演堪称出色。
她也因此在那一年的各大电影节上大放异彩，获得了极高的关注。
奖项上，收获了上影节最佳女演员和百花奖最佳女演员。
但这一脱，也让她深陷各种恶意满满的不实报道当中。
深受伤害的她最终选择远离娱乐圈。
电影拍摄于1995年，正是中国抗日战争和世界反法西斯战争胜利五十周年。
同类题材的电影大都在描写正面战场的惨烈，战士和普通百姓的流血牺牲。
而看起来如此大胆的《红樱桃》，却绕到了战场后方，寻找了一个不那么赤裸裸血淋淋展现战争的角度，但却依旧残酷。
❾ 如何以电影角度评价电影
在影片中可评的角度很多。就一部影片而言，可以评主题、评人物、评细节、评场面、评艺术特点、评电影语言的运用等；就多部影片来说，可综合评论一系列影片，阐明某一时期电影艺术创作的倾向和特点；可综合某一类影片（如惊险片、探索片等）进行评论；可综合同一类问题（如古装片的雷同化等）进行评论；另外，还可以进行电影专评，如评编剧、评导演、评演员、评摄影、评美工、评音乐等。
面对这些可评的内容，初学写影评的中学生具体应如何处理呢？最好的办法是“集中优势兵力歼灭敌人”，抓住影片中给自己留下印象最为深刻、最能激发自己写作欲望的问题来写，这样便于对问题作深入细致的评论，忌面面俱到。
影评写作可以有长有短，可着眼于一部影片的一个镜头，也可以着眼于一种电影现象。对于我们高中生来说，要对一部影片作出全面的评价比较困难，练习写影评，可从评论一个人物形象、一个情节、一个场面入手，可对演员演技、拍摄技巧、导演意图、影片风格、色彩、语言、音乐等进行单一的评析。随着写影评水平的提高，就可对某一人物形象，如影片中的学生、教师、军人等银幕形象发表看法，也可以从纵向谈某一阶段电影的回顾或某一体裁电影的回顾，分析其得失；或从横向谈某一风格的电影，如西部电影、贺岁片、娱乐片等，或横纵向结合，谈一个导演的风格，如谢晋模式、张艺谋现象等。初涉影评写作不宜贪大求全，而应从一点一滴写起，思考挖掘，连缀成篇。
2、如何评
第一，捕捉住感受点。一部电影涉及的方面很广，需要品评的着笔点很多。这就需要对电影反复回味思考，用心灵再度感受，把握往影片中最能动人的地方，并使之在自己的笔下得到理性的升华。如观看了《泰坦尼克号》，不能只简单地叙述这场爱情故事，而要从主人公生与死的考验中感悟到人性的光芒。
第二，抓住细节，诠释其深刻涵义。所谓细节，是影片画面中对表现对象的局部或细微的变化进行精要细致的描绘。细节包括人物的举手投足、一颦一笑，道具的运用，色彩的调度，声音的变化等。典型的细节对展现人物性格、设置悬念、推动情节发展都起着积极作用。如《大转折》中先后三次出现蒋介石的背影，每一次出现都预示着国民党军队下一次的失败，通过三次背影的刻划，将蒋介石政权日薄西山的局面富于象征性地体现出来。
第三，立意要新，开掘要深。写影评要有新意，要有独到的见解，抓往要点，自感而发。要做到有新意，一是要抓住影片内容，结合台社会现买；二是要准确把握住影片的精神