‘壹’ 香港电影与大陆电影的区别有那些
接触香港电影是从“警匪片”开始的,可以说“警匪片”是香港电影的一大特色,在香港电影中占有很大的比重。早期的香港电影在故事取材上都比较单调,电影本身没有什么深度,主题比较明确,节奏很快,基本都是纯娱乐性质的。另一方面,香港电影的演员以及导演的文化素质相对不高,使得电影在很多方面给人的感觉是在做秀,不过香港电影比较适合喜欢寻求刺激的人。现在的香港电影在很多方面都有了长足的进步,无任是电影的题材,演员的表现力,还是导演的素质,与当初相比真是不可同日而语,基本摆脱了纯娱乐性质的电影模式。香港电影的进步与香港和大陆多层次的文化交流有关,这使得香港影业人士对汉文化有了更多的认识,使他们有了更大的发挥空间。香港电影《无间道》的成功就是一个很好的例子。
看台湾电影总让人很郁闷,感觉不是在看电影,而是在看一场奇特的闹剧。台湾演员的演技之差在全球也是首屈一指的,他们的表演方式就是一个字---喊,所有台湾演员的嗓门都很大,他们在电影里不停的喊,喊的同时摆出一些做秀的动作,或是挤出几滴眼泪来。台湾电影的节奏很差,我们经常可以看到如下场面:某个人奄奄一息躺在他的情人(或好兄弟)的怀里,说着临死前最后要说的话。但这一说就是半个小时,说得观众都有些受不了了,只好请求他(她)快些死。总体来说台湾电影不应该称其为电影,应该归为“舞台戏”的一种比较恰当。建议大家在吃饭的时候千万不要看台湾电影,以免影响食欲,台湾电影给人的呕吐感太强了。
大陆无论是演员、导演,还是制片的素质上都远远高于香港和台湾,大陆从影人士对汉文化的理解和认识是香港和台湾所无法比拟的。大陆电影的层次和深度都要高于香港和台湾,在题材上也更为广泛,演员的表现力和对电影的把握都相对较强,不会有太多的做秀的成分。大陆电影往往都能够切入到生活中去,比较贴近普通百姓,像60年代的电影是以搞大生产,大建设为主流的,到了70年代农村题材的电影较多,80年代是知识分子的生活为主流,90年代是商战片较多,可以说一个时代有一个时代的特色,层次比较分明。
综合分析我认为,喜欢看台湾电影的人文化素质一般较低,喜欢一些矫揉造作的东西,这些人都没什么内涵;喜欢看香港电影的人文化素质比喜欢看台湾电影的人要高一些,他们比较喜欢寻求刺激,对生活有很多的激情,但容易迷失方向,误入歧途;喜欢看大陆电影的人文化素质普遍较高,他们热爱中华传统文化,对汉文化有较深的认识。我可以肯定的说,大陆电影在华人区将会成为主流,在大陆,香港,台湾电影中,唯一能够和欧美抗衡的就只有大陆电影了。
‘贰’ 电影《喜剧之王》很感人,您觉得这部戏的文化内涵是什么
我是得着,有话直说。
或许因半自传体的原因,“笑中带泪”、“悲剧喜拍”的《喜剧之王》,更像是周星驰对喜剧、表演、电影和人生的一次悲观的自我评价。
《喜剧之王》的结尾,尹天仇不算成功的扮了一回现实中的“主角”,随后,筹备多时的《雷雨》大获成功,爱情也姗姗来迟。 有人说,这个结尾怎么这么“不搭调”,其实,“不搭调”就对了。
《喜剧之王》描写的是一个小人物的奋斗史,“死跑龙套”的尹天仇,空有一身抱负和期许,却抓不住当明日之星的机会,也丢掉了转瞬即逝的爱情,甚至连盒饭都吃不上,何其心酸,却又如此真实。
从“宋兵乙”开始的小人物,成功的几率有多高?偌大的港产影视圈,也就诞生了一个“星爷”,回想当年,高处不胜寒的周星驰,或许会庆幸自己的运气,转念想来,又多了几分感叹。
“我是一个演员”的坚韧,固然支撑着尹天仇向着自己的理想努力,由此,创造出太多啼笑皆非的桥段,那种引人发笑的辛酸与无奈,想来令人脊背发凉。
《无间道》中,那句 “杀人放火金腰带,修桥补路无尸骸” ,折射出当年经济腾飞的大背景下,香港人的浮躁与无奈。
要知道,王晶的《追龙》里,那种为了一夜暴富、扬名立万而不择手段的“枭雄赞歌”,才是那时香港人内心的追求,反而是踏踏实实过生活的小人物,永无出头之日,努力和奋斗也变得毫无意义。
《喜剧之王》是一部彻头彻尾的悲剧,被包裹在笑料中的尖刻讽刺与冰冷刺骨,只有身处那个浮躁的年代,才能真正读得懂、体验得到。
敢于把自己的情绪和所思所想,用喜剧电影的方式,戏剧化甚至戏虐化的表现出来,这才是周星驰和他的周氏喜剧,时至今日依然备受尊重和推崇的主要原因。
很多人看了《喜剧之王》,直觉这就是周星驰的个人传记。
因为电影的情节,貌似是他在成为明星之前的经历。
网络一下周星驰,就知道的的成长经历的前期,跟电影的情节相似。
于是就可以自以为是地判断,是他的个人传记。
但也可能不是,因为这样的经历,也是大多数演员的经历。
除了一些特别的,从小龙套到配角到主角,哪个演员没有艰苦奋斗的过程?
所以说,这部电影不必看作是他的个人传记,只要把握到中心思想,就足够了。
这部电影想告诉我们的,是梦想与坚持,这也是这部电影表达的中心思想。
主角是一个小人物,他有一个梦想,他为此付出努力,坚持不懈。
主角面对困难和失败的坚持,以及接触爱情的心路历程,触动到了观众的内心,也让电影具有了现实意义。
剧情中引人发笑的情节,充满了周星驰的独特风格,丰富了观感。
只因为主角在坚持践行梦想的过程中获得了爱情,这部电影才是一部喜剧。
已经不知道是多少次看《喜剧之王》了,尽管情节、台词都已经烂熟于心,但还是难以控制住自己被感动。这是一部自传?一部喜剧?一部励志片?或许都不是,又或许都是。星仔以他特有的方式表达着自己的内心,描述着自己艰辛的成长历程,以他特有的方式打动着我们。从一个无名小卒到香港电影的一个神话,一个标志,周星驰尝尽了太多的酸甜苦辣,他将自己的感受浓缩到这样一部影片中,让我们透过这样一部电影来窥探他的内心世界。《喜剧之王》不能算是周的自传,因为这其中有着太多的戏剧成分和夸张,但是这又颇似他的内心独白,是自己在电影这个圈子里一直默默坚持直到成功的真实投影。
星仔在片中始终以一种自贬和自嘲的口吻来描绘“尹天仇"这个人物。他不惜以最夸张的方式来描述其遭遇的悲惨。其中的插曲甚至唱道:“屎,我是一堆屎,命比蚁便宜。"做替身时胳膊被烧得通红,还拿烧鸡翅来做对比。为了拿一个便当而被百般羞辱。为了争取一个跑龙套的角色而死乞白赖“没有对白的有没有啊?完全看不到的有没有啊?"这种自贬和自嘲深得观众的同情。他以自己独有的夸张来表达,一方面取得了很好的喜剧效果,但他的夸张又并非荒诞,通过夸张观众清楚的了解他的表达意图。开头一段群众演员在镜头中如行尸走肉一般的夸张就是一个典型的例子。在周星驰的影片中,适用于其他影片的表演方法几乎是完全失效的。尽管他可以做多种多样的表情(比如在Sunny让他表演时他做出了一系列表情都是那么形象),但是他却基本上不用表情来表达内心。在尹天仇得知自己失去男主角的位置之后他和编剧争夺剧本那一幕,是把内心的情绪用现实的动作表达出来,通过他死死抓住那个剧本来表达内心对这个角色的不舍。还有在满墙的明星照片中挂着一面镜子,自己对这镜子摆Pose,他渴望成名的心态自然流露了出来。另外一些简短的对白在他的戏里也有意想不到的效果,他和柳飘飘的对白就是经典一例,他一句“我养你啊!"不知道让多少人的眼眶湿润。他有着自己独有的风格,别人无法模仿。最近听说刘镇伟欲拍《大话西游3》,而新的“至尊宝"拟定为谢霆锋。听说此消息感觉大为遗憾,因为周星驰的电影只有他才是主宰,如若换成别人,则必定不能取得那样的效果。这便是姜文所说“最好的就是不能替代的!"
星仔的电影能博得众多观众的喜爱很大程度都在于他在讲“小人物"的故事。他所表演的小人物有着平凡人所共有的缺点,遇到危险知道“走先",看到强敌慌忙求饶,爱耍个小聪明,一旦得手则沾沾自喜,失败了也不忘自我解嘲。(在被柳飘飘用板凳揍了以后还要辩解:“那天是因为桌子挡着我的腿,不然胜负还很难说。")但在关键时刻,他又表现得很有骨气,意志坚忍不拔。在《喜剧之王》中他对表演的痴迷和坚持是最能打动人的部分。哪怕扮演一个模样都看不清的死尸,导演没有喊:“cut"他都坚持一动不动。而和杜鹃儿的对手戏中,那一串晃晃悠悠摇摇欲坠的鼻涕则更是让你哭笑不得。他和几个小混混排练的《精武门》中也让星仔小小过了一把李小龙瘾,他的一招一式还颇有些神似。虽然影片的名字叫做喜剧之王,可是星仔却并没有过分强调“尹天仇"的成功,只是含蓄的表示“好多人来看啊!",也算是星仔谦虚美德的体现吧。
另一个让人感动不已的就是尹天仇和柳飘飘的爱情。把一个“死跑龙套的"和一个“出来卖的"的爱情描绘得如此动人恐怕也只有周星驰能做到吧。两人接吻偏偏要说成“我最讨厌人家嘴唇爆皮啦!"而面对那一堆零钱和一块手表,柳飘飘的一句“谢谢老板"则是那么让人心碎。之后的一段戏尹天仇要当男主角,而柳飘飘还在舞厅陪客人,恰当的剪辑把这两部分穿插起来,使得这段感情迅速达到了高潮:
“你说要养我是不是真的啊?"
“是啊!"
看到这里我想任你是铁石心肠也该有所触动吧?周星驰不用任何煽情言语却把煽情做到了家。夸张的表演并没有掩盖住真情的流露,相反,周星驰不忘在 搞笑 的同时,让你笑的眼睛里也噙着泪花。
我个人最喜欢的两部周星驰电影一是《喜剧之王》,另一是《大话西游之大圣娶亲》,因为这两部影片在无厘头 搞笑 的背后都埋藏着一颗悲伤的男人的心,都是让你在笑眼中还噙着泪花的影片。喜剧至此境界,才算是“喜剧之王"吧!
讲述了星爷自身的经历,他就想电影里的隐天仇一样从一个小小的龙套成为一个人人敬仰的巨星。主要是星爷为了纪念自己的一部作品,同时也是为了激励此时正在跑龙套的人。周星驰曾经说过:我拍了很多悲剧,可是拍出来你们却都觉得是喜剧。是啊,就像我们都认为小丑生来就是 搞笑 的,谁又会真正的了解小丑面具下藏着的是怎样的表情呢?《喜剧之王》是星爷众多经典电影之一,曾经也创下过香港电影票房史。可是,看的人虽多,真正看懂的却太少。《喜剧之王》中从来就没有王子和公主,影片中的男女主都是 社会 最底层的人物,男主角梦想成为电影明星实际却在众多跑龙套角色里苦苦挣扎,受尽屈辱。女主角为生活所迫,只能沦为风尘女。故事到了这里,似乎很难成为喜剧。可是星爷的高明之处在于,他总是能通过轻松诙谐的方式,向我们展示小人物的悲喜人生。是啊,反正人生都已经如此糟糕了。既然笑着过也是过,哭着过也是过,那又何必整天垂头丧气呢?影片中,星爷带给我们的不仅有欢笑,更多的是思考。关于梦想。小的时候,一直以为《喜剧之王》就是一部简单的喜剧。直到长大后,才明白星爷的良苦用心。他用他特殊的表演方式来告诉我们,在这个物欲横流的 社会 里,尤其对于小人物来说,拥有梦想有时候是一件很可笑的事情。但虽可笑,我们却仍努力的想要实现它,哪怕中途曾想放弃;哪怕过程里充满了太多的无能为力。这是星爷想要表达的其中之一。关于爱情。《喜剧之王》中的爱情看似荒唐,一个跑龙套的爱上一个妓女?不过是一夜之间的事,男主角就能对女主角说出“我养你”这样的豪言壮语?事实上,爱情就是这样荒唐的存在。一个男人在自己最无能为力的时候,突然爱上一个女人,并愿意倾其所有大声告诉她,他愿意养她!这是何其勇敢的表现。而在我们的现实 社会 里,又多少男人因为贫穷而压抑了自己的感情。明明爱,却不敢说出口,如果连说的勇气的都没有,又谈何去给别人幸福呢?《喜剧之王》想要的表达的东西其实远不止以上两点,我想,如果有时间我还会再看一遍电影,去发掘更多的宝贝。
这就是周星驰的个人传记
主角是一个小人物,他有一个梦想,他为此付出努力,坚持不懈。
主角面对困难和失败的坚持,以及接触爱情的心路历程,触动到了观众的内心,也让电影具有了现实意义。
剧情中引人发笑的情节,充满了周星驰的独特风格,丰富了观感。
只因为主角在坚持践行梦想的过程中获得了爱情,这部电影才是一部喜剧。
选用新人演员,故事背景讲述当今 社会 ,戏中戏花样更多,融入亲情和周星驰20年新的人生感悟!《新喜剧之王》要比20年前的《喜剧之王》有了更多的新意!今日,《新喜剧之王》票房达到5亿,影片曝光“全新全意”特辑,展现出这部喜剧所增加的新内容。有观众表示:“看到了星爷的诚意,20年前讲他自己,20年后讲的是我们!”此外,《新喜剧之王》还曝光一组“戏如人生”版海报。海报彰显出了影片女主角如梦笑泪并存的经历,看过影片的观众大都因女主而感动落泪,有影迷表示:“如今努力奋斗达到成功的路更艰难,但是打不垮我们女生!”
绝不是炒冷饭 周星驰谈每个角色都是自己
特辑中的《新喜剧之王》相比《喜剧之王》有了全新的改变。在演员方面,导演周星驰大胆起用了更多的素人龙套演员,只有王宝强一位“龙套巨星”。周星驰在拍戏时亲自执导每一个“小角色”,都融合了他对这个行业的理解,反应出目前拍戏时的现状。周星驰表示:“当我看到每一个角色,总能让我想到就是自己。”此外,在戏中戏的展现形式上更为纷繁多样,谍战、武侠、战争、惊悚和童话类型众多,每一场戏中戏都有不同的精彩笑点。影片有对张彻暴力美学,希区柯克《惊魂记》等影片的致敬,每段戏都有着对如今影视圈现状的讽刺和调侃,有观众表示:“除了讽刺和致敬,星爷的电影一直都很内涵,适合我二刷三刷!”
周星驰把新的人生感悟“人生如梦”融在了《新喜剧之王》当中。有粉丝说:“星爷讲人生如梦,片子里有他很多个人的元素,想星爷这20年的经历一定也很五味杂陈。”亲情是《新喜剧之王》中非常感人的元素,有不少观众因父母 情感 动落泪,感慨说:“能一路支持你的不是爱情,友情,而是无私的亲情!”如此多的新意奉献给观众,有观众称赞:“除了20年来始终如一的努力奋斗内核,《新喜剧之王》给了我太多新意,绝不是炒冷饭!”
鼓舞观众不认命 周星驰激励女性心存希望
“戏如人生”版海报展现出了影片女主角鄂靖文扮演的如梦所能经历的酸甜苦辣。她有闺蜜,却是塑料姐妹情,她有男友,却被当作爱情提款机,海报中看似欢乐的场景其实暗含着生活当中的无奈。遭遇凄惨的如梦也有欢笑与快乐,海报中成功后和偶像紧密相拥的同台喜悦,以及父母流下温暖的热泪等,海报的主文案为“怪我太认真,害你入戏深”正是女主角戏如人生的最好体现。着名影评人鹦鹉史航力挺《新喜剧之王》,说:“新招也不是多么遥远的脑洞,就是在人情冷暖四个字上做足了文章,也做好了文章。”
《新喜剧之王》讲述了女主龙套生活中遭遇各种打击但是绝不放弃的故事。周星驰表示自己“每次看到群演都会联想到自己的经历。”至于这次拍大女主戏,他认为女性给他的感动更多,他说:“我常常觉得很佩服女性,她们坚强,努力。希望能通过这部戏能够让她们心存希望,不要放弃!”有观众对如梦的经历十分感慨:“我也是女生,她的经历让我觉得时代更为残酷,女性压力更大。即使拼尽全力也未必成功,但是绝不会选择认命!”
《新喜剧之王》正在热映中,影片中的人情冷暖正是每位观众的身边事,笑中带泪的故事将会给还未看片的观众带来更多感动!
这部戏很感人,是因为这部作品是他的写实,内心的独白与真正的自我嘲讽。
下面来说说这部剧的文化内涵。
现实的他生活很单调,讲话也很无趣甚至有点严肃,他会微笑,是真的微笑,坦诚的微笑,用来回答和接受别人。有点笨,执着的笨,努力的笨。不擅表达内心,慢条斯理。其实长的还不错,有点不自信,很理性的人往往激情流露的也少。喜欢狗,喜欢到很难表达。有点伤感,有点胆小......
这一切的一切让你无法想象到他竟然是喜剧演员,还是爷!
从一个个角色中走来,在电影里不是胡搞就是疯狂,要么就是无厘头,再就是夸张,还是极度的。然而,就是这样一个人让他升华到,要让我们去分析,解读,成为我们现实中的抽象代表。这,到底是怎么回事?现实的嘲讽?自我的的发泄? 社会 的共鸣?
他的电影带给我们快乐,弱弱的快乐,我们大笑。某些时候却能给我们安慰怀念甚至哭泣。
小人物,俗套,大起大落,不着边际,影帝,后现代,无厘头鼻祖,幼稚,模仿......这些词汇包裹着他。他说他就是个演员,演的还不太好,其实他也就是个演员,演的还行,非常努力。努力和坚持造就了他,也考验了他,他像个石头,平时闷声不啃,工作时歇斯底里的爆发,用一个个角色宣泄内心,另一种形式的自己,我们叫他,爷。
固执的表达一些东西,固执的要求一些东西,固执的理解一些东西,固执的分享一些东西,一旦接受,我们爱上了他。
真正的喜剧是伤感的,小丑是悲伤的,故事是残缺的,背景是耐人寻味的。因为独特,因为发生,因为诚实,因为弱小,因为掩饰,因为生存,所以它是喜剧。当我们发现,看到,凝视,了解,就伴随着好奇,大笑,嘲弄,指点,分析,思考,然后哭泣,这便是喜剧。
笑中带泪,泪中带笑,我们也是参与者,抓住你,挠你,然后告诉你。你知道是谁吗?
他喜剧了,他做到了......
《喜剧之王》对于那些处于 社会 底层人员的意义就是:“梦想与坚持”
《喜剧之王》男主尹天仇是 一个生活在 社会 底层有着演员梦的市井小民, 他在一家社区福利院工作,平常就是给社区福利院看看门, 身边接触到的都是一些整日闲散,无所事事的人。
不同于他们的是,尹天仇心里一直有着一个做 演员的梦想 ,因此在闲下来的时候,他除了躺在床上看着名叫《 演员的自我修养的书 》
就是往剧组里跑,虽然获得的都是些跑龙套的角色,但他却一直乐此不疲,即使,他总是想获得更多的上镜机会,被导演嫌弃打骂甚至赶出剧组,但他 从未选择放弃
当他再次被导演赶出来时,本想带着一份盒饭再离开,没想到遇上了达叔, 达叔不仅不让他拿盒饭还将他羞辱一遍,尹天仇只能默默离开,脸上还留下强忍的泪水
尹天仇回到了福利社,继续开着他的演员培训班, 此时一群舞女想要向尹天仇学习怎么假扮青纯少女,结果一个叫柳飘飘觉得尹天仇就是一个死跑龙套的,后来柳飘飘凭借尹天仇教她的方法获得了报酬,于是第二天找到尹天仇学习演技,当尹天仇问起柳飘飘的初恋,柳飘飘却狠狠的打了他一巴掌。
柳飘飘认识到自己的错误,于是找到尹天仇向他道歉, 正好观看尹天仇的表演,虽然只有一个人,但对于尹天仇来说却非常开心。当时晚上两人坐在破船上,望着大海,说出了非常有哲理的一段话:“前面一片漆黑,什么都看不到,其实也不是,天亮就会很美”
他们彼此之间明白这句话的含义,两人擦出了爱情的火花, 第二天,他们经历了一夜情后,尹天仇看着窗台上美丽的柳飘飘,心之所动
尹天仇于是将自己的积蓄全部都留给了柳飘飘,柳飘飘看到天仇留下的钱,之后就转身离开了,尹天仇觉得自己很窝囊,他望了望镜子中的自己,觉得自己不能就此放走心中的所爱。
最后,全电影最经典的场面就此诞生,追上柳飘飘问到:“不上班行不行啊”柳飘飘回答:不上班你养我啊!尹天仇哽咽了一下,说出了全剧最经典的台词:“我养你啊!”
尹天仇说出了多少男人面对自己的真爱不敢说出的话!柳飘飘坐上了车,抱着尹天仇最爱的书痛哭流涕!写到这,有点鼻酸!
很多时候,在现实生活中的无奈,想要爱的人却怎么也爱不到,想要保护的人怎么也保护不了!
有人说星爷的喜剧电影笑着笑着着就留下了眼泪,或许这就是对每一个平凡人的生活写照,也许我们当中每一个人没有自己理想的爱情,但为什么还要坚持地活下去呢,也许是因为只有在坚持和摸爬滚打当中,才能够认清自己,找到自己存在的价值!
一个“死”跑龙套的,一句“努力奋斗”。这些都是印象深刻。有反映出人在低谷时候的毅志力坚忍不拔。
少年不懂周星弛,回头再看时,你我已是剧中人。将小人物的奋斗史,演绎成了励志喜剧。笑
‘叁’ 香港武侠电影的特点
主要就是两个流派
一个是以刘家良为代表的硬桥硬马的真功夫派别,在上世纪60-90年代是功夫片的主流
到了90年代,以徐克 程小东为代表的新武侠流派开始出现
这个时期的武侠片多以特技和天马行空的想象为主 也是港片的巅峰时期
香港武侠电影包含的是香港电影人对中华传统文化的尊重以及对中国特有的侠义文化的敬仰
因为香港毕竟被侵占了多年 在外来文化的入侵下 港片通过这种方式来坚持自己的立场
讲中华文化的内涵与现代电影结合,重新焕发生机
‘肆’ 都说香港电影越来越没有港味了,那香港电影所谓的“港味”到底指的是什么
香港电影的所谓港味就是指所有受九十年代香港电影所影响,对香港以及一些事物的抽象认知。这个港味可以指都市电影中的都市;武侠电影中的侠;黑帮电影中的黑帮等等。这些都是当时香港电影灌输给身处发展年代的我们的最好想象,让我们为之着迷不已。
黑帮电影中的黑帮;黑社会文化作为香港文化不可分割的一部分,早已深入香港电影的方方面面。无论是台前,还是幕后,黑社会仿佛就是香港电影的另一面。极具特色的香港黑帮成为了香港电影中,一个具有特殊意义的符号。即便是在香港电影衰落的时候,黑帮电影依旧经常出现亮眼之作。可是正如时代变迁一样,黑帮电影也由原来的放肆张扬情义无双,慢慢变成了现在灰暗压抑的挣扎场面。
‘伍’ 港片对你影响有多深
70后到90后观众对于香港的认识,大多是因为港剧与港片,从《霍元甲》到《神雕侠侣》,从《英雄本色》到《花样年华》,与此同时,周润发、梁朝伟、周星驰、张曼玉、张国荣、成龙、李连杰、刘德华、梅艳芳、张学友、王祖贤……一众港星也被内地观众所熟知。
“做人呢,最重要的是开心”这句港剧里的台词打动了非常多的内地观众——香港文化影响了几代少年,而这也间接影响着我们的未来。与其说港片、港剧作为一种文化潮流曾占据着华语文化的绝对主导权,不如说这些文化无形之中已陪伴了几代人的成长,填充他们的少年时代,改变了他们的观念,让他们通过香港这枚世界之眼看到更广阔的世界。
‘陆’ 为什么香港电影还一直喜欢拍黑帮片
香港是很封建的,是很父权的,在香港你碰到很多男人的名字,我的名字叫做家辉,是家,不像在内地有很多人叫国。香港很多人取(家)这个名字,从小被教导,要把家扛起来,我是家里的独子,我没有儿子,我有一个女儿。我们三代独子,我们从小被教导,我们看黑社会电影里,你看表达这种价值观是什么,我刚刚说父权加团队,每个黑社会片都是挑战这些东西,还有一些对于老大不敬的,抢夺权利等等。反映了香港人,广东人,南方人,这种传统的家庭的观点。
‘柒’ 香港电影的特点
香港的制片模式、专业分工、组织结构虽比中国大陆、台湾完善,但较之好莱坞仍显得随意机动,工业化程度远不够严密有序。首先,按照好莱坞的工业规则,电影一旦开机便
需按部就班,不能随意更改剧本、变动进度。然而香港的电影导演比如徐克、杜琪峰等,他们的拍摄方法却大不相同:在保证按时交片的前提下,现场即兴发挥、随拍随改、有时停工,有时赶拍。这种做法恰恰是香港电影黄金时代最正常的作风习惯。同时,香港尽管也有不少以导演强势创作着称的影片。
1、赶时间:领衔主演的明星通常身兼几个片约,档期有限,所以剧组人员就不眠不休的奋战赶拍。
2、飞纸仔:导演开拍前只有故事大纲,开机后只能等编剧把当天要拍的剧本传过来,当年程小东拍摄《倩女幽魂》、刘伟强拍《古惑仔》都要等徐克和文隽的“飞纸仔”。
3、第二组制度:由于香港武术指导的经验丰富、十分专业,王晶这样的导演经常只专注拍文戏,枪战武打追逐撞车的场面交由动作指导全权负责,这样,一部普通的商业片通常之用十几天就能完成。如果是大制作,则会在武术指导这个组下面继续启用“子组”(第一组武指、第二甚至第三组武指)。说到香港电影的这种工业特征的形成,要追溯到上个世纪70年代末期,那时香港“新浪潮”风起云涌,不少新锐制片公司纷纷冒起,打破了邵氏、嘉禾的垄断地位,而邵氏经营多年的“东方好莱坞”片厂制度及风格亦由此逐渐没落。至20世纪80年代中期,香港电影呈现“三魁报春、百花齐放”的兴旺局面,从筹划到摄制再到公映收成本,电影工业流程更呈现出香港独有的迅速、机动、灵活、即兴的特征。这一特征既为香港电影走向极盛奠定基础,又为香港电影的迅速衰落埋下伏笔。若检讨香港电影衰落根源,创作过于即兴投机当是祸因之一。昔日港片兴盛时,是档期等片的盛况:香港影人多是同时身兼数组戏,只管闷头拍就是,完全不必担心赔本。即兴、灵活、迅速、投机的拍摄优势亦成为了香港电影产量剧增、质量骤降的重要祸因。而如今不少影片即时早已排好也不能上映,需要耐心等待档期、小心拍期,稍有不慎就可能有赔无赚。明星赶档期、编剧飞纸仔的情况只出现在少数有票房号召力的明星影人身上,而香港电影的产量也逐年缩小,由当年的年产两三百部,跌到2006年的年产三四十部。
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‘捌’ 《香港电影文化的发展历程及其社会意义》
启蒙期(1896-1912)
香港电影史的发展应该从电影传入香港开始。
1895年12月28日,法国人路易.卢米埃尔在法国巴黎公映了《卢米埃尔工厂的大门》、《火车到站》、《水浇园丁》等世界上最早的影片。这一天,被世界各国电影界公认为“电影时代的开始”。
1896年初,路易.卢米埃尔的助手来了香港放映这些影片,而电影就是这样传入香港。自他离开后,香港电影直至1898年才再有活动。当年,美国“汤默斯.爱迪生”公司派出一位电影摄影师到香港拍了一批纪录片:名为《香港街景》、《香港总督府》、《香港码头》、《香港商团》和《钖克炮兵团》。
这几部有新闻纪录的电影虽然不是香港电影公司的出品,可是它们是在香港拍摄的,内容又是香港景物,可以把它们称为“香港电影”。
从1896年到1903年,香港放映过一些很短的纪录片,每次放映十套以上。直至1903年10月5日,香港才有整部故事片公映。有关报导是这样的:“现在中环街市对面,即同记办馆面前,准十五晚开演“成套戏本”(即整部电影)。”这部电影是法国导演下.齐卡当年的一部名片《基督的受难》。
1907年,香港有不少电影院纷纷开办,而且公映的次数和数量都较以往为多,因此被视为香港电影事业的第一个高峰年代。
1909年完成的《偷烧鸭》,是上海“亚细亚影戏公司”在香港拍摄的一部默片谐剧。该片的导演梁少坡同为该片的主角,故事讲述一个小偷(由梁少坡饰演)想偷烧鸭,却被警察捉住了。剧情十分简单,但不乏诙谐动作。
值得注意的是,《偷烧鸭》虽在香港摄制,却并非香港电影公司的作品。该片出品人布拉斯基后来结束了他在上海的电影事业,回美国路经香港时,和黎民伟合作制作了香港出品的第一部故事片《庄子试妻》,并因而催生了香港电影事业,而黎民伟更被誉为“香港电影之父”。这部电影的出现,象征香港电影史启蒙期的终结,萌芽期正式开始。
萌芽期(1913-1925)
据《中国电影发展史》记载,香港的第一部故事片《庄子试妻》在1913年出产,编导是黎民伟、摄影师是罗永祥,主要演员是黎民伟和严珊珊。
黎民伟原为剧社的主持人,又怎样开始拍起电影来?原来他对电影一向很有兴趣,于是透过罗永祥的介绍,认识了路经香港的布拉斯基,他们商谈合作拍片成功,便由布拉斯基提供拍片所需的设备和基金,利用剧社的布景和演员,以“华美影片公司”的名义制片和发行,拍成了《庄子试妻》一片。
《庄子试妻》改编自当时的粤剧《庄周蝴蝶梦》,取材于其中“扇坟”一段。剧情大意是:“庄子之妻,夫骨未寒,便有了新情人。为了讨好新欢,她不惜扰及死去不久的丈夫的坟墓。而这个新欢实则是庄子扮的,他只是诈死来考验他的妻子对他是否忠贞。”
《庄》片的主角是庄子之妻,由黎民伟反串演出。片中婢女一角由黎民伟的妻子严珊珊饰演。严不仅是香港电影史上第一个电影女演员,还是中国第一个电影女演员。
《庄》片利用阳光露天拍摄,香港实地取景,而片中人物都穿了民初的服装。本片更使用摄影特技,把庄子的鬼魂拍得忽隐忽现,加强戏剧效果。
这部电影创下不少香港电影纪录:
(一) 它是香港出品的第一部故事片;
(二) 第一部在外国公映的香港片;
(三) 第一部有电影女演员参演的香港电影;
(四) 也同时是第一部有特技摄影的香港电影。
黎民伟及其兄长海山、北海于1923年创办了香港第一间全由香港人投资创办的电影制片公司“民新制造影画片有限公司”。他们并非为了名利,而是志在推动香港,以至中国的电影工业。
“民新”的成立为香港电影业带来很大的推动作用,它不仅在1923年出品了香港第一部新闻纪录片《中国竞技员赴日本第六届远东运动会》,又在1924年在广州成立了香港第一个演员培训所-“民新演员养成所”,发掘有演戏潜质的人。
此外,“民新”还摄制了香港出产的第一部故事长片《胭脂》。于1924年,珍贵的新闻纪录片《中国国民党第一次全国大会》、《孙大元帅检阅军团警会操》以及1925年出产的《孙大总统东较场阅兵》等亦是“民新”的出品。
事实上,1924年至1925年,香港电影事业已渐渐成长,可惜受到25年6月的大罢工影响,刚萌芽的香港电影发展被迫中止了。 中止期(1925-1929)
1925年5月30日,日本帝国主义者无理残杀中国人民,中国各地 追装展 、罢课,以示抗议。
同年6月,大陆的罢工热潮扩展到香港,香港电车工人及不少学生加入罢工、罢课的行列,而香港政府亦开始加以镇压。
当时香港人口不过六十多万人,但参加罢工的人数已高达廿五万,其中超过廿万更离开了香港到达广州。香港大罢工期间,每天都有商店倒闭,百业凋零,所有娱乐活动,包括电影放映一律停止。
受到工潮影响,“大汉”、“两仪”等电影公司被迫结业,“民新”、“光亚”分别迁往上海和广州。原本在香港工作的电影工业者,不少都到广州求发展,其中梁少坡(香港第一部正式电影《偷烧鸭》的主角)便在广州创设了“钻石影片公司”。这个现象令刚萌芽的香港电影事业夭折,却令广州的电影事业蓬勃一时。
1926年10月罢工结束,但香港电影事业仍然未能复苏起来,因为有实力的电影工作者都去了广州或上海发展。虽然期间有些影片公司招考演员,但这都是有名无实,直至1929年末,仍没有一部香港电影生产过。
不过,大罢工期间,仍有人用“满天红银幕公司”的名义,在香港及广州拍摄了29部新闻纪录短片。这些短片被剪辑成一部大型新闻纪录片,命名为《香港时事画片》,并曾于香港的“九如坊新戏院”(位置约现时上环摩罗街附近)放映。
在这段香港电影业的中止期,唯一正式放映过的港产片是大罢工前出品的《从军梦》,而唯一和电影有关的活动是“香港演员养成所”的成立,导师为香港电影的先躯者黎北海(黎民伟兄长)。
幸而,电影放映业到了1926年6月开始复苏起来。当时的电影院,除了以放映西片为主,亦放映过不少上海影片公司出品的电影,特别值得一提的是1926年公映的《薛平贵全集》。该片是第一部在美国摄制、由中国人主演的故事片。
1930年初,黎北海等创办了“香港影片公司”,制作出创业作《左慈戏曹》,香港才陆陆续续再有电影制片公司的成立,香港电影事业才见起色,得以复苏。 复苏、成长至被摧毁的香港电影(1930-1949)
1930年,香港的电影业随着黎北海(黎民伟兄长)创建“香港影片公司”而开始复苏。不过,真正令香港电影业站稳住脚的是1930年10月25日,由黎民伟的上海“民新”与其他几间电影公司合并而成的“联华影业公司”。
“联华”可以说是为香港电影业带来了很大的影响力,是战前中国最大的电影厂之一。
当全国一窝蜂地拍神怪武侠片时,它推出了一连串主题健康、风格清新的电影,包括第一部打进美国电影市场的中国电影《人道》、第一部在外国得奖的中国电影《渔光曲》等等,不但改变了国外人士对中国电影的观感,更创造了中国电影的新浪潮。
为了培养人才,“联华”在1931年4月开办“演员养成所”,教授的课程包括编剧、导演、表演、摄影等,堪称一间“电影全科学校”。它培训了一批杰出的粤语片导演,如李铁、黄岱等,对香港电影贡献良多。
“联华”香港分厂一向都是拍默片,虽然当时有声电影兴起,创办人却不敢冒险。于是,第一部粤语有声片就由上海“天一电影厂”的汤晓丹执导拍成,这就是《白金龙》。
有声电影问世后,香港的电影公司纷纷拍摄有声片。1934年“联华”香港分厂解体,黎北海另创了香港第一家有声电影制片厂“中华”,并导演了一部局部有声片《良心》(1933)及第一部有声片《傻仔洞房》(1934)。
与此同时,不少电影公司还依着传统,拍摄了不少默片,其中有“振业”出品的《呆佬拜寿》(1933)、“国联”出品的《落花飞絮》(1933,是在越南摄制的,字幕亦是越南文)。故此,1933年至1934年间,可说是默片与有声片共存的时期。
进入1935年,香港已没有默片生产,香港电影正式步进有声时代。
从1935年开始,香港的粤语片产量每年递增,从1935年的32部增至1937年的85部,增幅超过一倍。1935年,受到抗日热潮的影响,香港生产了多部爱国电影,其中包括“大观影片公司”出品的《生命线》。该片由关文清执导,吴楚帆、李绮年主演,电影的主题鼓吹抗日救国。当时香港政府为怕开罪日本帝国主义,一切直接抗日的言论一概被禁。因此,《生命线》亦难逃被禁的命运,是香港电影史上第一部被禁映的电影。
1936年,社会教育片成了香港电影的主流。这是由于中国政府当时正提倡“新生活运动”,及香港社会提倡的“反蓄婢运动”。邵醉翁执导的《广州-妇人》、《博爱》即属此类作品。
除了“社教片”之外,“爱国片”在同年增多了产量,包括关文清的《抵抗》、姜百合的《女间谍》等等。当然,故事片在香港电影史上从来也并未受过忽略。
1936年的代表作之一就是由南海十三郎编导的《儿女债》一片,由林坤山、吴楚帆主演,影片以亲情为主题。
1937年,由于“七七事变”的发生,香港抗日气氛高昂,因此电影工作者也纷纷开拍抗日爱国片,顿时间,“爱国片”成了主流,在1937年出产的85部故事片之中,就有25部为“爱国片”,产量可谓惊人。
芸芸“爱国片”之中,由香港电影工作者集体编导、演出的《最后关头》绝对可以称得上是经典之作。影片描述中国一班大学生对“国难当头”的觉醒。当时参与影片制作的全是义拍,可见电影工作者对国家的热爱,以及团体合作的精神。
1938年,“爱国片”继续盛行,得奖的《血溅宝山城》是其中一个例子。同年香港第一部彩色电影《广州一妇人续集》、第一部功夫片《方世玉打擂台》及第一部国语片《貂蝉》亦相继出现了。随着《貂蝉》的出现,香港进入了粤语片与国语片并存的时期,国语片的产量渐多。
同年亦有九部粤剧电影出品,《女儿香》是南海十三郎自编自导之作,而马师曾的首本戏《贼王子》亦是当时重要的粤剧电影之一。
1939年秋,受到欧洲国家的战争所影响,1940年的港产片产量下降到不足90部。1941年12月日本入侵香港,使香港电影业陷入低潮。“大观电影厂”及其他电影设施被炸,大量的香港电影拷贝和底片也被烧毁或遗失,以致1945年前出品的近600部影片,只有百分之一残留至今。到1946年初,香港电影业处于完全停顿状态,在这期间,只有一部反英的故事片和几部由日本电影公司拍摄的纪录片问世。由于战争期间造成的交通困难,当时大部份戏院放映的都是战前制作的粤语片。
战后初期,电影制片厂的数目较战前为少,“大中华”是其中一个较有规模的,因为它拥有李丽华、周璇等上海明星,以及名导演朱石麟和吴祖光。1946年至1949年,“大中华”生产了34部国语片和8部粤语片,可惜到了1949年,产量却愈来愈少,被迫关门。
总括来说,日本入侵对香港电影业造成了很严重的破坏。香港电影经历了四年的停产,才在1946年上映了战后首部港产片《情陷》。而到了1940年末,上海电影界很多左派人士为了逃避国民党的政治压力,或中国大陆通货膨胀的影响,纷纷定居香港。故此,香港的国语电影业便愈来愈蓬勃,到了七十代初更达至高峰。
国粤语并存的成熟期(1950-1969)
香港电影在二次大战后迅速复兴,而在1949年以后渐趋蓬勃,不无原因。1949年后大批中国大陆的电影工作者因政治及经济理由纷纷南下,在香港设电影厂,跟本地影人合作拍摄国、粤语片,使香港成为南中国唯一的也是最大的电影中心。再加上五十年代中期,星、马电影势力过渡到香港,以及香港原有被美、日、欧电影文化所带来的冲击,遂令香港电影迈向成熟的雏型。
五、六十年代是国、粤语片起飞的时期,其中由四十年代末到六十年代中更是粤语片的盛产期。这段黄金时期粤语片有以下几个主流:
1、戏剧戏曲片
据估计,在五十年代每年就有200部 剧戏曲片问世,差不多每三部粤语片之中就有一部是粤剧片,而在1958年更达到了高峰,这一年的160部电影中,粤剧占了一半。
“舞台式”的粤剧片基本上制作费不高,电影技巧也不特别考究,因为大部份都沿用粤剧舞台上的大老倌演出,只唱主要情节,其馀的排场做手都不严格。因此,这类戏曲大多被揶揄为“五日鲜”、“七日鲜”。当然其中也不乏制作认真,至今仍为人津津乐道的不朽经典,如《帝女花》(1959)、《紫钗记》(1959)、《李后主》(1968)等。而戏曲片的演员亦有不少为人熟悉的名字,包括:任剑辉、白雪仙、新马师曾、薛觉先、林家声和 艳芬等等。
至于戏剧戏曲片为何会在五十年代大受欢迎呢?这是因为战后粤剧发展蓬勃,进棚看戏成为上流社会的消费享受。至于一般市民只好听电台话剧或听粤曲,有见及此,电影公司便把大量经典戏剧拍成电影,让戏迷可以以低廉的戏票欣赏传统的戏剧戏曲。
2、文艺片
这时期的文艺片背景多为民国或当代,讲求戏剧结构,又或改编自中外文学、流行小说,或袭取荷里活通俗剧的故事模式。而提到这类环绕家庭伦理、男女之爱的文艺片,就不得不提粤语片电影公司中的佼佼者 : 联合电影有限公司“中联”。
“中联”创建于1952年,共生产了44部电影,出品了不少粤语片中的经典,如李铁的《危楼春晓》(1953)、《天长地久》(1955)、楚原的《可怜天下父母心》(1960)等等,都是家传户晓的作品。
“中联”的21位精英,有见于影艺界充斥着粗制滥造之歪风,遂以认真的拍摄态度、主题健康的电影信念为大前提,创办“中联”以抗衡媚俗投机而质素低劣的“七日鲜”货色。这批电影界精英包括导演李铁、吴回和十三位着名演员:吴楚帆、张瑛、张活游、白燕、黄曼梨、紫罗莲等等。
“中联”电影每每针对香港社会种种问题,批判上流大亨的伪善丑恶,带有浓厚的教化意味,更大大提升了中国电影的美学层次。大概是因为过份执着于传统道德使命,“中联”渐渐跟时代脱节。到1967年,它也随着粤语片的息微而关闭,但其对香港电影的影响是绝不容忽视的。
3、古装武侠片
五十年代的古装武侠片大多以民间熟悉的侠义神怪故事为骨干,但武打场面并不讲求真实感,发展至后期(六十年代初、中期)日渐注重动作场面设计,大量加进了特技花款(如怪兽、怪人装扮和模型特技)、曹达华和于素秋就演了不少这类古装武侠片,如《如来神掌》系列。
4、喜闹剧
这类电影大多以诙谐搞笑的喜剧演员挂帅,桥段不外乎“大乡里出城”、“癞蛤蟆想食天鹅肉”之类的故事,如新马师曾、邓寄尘主演的“两傻”系列。
以上各类型的粤语片虽然在电影美学角度上来说,艺术感略嫌粗糙,但论到能否带给观众共鸣,则可谓绰绰有馀,难怪这段时期,粤语片的产量可观,令粤剧片达至高峰期。
事实上,从1967至1969年,粤语片的产量仍高于国语片,只是到了69至70年,情况才开始扭转。
国语片由低沉转盛的转捩点,是五十年代中期“国际发行公司”与邵氏父子改组,分别成为“电影懋业公司”和“邵氏(兄弟)公司”。“邵氏”和“电懋”资本雄厚,野心勃勃,改组后锐意在香港电影业大展拳脚。它们不但全力推动国语片,还建立完善的发行网来开拓海市场。
1957年邵逸夫掌舵“邵氏”,制作大量高质电影,首部成功的作品是李翰祥执导的《江山美人》、《不了情》,达到前所未有的以“十万”为单位的票房成绩。“邵氏”电影制作豪华瑰丽,粤语片中的“烂衫戏”可谓相形见绌,加上制作重质不重量,鲜有“七日鲜”的电影出现。
国语片的热潮不独使国内兴起的黄梅调电影带到香港并使之流行起来,更创作了新派武侠片,包括改编自金庸及梁羽生的武侠作品:胡鹏导演的《射雕英雄传》(1959)。单在1963年,武侠片的产量已高达61部,而武侠片之中的代表作则是胡金铨的《龙门客栈》(1966)及张彻的《独臂刀》(1967)。狄龙和王羽这些武打明星的出现,亦可视为七十年代李小龙冒起的前奏。
事实上,从五十年代起,国、粤语片的确并存,虽然两者存在竞争,但本质上是相容的。可是,随着国语片从1970年迅速发展,加上粤语片青黄不接,于70-71年间,国语片的产量多达116部,而粤语片只有22部;于71-72年间,国语片数量依然上升,反观粤语片却只剩一部,那是由邓丽君主演的《歌迷小姐》。之后的数年,国语片一直领导着香港电影市场。
最后值得一提的是,虽然在六十年代末期,粤语片面对着国语片雄霸市场的威胁,但仍力求在戏种上有所突破,青春歌舞片顺势兴起,并造就了两位当时得令的年青人偶像- 舴挤己统 宝珠,电影界追捧偶像的热潮可说是由她们而起。
香港电影的求变期(1970-1979)
七十年代是香港普及文化的重要转捩点,而香港电影也随着电视的普及化,社会和经济的发展,以至香港人心态的转变而受到种种冲击,以致七十年代的香港电影是趋向多元化及地道化。
承接六十年代中期的凌厉气势,“邵氏”在七十年代初期依然在香港电影业占着领导的地位,拥有“东南亚电影王国”的美誉,出品了大量国语武打片,大导演包括李翰祥、张彻及刘家良等等。他们都以熟悉的刀剑拳脚功夫片作依归,电影世界里都是强烈的阳刚味,其中张彻的电影更造就了偶像级武打明星,如王羽、狄龙、傅声等。1970年的《龙虎门》就是当年“邵氏”最卖座的功夫片之一。
踏入71年,此类古装刀剑片的锋芒其实以较在六十年代逊色,原因大抵是一代武打明星李小龙的出现。
李小龙配合着邹文怀的“嘉禾电影公司”的崛起,在七十年代初叱咤一时。从首部作品《唐山大兄》(1971)到之后两年间拍摄的《精武门》及《猛龙过江》令李小龙进运国际影坛,创造出香港电影事业的神话。
1973年李小龙骤然暴瘁,令功夫片热潮未能延续。而随着本地文化的普及,香港观众对远离现实的功夫片渐渐失去兴趣,反而对反映当时社会状况,讽刺现实的电影加以青睐,这就解释了楚原的《七十二家房客》在1973年成为最卖座电影的原因。
《七十二家房客》里的演员,如郑少秋、沈殿霞都是当时的电视艺员,而由于电视已成为当时的重要媒体,因此他们对观众来说有一定的吸引力。而这部电影的成功,不但为以后的新电影类型作了开端,更令粤语片得到重新。
自此,很多电影都走地道市井的风格,演员的演绎亦带有嘻笑怒骂的味道。从电视跳到电影的许氏兄弟也因此而冒起,成为七十年代、以至八十年代香港电影的中硫底柱。
由于从七十年代中期开始,大家的主导阅读方式是电视模式,很多粤语片的题材或灵感都是来自电视内容,如《阿福正传》(1974)、《大乡里》(1974)、《新啼笑姻缘》(1975)。许冠文、许冠杰两兄弟也跳出了电视趣剧的框框,走上大银幕,以其独有的“笑话公式”拍摄了一系列非常卖座的喜剧 :《鬼马双星》(1974)、《半斤八两》(1976)、《卖身契》(1978)等等。这些电影不但令喜剧在香港电影史上得到前所未有的重视,更促使了后来功夫喜剧的诞生。
1978年袁和平执导《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜剧的地位,使其成为七十年代末最具代表性的电影类型。功夫喜剧离开电视感性,以密集的功夫设计及谐趣的杂耍风格吸引观众;可以说是揉合了传统功夫片及许氏兄弟式的喜剧精粹。演员方面,成龙,洪金宝等也摆脱了以往武打明星的英雄模式,改而以反叛贪玩的形象来亲近观众。
除了以上提及的片种,提到七十年代的香港电影,不可不提的是大导演李翰祥从台湾返回香港东山再起,大拍风月绰头及骗术奇观电影。好像他在1971年拍下的《骗术奇谭》,不但开始了他的电影生涯新的一页,也象征着七十年代香港电影意识的转变-金钱至上、绰头化的风格抬头,这个影响一直延续到八十年代。不过,1979年香港电影新浪潮的出现却为香港电影带来了富神采而短暂的变奏。
‘玖’ 香港电影特点
香港电影永远充斥着那么几个主题…兄弟…浪子…暴徒…帮派…它的爱情片…也总是英雄配美人…要么就是忍辱负重…台词设计也非常老…总感觉像民国时期的说话习惯…一些现代都市片…总出现什么少爷啊…二奶奶…还有什么煲汤…补气…感觉怪怪的
‘拾’ 香港电影,是庸俗还是艺术
在和平年代,我国影视业的发展是有目共睹的,其中香港电影就是其中的一匹黑马,直接撞进了人们的眼球。对于香港电影,有的人喜欢、因为热闹有趣,有的人却不怎么认可,毕竟看起来是那么的乱七八糟、夸张无比。那么,对于香港电影而言,香港电影,是庸俗还是艺术?这一个问题,笔者将在下面的篇幅中展开讨论。
电影在一定程度上就是讲庸俗的东西通过独特的电影艺术再创造展现在观众的面前,让观众去喜欢,去欣然,这个过程本身就是一种艺术。对于香港电影,毫无疑问是深受观众喜爱的一种艺术。