香港电影的主题是什么

1. 香港十大经典电影，不多刷几遍怎么对得起经典~

曾经有一份真挚的电影摆在我的面前我没有看，

等我再也看不到的时候才追悔莫及，

人间最痛苦的事莫过于此，

我会对哪个电影说三个字：真好看！

香港有很多大家津津乐道愿意翻来覆去看的电影

很多经典之作怎么看都不会腻~那么香港十大经典电影有那些呢？

No.10 枪火

《枪火》是银河映像出品的黑帮片，由杜琪峰执导，黄秋生 、吴镇宇 、吕颂贤、任达华等主演。1999年11月19日影片在香港上映。 该片讲述了黑帮龙头被追杀，于是聘请一班黑道中人保护，在这个过程发生了一场黑帮兄弟之间的枪战。2000年该片获得了第5届香港电影金紫荆奖最佳电影等奖项.

《枪火》的惊喜在于杜琪峰延续以往电影的主题风格的同时，仍能在有限条件下作出一些成功的突破。在《枪火》中杜琪峰同样没有放弃对黑帮内外部矛盾的刻画，黑帮之间的争斗，犯错小弟的命运，保镖之间的友谊，杜琪峰将这些本该是大起大落的情节用侧面的方法表现出来，让观众换一个角度看黑帮行事，原来这个江湖还是那样残酷。

No.9 英雄本色

《英雄本色》是新艺城影业有限公司投资拍摄的一部枪战电影，由吴宇森执导，狄龙、张国荣、周润发主演，狄龙为第一主演。影片以宋子豪、Mark、宋子杰三人作为主要人物，将江湖兄弟情与亲生兄弟情的矛盾集结在一起，体现了他们各自不同的挫折、失败、忏悔和报复。

《英雄本色》中所触及的男人的父子情、兄弟情、朋友情、男女情、冤屈受害之情和报仇雪恨之情等，将男人心中的情义刻画的淋漓尽致。而跟吴宇森的恩师张彻的电影作品比较来看，吴宇森不仅仅是在故事的层面上使得张彻的古装拳脚武打戏过渡到了符合现代香港社会的时装枪战戏，而且，在故事的内核中，张彻的那种末路悲剧侠客也被吴宇森改造为现代的豪气万千的英雄，一直被张彻所忽略的女性的感情戏，到了《英雄本色》成为兄弟之间沟通的桥梁。

No.8 警察故事

《警察故事》是嘉禾电影有限公司发行的动作片，由成龙执导，成龙、张曼玉、林青霞、董骠、太保主演。影片于1985年12月14日在中国香港上映。 该片讲述了警察陈家驹冒死抓捕大毒枭，由于证据不足，被人陷害设计嫁祸杀死同事，于是走上了为自己洗脱不白之冤道路的故事。

对于成龙而言，融武打、枪战、喜剧、正剧于一炉的《警察故事》是其电影生涯的承前启后之作。对于观众来说，它又是一部百看不厌的影视作品。

No.7 赌神

《赌神》是1989年上映的一部香港赌片。本片是由香港导演王晶执导，周润发、刘德华、张敏、王祖贤等领衔主演的电影。该片讲述了因赌术精湛闻名于世界的赌神高进。 由于意外，高进误入小刀设下的陷井，头部受重伤而失去记忆。高进手下与外敌勾结，企图取代高进的地位并谋夺其家产。一场世界瞩目的赌王大战在公海拉开了帷幕。

《赌神》其实并不是以赌为主，更主要讲的是一个人屡遭挫折仍然坚忍奋斗的故事，王晶在故事里集结了亲情，兄弟情，神化了的赌技，失忆症造就的性格分裂等极其丰富的戏剧元素，剧情结构完整，人物形象鲜明，个性突出，就连吃巧克力等细节都塑造得生动有趣，成为赌神高进的品牌特色。《赌神》往高处说，可以看做是港产赌片的巅峰作品，除此之外，几乎没有同类型的电影能与其平分秋色。

No.6 黄飞鸿

作为一代武术宗师，“黄飞鸿”屡次被拍成影视剧，最经典的版本恐怕非李连杰扮演的黄飞鸿莫属，90年初，李连杰接受徐克导演的邀请出演《黄飞鸿之壮志凌云》，在香港引起轰动，之后他一连拍了五部《黄飞鸿》，前三部由徐克执导，后两部分别由王晶、洪金宝执导。

李连杰版的黄飞鸿，青秀不失庄重，开化不失传统，是一个亦中亦西，亦新亦旧的混合人物。在李连杰版的黄飞鸿身上，既能看到梁启超先生所说的愚昧的“老大中国”的影子，更能看到一个英气勃发的“少年中国”的形象。在这部戏中，主角黄飞鸿由当时“过气少林小子”李连杰饰演。影片出于情节需要，添加了许多虚构人物，如与黄飞鸿关系暧昧的十三姨等。这些形象为日后黄飞鸿形象重新在观众心目中树立高大形象，为剧情更有戏起了至关重要的作用。

No.5 花样年华

《花样年华》是由王家卫执导，梁朝伟、张曼玉主演的爱情片，于2000年9月29日在中国香港上映。该片以20世纪60年代的香港为背景，讲述了苏丽珍和周慕云在发现各自的配偶有婚外情后，两人开始互相接触并随之产生感情的故事。2000年，梁朝伟凭借该片获得第53届戛纳国际电影节最佳男主角奖。2001年，该片获得法国电影凯撒奖最佳外语片奖。2009年，影片被美国CNN评选为“最佳亚洲电影”第一位。

王家卫通过电影《花样年华》创造了一个氤氲不明的惆怅温婉的怀旧氛围，通过悲伤痴缠的音乐与色彩饱和的画面以及人物精简的对话与故事情节，让观者不断追问与思考，大量的留白也让观者从自身的角度和理解方式对影片进行了多方位多角度的解读和想象。 在处理故事的叙述上，王家卫将其中的琐碎细节和过渡情节剪掉，只通过情绪化的画面和人物的语言将情节的结果交代给观众，从而给予观众更多的想象空间和思考空间。通过独特的电影叙述模式，影片焕发出了脱俗的气质和悠长的内蕴。

No.4 无间道

《无间道》是寰亚电影发行公司于2002年出品的一部警匪片，由刘伟强、麦兆辉执导，刘德华、梁朝伟、黄秋生、曾志伟等主演。该片讲述的是两个身份混乱的男人分别为警方和黑社会的卧底，经过一场激烈的角斗，他们决心要寻回自己的故事。2003年，该片获得了第22届香港电影金像奖最佳电影奖、第40届台湾电影金马奖最佳影片等奖项，梁朝伟凭借该片获得第22届香港电影金像奖最佳男主角奖等奖项。

《无间道》是香港电影中难得的佳片，它不是一部简单的靠明星堆积的影片，它的成功更在于与以往的香港警匪片相比有了很大突破。这部电影并不像其他的香港警匪片那样只依靠英雄出场，而是以精妙的剧情、潇洒利落的镜头剪辑来感染观众，用跌宕起伏的情节来表现人物之间的矛盾冲突。

No.3 甜蜜蜜

电影《甜蜜蜜》由陈可辛导演，张曼玉、黎明和曾志伟主演，1996年公映。 1996年正值香港回归前夕，也是一代歌后邓丽君逝世翌年。电影借助这一特殊时代背景，讲述了20世纪末期香港新移民的艰辛岁月，并以邓丽君的歌曲《甜蜜蜜》贯穿始终，成功抓住两岸三地中国人的共通情感。影片剧情始于1986年，终于1995年邓丽君骤逝当天，在中国出现移民潮的大背景下，通过小人物的命运展现了香港回归前十年的历史变迁。

陈可辛利用电影《甜蜜蜜》记录了香港从1986年到1995年这十年间的群体无意识，并利用这样的历史资源来预言关于中国人命运的未知进程。1986年3月1日，黎小军（黎明饰）告别了女友方小婷（杨恭如饰），一个人从天津来到香港。陈可辛一直想拍个移民题材的故事来反映香港人“无根的状态”。陈可辛在处理这样的香港题材时，主体并不是土生土长的香港人，而是来自内地的新移民。

No.2 倩女幽魂

倩女幽魂《倩女幽魂》翻拍自1960年邵氏出品的同名影片，由徐克监制、程小东导演，张国荣、王祖贤、午马等主演。也是鬼才导演徐克在香港电影最繁荣时期鬼怪奇幻类作中最重要的经典代表作。电影讲述了书生宁采臣与聂小倩相爱，却发现小倩是树精姥姥所操纵的女鬼，之后剑客燕赤霞义助宁采臣对付姥姥，并促成他们这对人鬼恋人。

《倩女幽魂》不仅创造了当年香港电影的票房佳绩，还掀起了一阵跟拍古装鬼片的风潮，不仅香港出现一堆武侠古装片，就连台湾也出现一些搞笑式的“倩女风格”作品。

No.1 大话西游

大话西游是1995年首映的一部香港电影，由在内容上有密切联系的上下两集组成，在香港首映时的名字分别为，上集《西游记第壹佰零壹回之月光宝盒》，下集《西游记大结局之仙履奇缘》。大话西游借用了中国四大古典小说之一的《西游记》作为故事背景，但其想要表达的思想已完全不同于小说西游记，因此用“大话”暗示并非“小说”。

《大话西游》在九十年代后期开始，成为一种文化上的图腾，而且至今不失去其先锋位置。孙悟空/至尊宝最终按照高层和唐僧达成的谅解性既定方针，辅佐唐僧去完成到西天取经的未竞事业，而那份感情则只有在追忆或轮回中再度品味，或许他已经忘记，或许他将铭记，但是他只有遗忘了自我才能去看那种感情。

经典电影之所以经典是因为

什么时候拿出来看

也总会被触动

不说了

bang哥准备在刷一遍剧了。。。

2. 最近的香港电影 野良犬 是什么主题的喔

本片是导演郭子建首部作品，以香港独有的古惑凳中仔文化为背景，将剧情延伸至亲情、爱情与友情。透过贯穿整部片的内心独白，导演以一个小孩的角度来观看剧中的现实世界，以孩童单纯的眼把腥风血雨的残酷世界，打造成梦想里的小小乐园。
在美术设计上运用了作旧的视觉风格，让这些脏脏旧旧的古董玩具玩与片中的江湖杀戮对比，显的温情带着超现誉粗慧实的意味。为了衬出影片的怀旧感，影片中还庆答特地找了很多许久未出现在大银幕上的明星。例如张国强饰演的杀手有如他在七八零年代的形象，冷酷的对白使人印象深刻，女星李丽珍也在片中重现清丽模样，虽然仅有一两幕的戏份，也同样叫人难忘。

3. 香港电影经典的主题曲有哪些

1、《小幸运》

《小幸运》是田馥甄的一首歌，由徐世珍、吴辉福作词，JerryC三人作曲，也是电影《我的少女时代》的主题曲。2015年10月，该歌获第52届台湾金马影帝最佳原创电影歌曲奖提名。

这首歌荣获第二十一香港电影奖“最佳原创电影歌曲”奖，第九位在商业电台的十大歌曲的专业推广，“十大中国金曲”由美国和加拿大的中国广播，“中国十大金曲排行榜”，加拿大FM 947中文歌曲投票2001年“我最喜爱十大歌曲”。

4. 香港电影有哪三部曲，有什么特点

第三部分《射雕英雄传》

豆瓣：9.2

主演：黄日华、翁美玲

剧情：tvb永恒的武侠经典。80年代拍这样的片子很少见。这应该是大咖最多的港剧了吧？在当时的无线五虎里主演黄日华、苗侨伟，配角是吴孟达、秦沛、曾江、谢贤，连走狗都是周星驰、吴镇宇、欧阳振华。导演是杜琪峰，制片人是王晶的父亲王天林，武术指导程小东，助理导演鞠觉亮，甚至三部电影的主题曲作词人都是黄沾。这是香港电影黄金时代的一半。我可以问哪部电影？我最喜欢翁美玲扮演的黄蓉。它几乎是活的。感觉像是小说里走出来的黄蓉。难怪也是金庸最满意的黄蓉。

第二部分《上海滩》

豆瓣：9.1

主演：周润发/赵雅芝/吕良伟

剧情：1983年看了两部剪辑过的电影版，然后回来看了1980年的原集版。果不其然，如果你有足够的时间，看剧版是更好的打开方式《上海滩》。没有高超的特效技术和化妆师的时代，一部剧的成就完全取决于演员的精湛演技和剧情的紧凑性。每一个表情的细节都是那么到位，整部电影哪怕只有一个配乐，也足够了。经典中的经典，让人年年翻拍形式，却无法超越。最后，我不得不承认，发哥的哥哥许文强很难超越，还有冯敬尧。他们是现实中人物的真实状态，也是正邪不分，非黑即白。

第《大时代》

豆瓣：9.3

主演：郑少秋/刘青云/蓝洁瑛

剧情：经典，不愧是经典。港剧心中的No.1。最后断断续续看了，一部戏剧冲突性很强的剧，一部能带动观众情绪的剧。这部剧最厉害的是丁蟹这个神奇人物的塑造。高潮和最精彩的部分是指控丁蟹的审判和方氏三姐妹相继被害。后期剧情开始有点自我放纵，各种不合理。经过39集的羞辱，最后的复仇只有十分钟。但总是值得高分的。对得起这出戏的名字，一场浩荡的悲剧。总之可以称得上是不可复制的经典，到现在还在欣赏。

5. 香港电影经典的主题曲有哪些呢

找顾嘉辉作曲与黄沾作词的电影主题曲 差不多就是了。

6. 香港电影发展史

香港电影发展史

香港电影史的发展应该从电影传入香港开始，1895年12月28日，法国人路易.卢米埃尔在法国巴黎公映了《卢米埃尔工厂的大门》、《火车到站》、《水浇园丁》等世界上最早的影片。这一天，被世界各国电影界公认为“电影时代的开始”。1896年初，路易.卢米埃尔的助手来了香港放映这些影片，而电影就是这样传入香港。自他离开后，香港电影直至1898年才再有活动。1903年，香港放映过一些很短的纪录片，每次放映十套以上。直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。有关报导是这样的：“现在中环街市对面，即同记办馆面前，准十五晚开演“成套戏本”(即整部电影)。”这部电影是法国导演下.齐卡当年的一部名片《基督的受难》。

1907年，香港有不少电影院纷纷开办，而且公映的次数和数量都较以往为多，因此被视为香港电影事业的第一个高峰年代。

1909年完成的《偷烧鸭》，是上海“亚细亚影戏公司”在香港拍摄的一部默片谐剧。该片的导演梁少坡同为该片的主角，故事讲述一个小偷(由梁少坡饰演)想偷烧鸭，却被警察捉住了。剧情十分简单，但不乏诙谐动作。

值得注意的是，《偷烧鸭》虽在香港摄制，却并非香港电影公司的作品。该片出品人布拉斯基后来结束了他在上海的电影事业，回美国路经香港时，和黎民伟合作制作了香港出品的第一部故事片《庄子试妻》，并因而催生了香港电影事业，而黎民伟更被誉为“香港电影之父”。这部电影的出现，象征香港电影史启蒙期的终结，萌芽期正式开始。

黎民伟是广东新会人，他曾拍摄反映孙中山在广东的革命活动、北伐、淞沪抗战等中国近代史重要事件的纪录片《勋业千秋》和《淞沪抗战纪实》，自1913年起，他拍摄了香港第一部故事短片《庄子试妻》、第一部故事长片《胭脂》、第一部新闻纪录片《中国竞技员赴日本第六届远东运动会》、开办香港第一间华资影院“新世界戏院”、创立香港第一间制片机构“民新制造影画片公司”……。

据《中国电影发展史》记载，香港的第一部故事片《庄子试妻》在1913年出产， 编导 是黎民伟、 摄影 师是罗永祥，主要演员是黎民伟和严珊珊。

黎民伟原为剧社的主持人，又怎样开始拍起电影来?原来他对电影一向很有兴趣，于是透过罗永祥的介绍，认识了路经香港的布拉斯基，他们商谈合作拍片成功，便由布拉斯基提供拍片所需的设备和基金，利用剧社的布景和演员，以“华美影片公司”的名义制片和发行，拍成了《庄子试妻》一片。

《庄子试妻》改编自当时的粤剧《庄周蝴蝶梦》，取材于其中“扇坟”一段。剧情大意是：“庄子之妻，夫骨未寒，便有了新情人。为了讨好新欢，她不惜扰及死去不久的丈夫的坟墓。而这个新欢实则是庄子扮的，他只是诈死来考验他的妻子对他是否忠贞。

《庄》片的主角是庄子之妻，由黎民伟反串演出。片中婢女一角由黎民伟的妻子严珊珊饰演。严不仅是香港电影史上第一个电影女演员，还是中国第一个电影女演员。

《庄》片利用阳光露天拍摄，香港实地取景，而片中人物都穿了民初的服装。本片更使用摄影特技，把庄子的鬼魂拍得忽隐忽现，加强戏剧效果。

“联华”香港分厂一向都是拍默片，虽然当时有声电影兴起，创办人却不敢冒险。于是，第一部 粤语 有声片就由上海“天一电影厂”的汤晓丹执导拍成，这就是《白金龙》。

有声电影问世后，香港的电影公司纷纷拍摄有声片。1934年“联华”香港分厂解体，黎北海另创了香港第一家有声电影制片厂“中华”，并导演了一部局部有声片《良心》(1933)及第一部有声片《傻仔洞房》(1934)。%C8lc5^,w

与此同时，不少电影公司还依着传统，拍摄了不少默片，其中有“振业”出品的《呆佬拜寿》(1933)、“国联”出品的《落花飞絮》(1933，是在越南摄制的，字幕亦是越南文)。故此，1933年至1934年间，可说是默片与有声片共存的时期。

进入1935年，香港已没有默片生产，香港电影正式步进有声时代。

从1935年开始，香港的粤语片产量每年递增，从1935年的32部增至1937年的85部，增幅超过一倍。1935年，受到抗日热潮的影响，香港生产了多部爱国电影，其中包括“大观影片公司”出品的《生命线》。该片由关文清执导，吴楚帆、李绮年主演，电影的主题鼓吹抗日救国。当时香港政府为怕开罪日本帝国主义，一切直接抗日的言论一概被禁。因此，《生命线》亦难逃被禁的命运，是香港电影史上第一部被禁映的电影。

1936年，社会教育片成了香港电影的主流。这是由于政府当时正提倡“新生活运动”，及香港社会提倡的“反蓄婢运动”。邵醉翁执导的《广州-妇人》、《博爱》即属此类作品。

除了“社教片”之外，“爱国片”在同年增多了产量，包括关文清的《抵抗》、姜百合的《女间谍》等等。当然，故事片在香港电影史上从来也并未受过忽略。1936年的代表作之一就是由南海十三郎编导的《儿女债》一片，由林坤山、吴楚帆主演，影片以亲情为主题。

1937年，由于“七七事变”的发生，香港抗日气氛高昂，因此电影工作者也纷纷开拍抗日爱国片，顿时间，“爱国片”成了主流，在1937年出产的85部故事片之中，就有25部为“爱国片”，产量可谓惊人。

芸芸“爱国片”之中，由香港电影工作者集体编导、演出的《最后关头》绝对可以称得上是经典之作。影片描述中国一班大学生对“国难当头”的觉醒。当时参与影片制作的全是义拍，可见电影工作者对国家的热爱，以及团体合作的精神。

1938年，“爱国片”继续盛行，得奖的《血溅宝山城》是其中一个例子。同年香港第一部彩色的电影《广州一妇人续集》、第一部功夫片《方世玉打擂台》及第一部国语片《貂蝉》亦相继出现了。随着《貂蝉》的出现，香港进入了粤语片与国语片并存的时期，国语片的产量渐多。

同年亦有九部粤剧电影出品，《女儿香》是南海十三郎自编自导之作，而马师曾的首本戏《贼王子》亦是当时重要的粤剧电影之一。

1939年秋，受到欧洲国家的战争所影响，1940年的港产片产量下降到不足90部。1941年12月日本入侵香港，使香港电影业陷入低潮。“大观电影厂”及其他电影设施被炸，大量的香港电影拷贝和底片也被烧毁或遗失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一残留至今。到1946年初，香港电影业处于完全停顿状态，在这期间，只有一部反英的故事片和几部由日本电影公司拍摄的纪录片问世。由于战争期间造成的交通困难，当时大多数戏院放映的都是战前制作的粤语片。

战后初期，电影制片厂的数目较战前为少，“大中华”是其中一个较有规模的，因为它拥有李丽华、周璇等上海明星，以及名导演朱石麟和吴祖光。1946年至1949年，“大中华”生产了34部国语片和8部粤语片，可惜到了1949年，产量却愈来愈少，被迫关门。

总括来说，日本入侵对香港电影业造成了很严重的破坏。香港电影经历了四年的停产，才在1946年上映了战后首部港产片《情陷》。而到了1940年末，上海电影界很多左派人士为了逃避反动派的政治压力，或中国大陆通货膨胀的影响，纷纷定居香港。故此，香港的国语电影业便愈来愈蓬勃，到了七十代初更达至高峰。

起飞岁月

香港电影在二次大战后迅速复兴，而在1949年以后渐趋蓬勃，不无原因。1949年后大批中国大陆的电影工作者因政治及经济理由纷纷南下，在香港设电影厂，跟本地影人合作拍摄国、粤语片，使香港成为南中国唯一的也是最大的电影中心。再加上五十年代中期，星、马电影势力过渡到香港，以及香港原有被美、日、欧电影文化所带来的冲击，遂令香港电影迈向成熟的雏型。

五、六十年代是国、粤语片起飞的时期，其中由四十年代末到六十年代中更是粤语片的盛产期。这段黄金时期粤语片有以下几个主流：

粤剧戏曲片

据估计，在五十年代每年就有200部粤剧戏曲片问世，差不多每三部粤语片之中就有一部是粤剧片，而在1958年更达到了高峰，这一年的160部电影中，粤剧占了一半。

“舞台式”的粤剧片基本上制作费不高，电影技巧也不特别考究，因为大多数都沿用粤剧舞台上的大老倌演出，只唱主要情节，其馀的排场做手都不严格。因此，这类戏曲大多被揶揄为“五日鲜”、“七日鲜”。当然其中也不乏制作认真，至今仍为人津津乐道的不朽经典，如《帝女花》(1959)、《紫钗记》(1959)、《李后主》(1968)等。而戏曲片的演员亦有不少为人熟悉的名字，包括：任剑辉、白雪仙、新马师曾、薛觉先和林家声等等。

至于粤剧戏曲片为何会在五十年代大受欢迎呢?这是因为战后粤剧发展蓬勃，进棚看戏成为上流社会的消费享受。至于一般市民只好听电台话剧或听粤曲，有见及此，电影公司便把大量经典粤剧拍成电影，让戏迷可以以低廉的戏票欣赏传统的粤剧戏曲。

文艺片

这时期的文艺片背景多为民国或当代，讲求戏剧结构，又或改编自中外文学、流行小说，或袭取荷里活通俗剧的故事模式。而提到这类环绕家庭伦理、男女之爱的文艺片，就不得不提粤语片电影公司中的佼佼者:联合电影有限公司“中联”。

“中联”创建于1952年，共生产了44部电影，出品了不少粤语片中的经典，如李铁的《危楼春晓》(1953)、《天长地久》(1955)、楚原的《可怜天下父母心》(1960)等等，都是家传户晓的作品。

“中联”的21位精英，有见于影艺界充斥着粗制滥造之歪风，遂以认真的拍摄态度、主题健康的电影信念为大前提，创办“中联”以抗衡媚俗投机而质素低劣的“七日鲜”货色。这批电影界精英包括导演李铁、吴回和十三位着名演员:吴楚帆、张瑛、张活游、白燕、黄曼梨、紫罗莲等等。

“中联”电影每每针对香港社会种种问题，批判上流大亨的伪善丑恶，带有浓厚的教化意味，更大大提升了中国电影的美学层次。大概是因为过份执着于传统道德使命，“中联”渐渐跟时代脱节。到1967年，它也随着粤语片的息微而关闭，但其对香港电影的影响是绝不容忽视的。

古装武侠片

五十年代的古装武侠片大多以民间熟悉的侠义神怪故事为骨干，但武打场面并不讲求真实感，发展至后期(六十年代初、中期)日渐注重动作场面设计，大量加进了特技花款(如怪兽、怪人装扮和模型特技)、曹达华和于素秋就演了不少这类古装武侠片，如《如来神掌》系列。

喜闹剧

这类电影大多以诙谐搞笑的喜剧演员挂帅，桥段不外乎“大乡里出城”、“癞蛤蟆想食天鹅肉”之类的故事，如新马师曾、邓寄尘主演的“两傻”系列。

以上各类型的粤语片虽然在电影美学角度上来说，艺术感略嫌粗糙，但论到能否带给观众共鸣，则可谓绰绰有馀，难怪这段时期，粤语片的产量可观，令粤剧片达至高峰期。

事实上，从1967至1969年，粤语片的产量仍高于国语片，只是到了69至70年，情况才开始扭转。

国语片由低沉转盛的转捩点，是五十年代中期“国际发行公司”与邵氏父子改组，分别成为“电影懋业公司”和“邵氏(兄弟)公司”。“邵氏”和“电懋”资本雄厚，野心勃勃，改组后锐意在香港电影业大展拳脚。它们不但全力推动国语片，还建立完善的发行网来开拓海市场。

1957年邵逸夫掌舵“邵氏”，制作大量高质电影，首部成功的作品是李翰祥执导的《江山美人》、《不了情》，达到前所未有的以“十万”为单位的票房成绩。“邵氏”电影制作豪华瑰丽，粤语片中的“烂衫戏”可谓相形见绌，加上制作重质不重量，鲜有“七日鲜”的电影出现。

国语片的热潮不独使国内兴起的.黄梅调电影带到香港并使之流行起来，更创作了新派武侠片，包括改编自金庸及梁羽生的武侠作品：胡鹏导演的《射雕英雄传》(1959)。单在1963年，武侠片的产量已高达61部，而武侠片之中的代表作则是胡金铨的《龙门客栈》(1966)及张彻的《独臂刀》(1967)。狄龙和王羽这些武打明星的出现，亦可视为七十年代李小龙冒起的前奏。

事实上，从五十年代起，国、粤语片的确并存，虽然两者存在竞争，但本质上是相容的。可是，随着国语片从1970年迅速发展，加上粤语片青黄不接，于70-71年间，国语片的产量多达116部，而粤语片只有22部;于71-72年间，国语片数量依然上升，反观粤语片却只剩一部，那是由邓丽君主演的《歌迷小姐》。之后的数年，国语片一直领导着香港电影市场。

最后值得一提的是，虽然在六十年代末期，粤语片面对着国语片雄霸市场的威胁，但仍力求在戏种上有所突破，青春歌舞片顺势兴起，并造就了两位当时得令的年青人偶像-萧芳芳和陈宝珠，电影界追捧偶像的热潮可说是由她们而起。

七十年代是香港普及文化的重要转捩点，而香港电影也随着电视的普及化，社会和经济的发展，以至香港人心态的转变而受到种种冲击，以致七十年代的香港电影是趋向多元化及地道化。

承接六十年代中期的凌厉气势，“邵氏”在七十年代初期依然在香港电影业占着领导的地位，拥有“东南亚电影王国”的美誉，出品了大量国语武打片，大导演包括李翰祥、张彻及刘家良等等。他们都以熟悉的刀剑拳脚功夫片作依归，电影世界里都是强烈的阳刚味，其中张彻的电影更造就了偶像级武打明星，如王羽、狄龙、傅声等。1970年的《龙虎门》就是当年“邵氏”最卖座的功夫片之一。

踏入71年，此类古装刀剑片的锋芒其实以较在六十年代逊色，原因大抵是一代武打明星李小龙的出现。

李小龙配合着邹文怀的“嘉禾电影公司”的崛起，在七十年代初叱咤一时。从首部作品《唐山大兄》(1971)到之后两年间拍摄的《精武门》及《猛龙过江》令李小龙进运国际影坛，创造出香港电影事业的神话。

1973年李小龙骤然暴瘁，令功夫片热潮未能延续。而随着本地文化的普及，香港观众对远离现实的功夫片渐渐失去兴趣，反而对反映当时社会状况，讽刺现实的电影加以青睐，这就解释了楚原的《七十二家房客》在1973年成为最卖座电影的原因。

《七十二家房客》里的演员，如郑少秋、沈殿霞都是当时的电视艺员，而由于电视已成为当时的重要媒体，因此他们对观众来说有一定的吸引力。而这部电影的成功，不但为以后的新电影类型作了开端，更令粤语片得到重新。

自此，很多电影都走地道市井的风格，演员的演绎亦带有嘻笑怒骂的味道。从电视跳到电影的许氏兄弟也因此而冒起，成为七十年代、以至八十年代香港电影的中硫底柱。

由于从七十年代中期开始，大家的主导阅读方式是电视模式，很多粤语片的题材或灵感都是来自电视内容，如《阿福正传》(1974)、《大乡里》(1974)、《新啼笑姻缘》(1975)。许冠文、许冠杰两兄弟也跳出了电视趣剧的框框，走上大银幕，以其独有的“笑话公式”拍摄了一系列非常卖座的喜剧:《鬼马双星》(1974)、《半斤八两》(1976)、《卖身契》(1978)等等。这些电影不但令喜剧在香港电影史上得到前所未有的重视，更促使了后来功夫喜剧的诞生。

1978年袁和平执导《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜剧的地位，使其成为七十年代末最具代表性的电影类型。功夫喜剧离开电视感性，以密集的功夫设计及谐趣的杂耍风格吸引观众;可以说是揉合了传统功夫片及许氏兄弟式的喜剧精粹。演员方面，成龙，洪金宝等也摆脱了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛贪玩的形象来亲近观众。

除了以上提及的片种，提到七十年代的香港电影，不可不提的是大导演李翰祥从台湾返回香港东山再起，大拍风月绰头及骗术奇观电影。好像他在1971年拍下的《骗术奇谭》，不但开始了他的电影生涯新的一页，也象征着七十年代香港电影意识的转变-金钱至上、绰头化的风格抬头，这个影响一直延续到八十年代。不过，1979年香港电影新浪潮的出现却为香港电影带来了富神采而短暂的变奏。

1979年是香港电影的重要里程碑，那是香港电影新浪潮的开始。大批电视幕后工作者转投电影圈，他们包括徐克、许鞍华、章国明、谭家明、严浩、余允抗等等，他们本着对电影的热诚，及年青人特有的创意和社会触觉，拍出不少充满个人色彩的电影作品，为香港电影打开崭新的一页。

最先掀起“新浪潮”的是1979年的三部作品：《疯劫》(许鞍华执导)、《蝶变》(徐克执导)、《点指兵兵》(章国明执导)。其后这批或在外国学习电影，或在电视台“少林寺”出身的年青导演继续拍摄了一部又一部风格化的电影，包括方育平的《父子情》(1981)、《半边人》(1982)、徐克的《第一类型危险》(1980)、谭家明的《烈火青春》(1982)等数十部作品，都很能表达这些导演对当时社会气象的感觉及情怀。

虽然这些新导演全被以“新浪潮导演”之名，但事实上，他们每一位的作品都极富个人色彩，并没有陷入香港电影类型化的传统模式。许鞍华的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏锐;徐克有一股神经质的张力;方育平作风朴实，真实感浓厚;严浩浪荡于青春暴烈及淡然含蓄之间;谭家明走中产美学;章国明擅拍片等等，这些特质都体验到新浪潮电影的“作者论”美学。

“新浪潮”标志着香港电影与上一代中国本位粤语片的决裂。五、六十年代的粤语片往往背负着沉重的民族包袱，未能突破创新;而“新浪潮”电影则带有浓厚的都市色彩，流露强烈的本地感性;这跟导演们于香港成长、受西方教育很有关系。

此外，这时期的电影都弃用大明星，制作成本亦减至最低，跟后来的港产片标榜卡士明星，动辄千万制作的营运模式可谓截然不同。

香港的电影界从来都是以商业挂帅，新浪潮电影叫好不叫座，自然难免被淘汰的厄运。八十年代初，“新艺城影业公司”异军突起，吸纳大批当时崭露头角的导演：吴宇森、徐克、林岭东、高志森等，炮制一部一部商业挂帅的电影，其中以喜剧为主。这些电影的共通点是以电视台集体创作的模式来度桥创作，充满密集的笑料及动作，一切以迎合观众口味为依归，代表作品有许氏兄弟的《最佳拍档》系列及周润发担纲的《英雄本色》、《龙虎风云》等。

除“新艺城”之外，八十年代叱咤一时的电影公司还有“德宝电影公司”。“德宝”成立于1984年，一方面拍喜剧(《双龙》系列、《富贵逼人》、一方面也拍动作片《皇家师姐》系列、或者都市优皮小品路线(《三人世界》、《单身贵族》)，务求达到片种多元化的要求。

至于“嘉禾电影公司”则继续以成龙作头牌，让他从《师弟出马》、《龙少爷》的功夫小子形像，渐渐成为《A计划》中稳打稳扎的真正“打星”，而到了《警察故事》及《奇迹》，更是成龙的颠峰之作。

同样是武师出身的“德宝”明星洪金宝却凭《鬼打鬼》(1987)开创了灵幻片的潮流，之后的《僵尸先生》系列也是走相近的风格。而他的另一系列片《奇谋妙计五福星》以至《运财五福星》也取得很好的票房成绩。

据统计，八十年代的十大卖座香港电影之中，“新艺城”占了四部，“嘉禾”占了五部，再加上多产量的“德宝”整个八十年代可称为“三雄各据”的时期。

跟七十年代末兴起的“新浪潮”相比，我们会发现到八十年代的香港电影由于太过侧重剧情堆砌，明星包装，因此电影类型单向化，更遑论什么“作者论”了。有人认为这时期的电影造就明星、扼杀导演、编剧的创作，使香港电影走上穷途末落，加上其风波影响经济、影带市道发达等种种因素下，令八十年代末期的香港电影市道滑落。尽管如此，若不以电影质素或创意来衡量，单看票房成绩及投资者的态度，说八十年代的香港电影属飞黄腾达的时期实在不为过。

艰难岁月!

综观九十年代的香港电影，基本上仍可称之为百花齐放，我们不但有从八十年代顺利跨向九十年代的新一代导演：张婉婷(《秋天的童话》)、王家卫(《旺角卡门》)、陈嘉上(《小男人周记》)等等，还有九十年代的奇迹周星驰、刘德华以及几个国际知名的名字：张曼玉、周润发、李连杰、成龙等等。

然而，我们不得不承认的是相对于八十年代电影公司大洒金钱，演员一天九组戏的“好景”日子来说，九十年代的香港电影的确危机重重，阴霾满布。

首先是九十年代初盛行武侠动作片，《黄飞鸿》和《东方不败》相继掀起打风热潮，一时间李连杰、林青霞成为卖端口保证。可是，依照香港电影的传统，卖座的片种总有跟风者，而当跟风者众、水准参差的时候，亦即该电影类型走向死亡之路。武侠动作片热潮如是，赌片热潮及后期的古惑仔系列也没有例外。

到了九十年代中期，港产片票房连续下挫，西片逐步抬头。《侏罗纪公园》(JurassicPark))先在93年创下六千万元票房佳绩，98年的《铁达尼号》(Titanic))更以一亿一千万元攀上顶峰，这部映了195天的荷里活A级大制作还占了“本世纪百部卖座片”中的榜首位置，完全压倒了在八十年代威风一时的“新艺城”作品《最佳拍挡》系列。

另一个令九十年代香港电影褪色的原因是“盗版”问题。八十年代录影带市场兴起已经令电影收入大打折扣，到了1997年后，盗版VCD更为香港电影市道带来了重击。不少电影在午夜场或首映过后便出现盗版，海关和警方又互相推卸责任，直至近一、两年，香港政府才开始正视这个问题，海关逐渐加强扫荡，才使盗版VCD活动略为收敛。

香港人挥之不去的“九七问题”，也为香港电影业带来负面影响。港人对“一国两制”缺乏信心，电影界曾多次组团访京，与港澳办及电影局商讨创成自由、版权问题等，亦促请大陆政府开放市场。九七回归后，香港特别行政区首长董建华先生首次在《施政报告》中提到香港电影，并拨出一亿港元开发电影科技及接受资助申请，令香港电影人略为安慰，更把2000年的香港电影金像奖搞得有声有色。

值得可喜的是，香港电影人扬威国际，张曼玉、萧芳芳、王家卫先后在柏林、康城等国际影展中获奖，香港电影渐受国际影坛重视。可惜的是，这也导致影圈人才外流，吴宇森、唐季礼、袁和平、林岭东等着名导演纷纷往荷里活发展，周润发、成龙、李连杰及杨紫琼等巨星级演员亦被荷里活罗致。

有外流亦有“外援”加入，香港电影人在亚洲区寻找了不少新面孔，成绩最突出的是在台湾一脱成名的舒淇，在香港成功转型，由脱星变性格演技派，成绩斐然。还有九十年代中期之后，香港掀起日本电视剧热潮，连带电影界亦多找了日本演员参与港产片，其中又以女星为主，包括《星月童话》、《东京攻略》和《阿虎》，当然亦少不得成龙电影里插科打诨的一众日本美女。

九十年代的卖座保证是“双周一成一刘”(周润发、周星驰及成龙刘德华)，周星驰独有的“无厘头”喜剧深得民心，成为后现代文化的代表，他的作品如《逃学威龙》、《唐伯虎点秋香》、《食神》等等都是九十年代的喜剧经典。近年，周星驰明显减产，一边休养生息，一边走上幕后之路。

周润发在八十年代中后期凭《英雄本色》肯定他在香港影坛至尊无上的地位，之后拍了一连串英雄片、动作片，虽偶有票房失利，但基本上依然甚有观众缘。近年进军荷里活，除拍一贯的动作片(如《血仍未冷》)，还尝试拍如《安娜与国王》这类文艺片，似乎仍未有打算回归拍港产片之意。

至于成龙则大致维持一年一部大制作，票房上依然不俗(但相对于八十年代的成绩，近年成龙作品已不算大卖)，惜在电影风格上难求突破。刘德华的江湖浪子形象也成香港商业电影早期的票房保证之一,在发哥和成龙离开之后,华仔对香港电影的票房贡献作用更加明显.

导演方面，“双王”王晶和王家卫可谓双映成趣，一个擅拍商业味道极重的电影，更被揶揄为“屎尿屁”导演;一个专挑大明星合并，产量少、艺术味浓，往往得到国际影展的垂青，两人电影风格回异，但在九十年代的香港电影占着举足轻重的地位。

另外，新浪潮创将之一杜琪峰近年颇受瞩目，作品叫好又叫座，愈来愈有个人风格。还有凭《香港制造》打出名堂的陈果亦成功地从独立电影导演变为香港主流电影导演之一。

科幻特技也顺着世界性的大趋势融入香港电影之中，《风云之雄霸天下》与《中华英雄》是其中成功的例子，而动作片《特警新人类》及《紫雨风暴》、《蓝血人》更特别邀请外国特技效果专家设计爆炸场面，令观众叹为观止。

总括来说，九十年代的香港电影虽然较诸于八十年代有所失色，但似乎在创作意念及电影制作方面则有过之而无不及。一些小本制作的独立电影如《过海隧道》、《天上人间》等亦有公映的机会，加上数码电影的冒起，而剧本创作亦得到应有的重视。相信踏入新纪元，香港电影将会追求更高的质素，并带领整个亚洲区的电影业迈向国际影坛。 ;

7. 周星驰的大话西游的所要表达的主题是什么

有人怀疑《大话西游》的内涵，而将其贬为一部无聊，庸俗的香港泛滥之作；有人否定周星驰的艺术价值，认为他不过是个开低俗玩笑，行为举止猥琐的香港演员。我认为原因有三：一是以上这些人戴着有色眼镜看人，把周星驰看成与香港电影界其他俗人一样的货色；二是太自视清高，喜欢那些所谓的高雅严肃的艺术电影，而不屑与我们一般见识；三是根本就是太笨太呆，看不懂《大话西游》，揣摩不透周星驰那独特的与众不同的却又相当深刻的艺术理念。我觉得真正的原因应该是第三个！！！

在我心目中周星驰是真正的艺术大师，或许他的表达方式还不能让某些人接受，或许他的表现手法还被某些人斥之为低级趣味，但他是真诚不做作的，他是亲切不疏远的，他是卑微不高傲的，他是热情不冷漠的，他是与我们这些下层人民是心心相映，水乳交融的。诚然在周星驰早期的作品中还充斥着大量的幼稚和低俗，但在他的后期乃至最近的一些作品中开始逐渐渗透着作为一位成熟的电影大师持的艺术意象，甚至是对生命，对世界，对爱情乃至对自身的深刻反思，更表达了他对生存本原的探寻与追求。这些都在其经典之作《大话西游》中突出表现了出来！

我认为《大话西游》提出了两个命题：爱情与仇恨。关于爱情，我想人们已讨论的够多的了，《大话》中所体现的爱情是我见过的最奇怪的，也是最合理与最感人的。不过让我印象最深的却是至尊宝在戴上金箍圈时问观音的那个问题：“我还是不明白，恨一个人可以十年五十年甚至五百年这样恨下去，为什么仇恨可以大到这种地步呢？”至尊宝提出这样一个问题并不是出于偶然，而是当他超脱了一切，看穿了万物时的顿悟，正如他所说的：“以前我看事物是用肉眼去看，但在我死去的那一刹那，我开始用心眼去看这个世界，所有的事物真的可以看得前所未有的那么清楚……”至尊宝看清了什么？我想这才是最重要的，才是编剧乃至周星驰最想向我们表达的，我想那就是关于仇恨的思考。其实在影片中并非爱情而是各式各样关于仇恨的矛盾冲突占据主要位置，至尊宝始终陷入在各式各样的仇恨交织的网中，并最终导致其爱情的悲剧性结局。众多矛盾中白晶晶与春三十娘之间的冲突无疑是非常重要的，片中并没有交代原因却相当着重渲染了她们间矛盾的严重程度，正像片中至尊宝所质问春三十娘的“有这么大仇吗？这么多年来你还不肯放过你师妹！”因为她们的仇恨才有了白晶晶的中毒跳涯挥刀自杀，才有了至尊宝为救白晶晶而倒转时空回到五百年前，更有了后来至尊宝被春三十娘所杀从而翻然醒悟了却情缘变回齐天大圣。紫霞与亲生姐姐青霞之间一开始更是充满仇意，“前世跟我斗得太厉害了，所有佛祖就把我们两个卷在一起变成一根灯芯，要我们苦练修行化解这段恩怨，可惜事与愿违，现在比以前斗得更厉害了”，至尊宝夹在中间相当不好做人。唐僧的罗嗦使无论是至尊宝还是孙悟空都对他痛恨无比，最终孙悟空才干出把唐僧送给牛魔王的弑师行为、至尊宝痛打高唱“ONLY YOU ”的唐僧，甚至连观音都曾对唐僧起过杀意。牛魔王与原来是兄弟的孙悟空为了紫霞而反目成仇；就连猪八戒与沙和尚之间也是吵闹不断……

至尊宝虽然做的是山匪，但他是个善良的人，他对生活无所求，他不想做猴子不想当齐天大圣，他只想找到真正的爱人。因此他曾不顾一切地要拿到月光宝盒回去救白晶晶，却由于陷入了各式各样的矛盾仇恨中始终不能得到，甚至失去了真正是上天安排的爱人——紫霞，直到患难之交菩提子等人无辜被杀，至尊宝对这个世界失望了，对这个充满仇恨的世界彻底地失望了。因此死后他向观音问了那个问题，而观音回答道：“所以唐三藏取西经他就是想指望这本经书去化解人世间的仇恨。” 这使至尊宝明白了一切，甚至明白了唐僧整天婆婆妈妈唠唠叨叨所要表达，也明白了唐僧之所以要舍生救他的意义，正所谓“ 生亦何哀，死又何苦”。因此他戴上了金箍并不是像我的一些天真的朋友所想的仅仅是为了复活，而是他真正认识到自己所承担的艰巨的任务，从而抛开一切情欲去西天取经，为得就是感化世人消除仇恨，让世界充满爱！由此可见，周星驰在这部片子中呼唤的是爱的主题，想教育观众相互间不要充满仇恨，应该相互理解、相互关爱，就像唐僧对待那些小妖一样。：）

故事的结局也寄托了周星驰的美好愿望：紫霞与青霞终究归好，姐妹情深在关键时候表现了出来；白晶晶与春三十娘共伺一夫；唐僧不再 嗦，说话简洁明了；甚至猪八戒与沙和尚也相敬如宾，友好礼貌……这些是《大话西游》所向我们揭示的，只希望我们的世界也能少些仇恨，多一些爱！

影片剧情稍显复杂，主要是因为月光宝盒存在的因素，一会儿回到过去，一会儿冲到未来，着实有些费解。而且几次的移神大法，使我差点儿把剧中人物打乱。这也说明了刘镇伟的剪辑技术还不够高明，有一种故事情节脱节的感觉，但是脱节了还不算严重，差强人意吧。毕竟刘镇伟面向的是广大普通观众，笑料才是他的立根之本。

《大话西游》里充斥了各种各样的笑料，说的，唱的，喊的，热闹非凡。在笑声中，我们体会到了周星星无与伦比的才华，吴孟达超乎想象的天才，还有配角们的敲锣打鼓的技术。大概这就是我第一次观看《大话西游》所有的感觉。而今天的第二次观摩，我已不再笑了，取而代之的是认真体会至尊宝的爱情观。

在一部喜剧中，来剖析角色的内心，有些困难，因为主角们把浑身的解数都用在了笑料方面，而在感情这块虽有表达，但差不多都是一笔带过，寥寥数语。可是细细品味的话，《大话西游》还是带有一股浓浓的咖啡味，纯厚，香甜。《月光宝盒》中，说的是至尊宝与白晶晶的恋爱故事。他们的恋爱着实简单，一把烈火，一顿暴打，就把他们联系在了一起。沙漠中，中毒了的白晶晶与至尊宝激情演绎的一幕，更加令他们的灵魂升华，从此两人决定不再分离。再简单不过的故事情节，很难令我们信服他们真的变成了恋人，但是我们却相信了，而且还深信不疑。当我们满怀希望的时候，白晶晶却自杀了。我相信，看这部电影的男生，很多人都把自己当成了至尊宝，而把白晶晶当作了自己的初恋情人。当我们的初恋情人遇到困难的时候，我们总会去尽力地帮助她，来使她重拾信心，回到自己的怀抱。至尊宝也是如此，带着迫切的期盼，来到了第二世界，不幸地是，他遇上了第二个情人，因而他要经历第二段的感情。

有人说，初恋是青涩的，初恋只是正式恋爱的一次预演。的确，至尊宝跟大多数的男人一样，见到美丽动人的紫霞已经蠢蠢欲动了，只是他的思想还很压抑，没有迸发。这点又可联系到一群大男人的身上，用“衣冠禽兽”来形容是不是有些过分了？

紫霞非常地漂亮，而且有些野蛮，但是万分的温柔体贴，属于美女中的上品。有这种情人的存在，令男人们觉得世界还是美好的，至少多看她们几眼，就可以少看自己的“黄脸婆”几眼，赚了。因而就会轻而易举地抛弃自己的初恋，自己曾经的挚爱。这一点，影片所反映出来的信号，还是蛮有现实意义的。当然电影就不能拍得那么直接了，要有深度，要有广度。《仙履奇缘》里至尊宝先是对初恋的白晶晶万分的思念，当碰到紫霞之后依旧是坚定不移地喜欢自己的初恋，但晚上做梦说胡话的时候，却大发真实的感慨。这一幕，至尊宝其实早就把紫霞当作是自己的唯一了。印证了初恋比不过现成的美味，总之初恋是青涩的，是短暂的，男人也是多变的。

与之相反的女人的执着，白晶晶，紫霞，甚至是春十三娘都是典型的贤妻良母型的代表，他们只爱自己的初恋，就跟紫霞手中的宝剑一般，只爱拔出剑的唯一一个人。正因为她们的存在，才令世界更加美好，令世界更加绚烂，缺少了她们，男人们还真的只是一个狗屁而已。大概电影在这时候，开始教导我们男人，要善待女人，要善待自己的初恋。但是回头想想，我们做到了吗？至尊宝做到了吗？没有，没有，都没有。就跟至尊宝留着泪对紫霞说的一番真情告白，全是假的，我也奉劝恋爱中的红男绿女中，少说“一万年”之类的话，否则受伤的只有你自己。

8. 电影《神探大战》将上映，这部电影的主题和风格是怎样的呢

大家都关注到电影神探大战了，这部电影的确非常的好看，并且是郑青云和阿SA的第二次合作，大家都觉得这部电视剧承载了许多粉丝的期望。那这一部电视剧的主题和风格其实就是悬疑片为主，主要是演在香港地区的一些悬疑疑兇。并且在这部影片当中的一些情节的构造，的确让大家表示十分的激动。很多人都说这一部电影是非常地道的一部香港片，并且有非常高的娱乐性，大家觉得主题也是十分的深沉的。

整体的风格其实是跟香港本地的一些风土民情离不开关系的，并且演绎的一些风格特点跟香港本地的风俗民情非常的像，也让许多的人表示在看这部影片的时候就想到了香港当地的一些情形。