❶ 为什么说卢米埃尔和梅里埃开创了电影纪实与写意
技巧与形而上的东西
——蒙太奇与长镜头の辩
鼻祖卢米埃尔
卢米埃尔创作电影时，手下一名摄影师第一次将一幕舞台剧照搬到荧幕中，于是，一种后来被称作长镜头的电影摄制方法诞生了。可以想象的是，电影在当时作为一种新鲜而有趣的事物，不论是观看一辆从荧幕尽头开到眼前的火车头还是两个不断打来打去的农夫，观众总是处于一种集探窥与喜悦的兴奋心情当中。
阶级社会里电影的最先受众总是拥有社会话语权的资本家与流淌着高级血液的贵族阶层，于是不可避免的，作为当时还处于主流地位的类似歌剧、话剧等舞台剧种因电影这种新鲜事物的诞生流失了相当一部分观众，而这些观众正是以上那些资产阶级以及贵族。在这些容易接受新鲜事物的主流阶级的推广及影响下，电影逐步在一定地域范围内确立了其生存下去并能够持续发展的权利，而其形式，受年代的主流文化及科技水平的影响，一种摄影师静默在板凳上“不动的拍摄”的摄制方式为标志的电影形式，“舞台剧电影”诞生了。
这种形式的电影就如只用一台摄像机拍摄一场晚会，将画面前的东西完全照搬上荧幕，没有任何艺术价值可言，其电影摄制方式名曰“长镜头”，却是指的最狭义上的长镜头，与后来巴赞理论中的长镜头理论完全不可混为一谈。在这期间，《工厂大门》、《火车进站》、《烧草的妇女们》等一系列当今研究电影史的人大呼快哉的短片相继拍摄。路易卢米埃尔亦将斯时的电影称作“一种可以重现生活的机器”，骄傲的区别于爱迪生的“电影视镜”那种制造动作的机器。
武断的称卢米埃尔那种固定视点的单镜头拍摄的电影没有艺术价值也太失公道，任何被称之为大师的人都经历过从幼年到其成就之前那段一无是处的时光，而被称作电影大师的理由尽管各种不同，但就如安德烈.塔可夫斯基所说，“所谓大师正是因为他们自己那种独有的风格，一种任何观众都能从一部其所作但事先不知名的作品中领略到的其独有的节奏”，或许在无意中，《火车进站》创造了景深镜头，而后续的电影人逐步将其概念化，而卢米埃尔也成为了那个时代的电影艺术里第一块里程碑上的名字。
普多夫金与爱森斯坦
有一段时期，蒙太奇基本成了前苏联国产电影的一切，这件事本身的戏剧性让人不禁联想起蒙太奇本身的特质，给予影片戏剧性的变化，安德烈塔可夫斯基在《雕刻时光》中提到与蒙太奇相关的电影的戏剧性严格区别于“戏剧性”这个词汇字面上的意义。
普多夫金曾幽默的分析蒙太奇（Monter）与其相类的一个称呼，“Cutting”。他认为随着时代与电影艺术的发展，简单蒙太奇（Monter）这个词已经不能作为定义影片剪辑与嫁接这种复杂而又玄妙的手段的概念，至于找出哪个更完善的词汇来代替，笔者翻阅有限的关于普多夫金的一切资料并没有找出答案。或许可以将这个未知的词汇归结为他给蒙太奇下的一个定义，“在电影艺术作品中，用各种各样的手法来全面的展示和阐释现实生活中各个现象之间的联系。在这个意义上，决定着影片的蒙太奇的，是导演们一般文化素养的水平。蒙太奇也决定于导演观察生活，分析观察结果并对之进行独立思考的能力。最后，蒙太奇决定于导演作为艺术家的天资高低，这种天资使导演善于把生活现象之间的潜伏的内在联系变为仿佛昭然若揭的鲜明可见的可以直接感受而不必解释的联系”。
蒙太奇的奠基人，爱森斯坦的理论依然在当今电影理论界充当着基石的作用，或许直到下个世纪，假设没有科技超越性的帮助，依旧没有人有力将之搬走。较之于普多夫金，爱森斯坦的观点更加明确一些，其《杂耍蒙太奇》中将蒙太奇的作用归于使电影变得富有戏剧性，“蒙太奇在电影中就是有调理贯通的阐述主题、情节、动作、行为，阐述整场戏、整部影片的内部运动的任务”，作为开创者同时又是一个革新者，爱森斯坦竭力反对，电影在长镜头下合理的时间顺序，严格的因果逻辑与那种推移式的叙述式拍摄，而是主张“把无论两个什么镜头队列在一起，它们就必然会联结成一种从这个队列中作为新的质而产生出来的新的现象”。“在出色的电影大师的作品中，且不必谈什么激动人心的叙述，即便是合乎逻辑顺序的、脉络分明的叙述，都不多见……”，在爱森斯坦鲜明的理论中，我们不知该联想到一个类似毕加索般激进的现实主义者，还是一个花白胡子跳脚的老头。不熟悉这段历史的笔者不禁想起塔可夫斯基的一段话，“所有国内（指前苏联）那些被称之为大师的电影导演，其成名之时往往都是二三十岁的年轻人”。也许斯时爱森斯坦正是一个激进的小布尔什维克吧。
回归长镜头
达芬奇，拉斐尔，米开朗基罗，巴赞，塔可夫斯基，戈达尔……
这几个人分一下组的话，不外是前三后三，除非读者对文艺复兴的历史不知分毫。想当年前辈们冒着暴君严苛的法律与罗马教廷的酷刑打着复兴古罗马文化的旗号展开了轰轰烈烈的现实主义文艺复兴运动，旨在艺术上回归现实，接近平民，并运用隐喻的方法揭露那个时代血淋淋的不公与统治者的暴行。正如后来人巴赞等回归长镜头一般，尽管没有那个时代如此鲜明的斗争意义，但就巴赞“摄影影像本体论”中所提出的反对爱森斯坦蒙太奇理论的观点，认为爱森斯坦的蒙太奇理论已然过时，只有长镜头才理论才是现代电影理论来看，大有一取爱森斯坦蒙太奇理论而代之的豪迈。
巴赞理论体系中的长镜头已经完全区别于卢米埃尔时代的长镜头，那时候没有类似长镜头理论等上升到概念的东西，完全是技巧性，且根据需要自然而然随机产生的事物。就塔可夫斯基的观点，长镜头完全是一种独立的艺术种类，即便在电影艺术框架内，长镜头发展至巴赞的年代，已经有了三大类的区分，电影学院反复教授的推、拉、摇、移，四种摄像机操纵方法最开始也只是单独作为长镜头拍摄的专属方式。到而今，随着科技的发展，将电脑特技运用到长镜头摄制中，摆脱了之前由于技术所限不得已而为之的自然暗转与隐蔽剪辑的技巧，长镜头又有了质的飞跃。
作为笔者最沉迷的一部着作《雕刻时光》的着者，安德烈塔可夫斯基，其长镜头的理论依然上升到哲学的范畴，的确，哲理性的东西用长镜头拍摄是最佳的选择。但较之蒙太奇带给大众视觉的冲击与感官的洗礼，长镜头下的电影往往显得严肃，朴实，昏昏欲睡的大众一般不会接受好莱坞制片厂以外的东西，或许只因为是寻找感官上的满足，上升到艺术的精神层面，长镜头带给人的的确是更深邃的东西。也许是一种见解，也许是导演的顿悟，也许是你跟局中人瞬间的共鸣……
当巴赞遇到爱森斯坦
——浅析“长镜头”与“蒙太奇”
一只绿头大蜻蜓，嗡嗡的飞过月色下的灌木丛，偏转着翅膀转过一片被风打来的树叶，越过丛林与公路之间的铁丝网，俯冲到斑马线上空，傲慢的穿过第一辆奔驰而来的汽车，越过第二辆呼啸而过的汽车，紧接着啪的一声，撞在第三辆汽车玻璃上变成一团浆糊，一部电影从这辆汽车开始了……
这是好莱坞电影《黑衣人》富有创意的一个开场白，电脑特技合成的蜻蜓，加上一组动感十足的长镜头。本文的主角之一——长镜头，盛装登场。
法国电影理论家巴赞，根据自己“摄影影像本体论”的观点提出了反爱森斯坦式传统的电影拍摄方法，即与蒙太奇理论相对应的电影理论。迎合上世纪四五十年代现实主义盛行的现状，现实主义电影也被深入研究，而与现实主义电影想契合的拍摄方法正是长镜头。就巴赞的观点而言，电影就是将一个照相机摄像化，其场景由单幅且一格的胶片变成一副类似张择端《清明上河图》这样需要一条长长的桌子铺开，而且需要人一步一步走过观赏的连续性极具因果关系的特大号胶片，依然是单幅一格。
安德烈.塔可夫斯基将镜头与镜头之间充当桥段与节点的地方称之为电影的节奏——“一条海里生长的水草，随着它缓慢优雅的摇曳摆动，我们得以知晓大海的潮汐、暗流、水压、涨落”。而他认为对胶片生硬的剪接不仅破坏了这种节奏，且引发了电影时间上的“蝴蝶效应”，当人们无法关注电影内时间的真实性而是惊讶的发现于交战双方来回切换的镜头时，他们会感觉到时间过的如此的缓慢，犹如一只来回摇动的钟摆，指针却不走一步。
当我们不从历史的原因细致的分析长镜头的起源、发展，并且不考虑其在电影摄制方法上的鼻祖地位时，从另一个角度来窥探，把它当做为了展现塔可夫斯基哲学意义上的电影内时间的推移“从复制于长镜头的生命流程”来知道的时间感而衍生的一种独立的艺术，我们便会领悟到《大国民》（又名《公民凯恩》）中为什么要通过不漏痕迹的剪辑来来展现一组在荧幕中看起来自然暗转的长镜头，就像那跟水草，随着电影内时间的流动，随着奥逊.威尔斯的节奏摇曳起伏……
于阿巴斯那跟贫瘠的土壤相称的静谧中；于安哲罗普洛斯悠悠的诗意中；于塔可夫斯基哲理的深思中……让长镜头的魅力一一在大师的影片中领略吧。
本文的第二位主人公与上着相比就如上世纪四五十年代好莱坞类型片与伍迪艾伦的独立电影的关系，前者是大众意义上的主流，而后者却是一种探索意义上的少许严肃的电影艺术。它就是那个被初学电影卖弄知识的青年用滥的词汇——蒙太奇。
与巴赞的舞台剧式长镜头理论相比，爱森斯坦作为长镜头理论二号人物塔可夫斯基的老师的老师却是丝毫没有让步的意思，毕竟他的理论要先于巴赞。不论长镜头毕竟是卢米埃尔兄弟第一种试验使用并沿用至今的电影拍摄方法，巴赞的景深镜头理论严格来说是继爱森斯坦蒙太奇理论之后对学院派电影的一种冲击，正如叛逆的孩子不可避免的做出极端的举动，但是现实主义浪潮中涌现的先驱者们不都是靠着这股革故鼎新的勇气使陈旧的面貌焕然一新么。
蒙太奇，正如本文的写作一样，没有严格按照时间的顺序因果的逻辑，先从早于巴赞的爱森斯坦写起，而是将其置后。蒙太奇的魅力正是使观众在某时某刻于电影中出离，与导演的意图相契合。爱森斯坦在拍摄《十月》中完美的阐释了这一点，他运用理性电影的原则，不仅展现了1917年2-10月发生的一系列事件并且揭示了这些事件的含义。
我们回忆爱森斯坦时一定不会忽略那部《杂耍蒙太奇》，其实辩证的看，塔可夫斯基并不能完全脱离其太老师的蒙太奇理论，就如书中所述“任何这样的因素，它能使观众受到感受上或心理上的感染……”，把“任何”去掉，正巧符合塔可夫斯基用哲思看待电影，与其电影中所展现的博大深邃的精神主题。
当我们回到文章开头那只在影片伊始飞了足足三分钟的绿头大蜻蜓，在以好莱坞为代表的大片场制度下的大众电影的摄制中，蒙太奇与长镜头的争论已经不再成为问题，一切为了观众的眼球，蒙太奇是为了带给观众感官的冲击，长镜头可以用电脑特效制作，国产大片《云水谣》开场有一个非常精致的多变的长镜头，电脑将八个镜头合制而成，效果极为出色。但是就如数码相机与单反机械相机相比，胶片摄影机与数码摄影机，国产电视剧与美剧相比一样，现代化的东西用起来总是不如老旧的有质感。所以艺术层面上，长镜头与蒙太奇孰优孰劣之争从来都是未熄之火。
悠悠然，大师们已经长眠地下，但他们的思想却通过各种形式在这个蓝色的星球上传播，电影诞生时卢米埃尔兄弟手下一个摄影师很自然的运用长镜头将一幕舞台剧搬运到胶片内，随后是以胶片剪辑与嫁接为手段的蒙太奇理论的开创，直到类似文艺复兴时期艺术家打着回归古罗马文化的大旗进行的文艺革新的长镜头理论的再一次勃发，从卢米埃尔兄弟到爱森斯坦到巴赞，从宙斯到普罗米修斯到达芬奇，从创世纪到文明的诞生到在文艺复兴的大旗掩护下激流勇进的革新，从舞台式长镜头到蒙太奇理论到运动的长镜头。
“小溪—骤雨—河流—瀑布—海洋”（塔可夫斯基《雕刻时光》），这句话阐释了单线发展的历史真谛，所有的事物进行时，总不会脱离时间的范畴，无论是电影内的还是电影外的，当新的大师站起来时，一场新的世纪辩论才会正式拉开序幕……
❷ 浅谈西方电影名的翻译技巧
摘要:电影片名的翻译对于国外电影在中国的传播来说意义重大,不仅要言简意赅地揭示剧情内涵,也要给人以美感,激发观众的丰富联想,希望能一睹为快。好的译名既要有艺术性,又要有实用性;既要符合语言规范,又要富有艺术魅力。除了要体现原片名的语言特色,达到与影片内容的完美统一,也不能忽视其 广告 促销功能。翻译片名是一项重要的且富有创造性的工作,讲究一定的 方法 与技巧。
关键词:英文电影;名字;翻译技巧
一、 文化 差异
文化是语言活动的背景,而语言又是翻译的手段。当我们与他人交流时,仅仅关注的是语言本身就很难有效地交流,因而译者在翻译过程中起着举足轻重的作用。如果我们对文化差异不了解或对于背景知识所知甚微就会导致很多问题。
1.不同的风俗习惯。在社会生活和文化交流中,不同国家会在这个过程中形成其特有的风俗习惯。所以在翻译过程中,应尽量解释出与本国文化存在差异的风俗习惯,尽量忠于原文表达出的 文章 的实际含义。
2.不同的宗教信仰。宗教文化是由人们宗教信仰的不同在宗教活动中随之产生的一系列文化,有很多 谚语 习语是与宗教有关的。在中国,儒家、道家和佛教是对文化影响最深远的三大宗教。与之不同的是,__在西方的宗教文化中起着举足轻重的作用,这就需要翻译者补充与宗教相关的知识,在这两种文化中架起一座桥梁。
3.不同的 思维方式 。思维是语言的组成部分,而语言又是思维的表现形式。不同国家的思维方式表现为不同的语言体系。当表达时间空间概念的时候这种差异极为明显。
二、翻译的原则
电影片名往往以突显影片内容,传达主题信息,确立全片感情基调,提供审美愉悦,吸引观众,增加票房为其终极目标。片名佳译、妙趣横生而又发人深省,因其深邃的文化内涵和生动可人的语言而倍受中国影迷和英语 爱好 者的关注和青睐。在电影片名翻译跨文化、跨语言的转换过程中,往往体现了它的信息价值原则、文化价值原则、审美价值原则和商业价值原则。
三、翻译的方法和技巧
1.音译法。音译就是根据发音将片名译成另一种语言。如获得第16届奥斯卡奖最佳影片奖并被誉为“影史最伟大的爱情电影”的Casablanca译作《卡萨布兰卡》,就是采用了音译的方法。片名采用音译的例子还有很多,如罗曼·波兰斯基执导的1979年版的电影Tess译为《苔丝》以及HarryPotter《哈利波特》,采用的都是音译,这些片名都通过音译保留了一些“洋味”。
2.直译法。直译,倒并非一定是“字对字”“一个不多,一个不少”。因为中西文字组织的不同,这样“字对字”“一个不多,一个不少”的翻译在实际上是不可能的。恰当的直译不仅能带来很高的原语文化信息传递的信息度,而且能产生较高的文化信息传递的有效度。片名的直译是比较简单且 保险 的方法,由于是按照原片名直接译出对应的汉语片名,它的好处在于能最大限度地保留原片名的味道。如:日本偷袭珍珠港是美国加入第二次世界大战的导火线,以这个世人皆知的地方命名的影片The Pearl Harbor直译为《珍珠港》。根据文学名着改编而成的影片也往往采用该名着中译本的直译书名,如:Jane Eye《简爱》,Pride and Prejudice《傲慢与偏见》。
3.意译法。英语和汉语毕竟是两种不同的语言,有不同的文化内涵和表达方式,当形式成为翻译的障碍时就要采取意译法。意译,也就是纽马克所称的交际翻译。这种方法旨在保留译语的“达”“雅”,丧失了原语的形式,但与此同时并未改变原语主要的文化信息,从而使译语优美明了。另外由于东西方民族的价值取向、审美心理、文化背景等存在着诸多不同之处,在某些情况下,如果把片名直译过来,也可能会失去原片名的本来意义,甚至可能产生一些错误的联想,影响影片在观众心目中的形象,在这种情况下,可以采用意译法,以凸显影片的特征,激发观众的欣赏欲望。意译无法传递原语的全部文化信息(尤其是无法传递原语的形式特征),但却能产生很高的文化信息传递的有效度。片名意译前需要先对影片内容、背景有深刻透彻的了解,这样才有助于理解原名,使译出来的片名与影片内容相吻合,并尽量再现原名的信息。意译不但给了译者创造的天地,也给了观众想象的空间。需要注意的是,译者应使片名意译得通顺上口,让中国观众明白。
总之,英文片名虽然很短,翻译起来却没有看上去那么简单。不同的影片名侧重点不同:有的是以人名或地名命名,有的是以时间或地点命名,还有的是通过影片名来描述整个事件的发展过程。因此,很难找到一个统一的公式将其套用在影片名的翻译当中,也很难找到一种权威的翻译理论专门用于指导影片名的翻译,只有将不同的翻译理论结合起来,在不同场合,用某种理论的某一点配合相应的方法进行翻译,才能贴切地翻译出合适的译文。因此可以说,影片名的翻译是一个艰难的再创造过程,每一种译法都有其不同的遵循原则以及与此方法相适应的片名。总而言之,灵活运用这几种方法,可以为各种各样的影片名找到合适的翻译方法,翻译出合适的影片名。
参考文献:
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[6]柳耀辉.影视文化论文集[M].四川:四川人民出版社,2002.
❸ 浅谈库布里克八部惊世骇俗的电影
星期五言：1960年，当库布里克完成了《斯巴达克斯》的导演工作后，他开始酝酿起了自己的下一步电影:《洛丽塔》。许多人认为这是斯坦利电影生涯的一个转折点，原因在于自此他赢得了其在好莱坞拍电影的“特殊待遇”——拍自己想拍的东西、绝对的导演控制权…如此，以库布里克的天赋与叛逆，其电影的“饱受争议性”与“惊世骇俗性”都是顺理成章的了！从被天主教廷封杀的《洛丽塔》，到接收恐吓信不断的《发条橙》，再到近乎病态的《大开眼戒》...他的作品几乎无一幸免引起社会的轰动与争议。同时，库布里克也在这些争论中走向了伟大。
文：太虚宫
编辑：大薯仔
图片：网络
当然，好莱坞的特殊待遇可绝不是成就库布里克之伟大的唯一因素。我们曾在过去的文章中说过:没几个导演能比库布里克更擅长用纯视觉、听觉语言讲故事了；再者，也没有谁比他更善于把握电影节奏了…真正的原因还是要到他的电影中去寻找。
自上世纪六十年代初到库布里克去世为止，他一共出品过不到10部作品，这决算不上高产。也全赖于此，本人在此得以对其每部作品逐一进行谈论。一切就从那个“转折点”说起吧——
（注：1、所有评论均属个人观点；2、所讲电影按其创作时间线排列，你会看出库布里克总在调整自己、趋于完善自己、尝试创新的特点；3、文末附《巴里·林登》网络云链接）
1、《洛丽塔》（1962）
“他会利用你的视觉意识，从而颠覆你的惯性思维”
▼先来看下面这组图片（注:床上的是夫妻俩，床头上摆着的照片是男人的继女）
我想即便是没看过整部电影的人，在看过这几个场景也该知道男人心里在想什么了吧！试想:父女恋、乱伦心理、对妻子世俗的厌恶等等这些细思极恐的复杂情感，导演用几个表情、一个相片、一把枪的道具就讲明白了。这便是库布里克的视觉故事，他能用最少的道具、最简单的镜头与台词把人物最复杂的心理表达出来。
那么，观众在感受到人物的心理动机后接下来电影会发生什么，导演会让男主拿枪杀人吗？
如果你这么想就大错特错了，库布里克可不会跟着套路走！他会反其道行之，让剧情发生意想不到的转弯...（至于怎么转弯，大家还得自己看。）
不得不说，看库布里克电影的乐趣之一也在于此:意想不到的情节加意想不到的电影处理手法。
2、《奇爱博士》（1964）
“介于“过家家”与“极致美工”间的黑色幽默”
我们再来看看库布里克在《奇爱博士》中是怎样用两个极端的方式来达到对电影风格的颠覆的——
他会把电影中涉及的美国军方的所有军事守则以及行军设备道具做的连FBI都挑不出什么毛病，他会把美国国会和军情室布置的比真的还像真的。
然而，如此庞大而细致的服化道工作完成后，演员们在其中上演的却是一场嬉笑怒骂的黑色喜剧，像是一群军事家政治家在玩儿过家家。我不知道之后周星驰的《国产凌凌漆》有没有受到这部电影的影响，但在库布里克之前，绝没有人敢如此挑衅国家政治。
自然，这部电影开创了黑色幽默、政治讽刺剧的先锋，当然它也饱受了社会的争议。
3、《2001太空漫游》（1968）
“视觉、听觉的华丽在先，思维意识的前卫在后”
这部《2001太空漫游》的伟大已经无需多说了。无论是在视觉创新、镜头运用还是音效、剪辑上，导演以及创作团队都做出了史无前例的创新。
更可贵的是，你永远无法对这部电影定性，它不属于悬疑片、不属于纪录片、不属于历史片...你唯一能给它贴上的标签就是“库布里克”！有关《2001太空漫游》电影分析，请参照本人的另一篇文章：（从局部看《2001太空漫游》的伟大之处）
4、《发条橙》（1971）
“用暴力本身阐释暴力，一切不攻自破”
撇开《发条橙》的内容与争议性先不说，光是那些视觉、听觉与节奏上的刺激，已经让人欲罢不能了，从电影构图，到大饱和的色彩运用，再到音乐画面剪辑，所有这些电影元素都能让你得到前所未有的感官刺激。
当然，享受这一切有个前提——你得突破一些道德意识局限。原因很简单，导演把这种“视觉美”与“暴力”、“色情”捆绑到了一起。
如果你以为这是一部简简单单的宣扬暴力的电影，那就未免太小看库布里克了。导演在电影的后半部分用了大量的篇幅来阐述“暴力被驯化”、“社会价值观的真面目”、“舆论动机”等这些个问题。
每次在看这部电影时，其阐释暴力的手法总能让我想起《猜火车》，而暴力与反暴力的二元对立性又能让我想起《天生杀人狂》。当然，论电影的震撼度，无一能跟《发条橙》相比的。
《发条橙》无疑开创了审视人类暴力与犯罪的新视角，至于那些争议，只不过说明库布里克对于自己的时代太过“前卫”罢了。
5、《巴里·林登》（1975）
“只要他想，就能用摄像机把你带到任何时代”
听说库布里克在拍摄《巴里·林登》前盯上了华纳的一台老式米歇尔BNC摄影机，由于那摄像机长期没人用，负责人慷慨地把它送给了库布里克。而到事后被人问起这台摄像机，负责人才得知这是台无价之宝，悔之莫及。没错，库布里克就是拿着这台BNC摄影机，改装上了超大光圈F0.7镜头，去拍《巴里·林登》了！于是，我们得以看到两百多年前关于英国王室那如同油画般的画面。
上面这个故事告诉了我们，库布里克到底是怎样一个容电影技术性与艺术审美性于一体的天才。他和他的美工团队结合了“维多利亚时期”的画作，打造出了一个属于他们自己意向的活生生的“乔治时代”，三个小时的电影，就像做梦一样。
另外一点，关于《巴里·林登》的节奏，在库布里克的电影中从没有出现过“唰唰唰”式的快速剪辑（除非纯MV式的段落），他从不强塞入电影过多的情节与信息，他的电影永远都是视觉美感先于戏剧张力的，他的故事也从来都是不紧不慢地去讲述的。于是我们便能看到其电影中大量“固定镜头”以及缓慢的“推轨镜头”的运用，以及《巴里·林登》中的旁白叙事。
当这种“不紧不慢”讲故事的方式应用到他的下一部电影时，我认为它被发挥到了极致。
6、《闪灵》（1980）
“视觉与表演的完美结合”
提起恐怖片，我想大家总会想到一些必要的元素，比如说黑夜、血腥残杀场面、可怕的面容、近距离的跟拍镜头等等。然而，在库布里克的《闪灵》里，这些元素基本一样都没用上。这是一部纯粹的心理恐怖片。那么，库布里克是怎样做到“恐怖惊悚”的呢？我们来看以下三点——
1、鬼魂就那么出现了
大卫·林奇说过真正的恐惧不是发生在黑暗中，而是光天化日下，它也不是发生在你的背后，而是眼前，就像《闪灵》...没错，当《闪灵》中那个通灵的小男孩儿丹尼骑着玩具车来到转角处时，没有事先铺垫，没有音效渲染，那对死了的双胞胎姐妹就那么站在丹尼的眼前了...这种视觉冲击所勾起的想象空间足以吓得让人起鸡皮疙瘩了。
2、一摞写着同一句话的纸
试想一下:如果你看到某个身边的同事每天都在对着电脑打字，忙的头都抬不起来，十年如一日。突然有一天，不经意间你发现他其实根本没在那工作，只是自己在跟自己聊天...这是一件多么恐怖的事！
回到《闪灵》中，我们都知道那个杰克（杰克·尼克尔森饰）是个作家，他整个冬天都在打字机上创作自己的小说。然而，当我们跟随他老婆温蒂的视角拿起那厚厚一摞打印稿时，最可怕的事情出现了:所有纸上都只写着一句话——“只有工作，没有玩乐，杰克呆若木鸡”…
没有什么比这种视觉效果更让人恐怖的了。这便是库布里克专有的恐怖表现手法。
3、杰克·尼克尔森的表演
在此要特别提下杰克·尼克尔森的表演。我认为他的戏全在他的面目上，而他恰恰是那种能把生活中细微本色的面部表情运用到剧情中的演员（可悲的是我们的演员恰好相反）。
这种细微的表演方式恰恰与这部电影所要的那种心理病态的感觉相符。于是便诞生了这部发生在现实中的超现实恐怖电影。
7、《全金属外壳》（1987）
“他将节奏与镜头在这部电影中发挥到了极致”
要知道，库布里克节奏感的独特性可不止体现在局部，在电影的段落把控上也绝对不同于好莱坞其他商业片。我们来看《全金属外壳》，当那个海军陆战队的士兵比尔被教官折磨、被战友排斥，精神近乎崩溃之时，电影似乎达到了最高潮，比尔拿起枪打死了教官，然后吞弹而亡。
而至此，电影只走到了一半，来看导演接下来是怎么处理的——几秒钟的黑屏，淡入，一个越南妓女出现在屏幕中，跟随妓女扭动的屁股以及音乐，我们进入了越南前线。至此，观众的情绪彻底松了下来。
电影就这么由紧密转到了松散，由专制转到了无政府主义，由严肃转向了荒诞...如此强烈的反差与节奏处理在电影史上是绝对独一无二的。
我们如果把电影分成部队训练、前线对战的前后两部分的话，那么通常，导演都会试图去寻找一种前后的因果关系，而库布里克偏偏反其道行之，前半部分的主角干脆通通死掉，配角在后半部分又成了主角，这未免让我们感觉到:那些所谓的战争理由与战争中的死亡根本就是两码事，这便是库布里克的独特视角？大家自有见解。
另外说下这部电影的镜头运用。导演再次用纯镜头语言与电影空间向我们传递了他的观点与叛逆，在此只需举出一例，看图，随着镜头拉远，景别增大，我们看到了什么——
8、《大开眼戒》（1999）
“他的临终遗作，却感觉还有使不完的劲儿！”
我想大师的临终之作已经无需多说了，所有拍摄风格都是“库布里克式”的——完美的构图、精准的节奏把控、一丝不差的音画配合、大胆而前卫的情节设置……
当然，除此之外还少不了他的创新，尽管此时他已经七十多岁了。他将中产阶层的空虚以及罪恶感深化具象成了一种“神秘主义”的概念，在这种概念下，那些有钱人的糜烂、乱伦、吸毒行为变成了一种仪式，这种“仪式”又通过库布里克的镜头表现了出来。
一切还是那么惊世骇俗，一切还是那么饱受争议。
最后用他朋友西德尼·波拉克（导演、制片人）说的话来结束这篇文章吧：
“我不记得史坦利有什么电影是不具有争议性的……而十年之后，这些电影都成了经典。”
没错，如今的我们已经没有人怀疑库布里克的伟大了，因为他电影的高标准以及所引起的社会争议已经足以证明其伟大了。
附：《巴里·林登》网络云链接
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❹ 根据摩登时代和罗马假日两部电影浅谈二十世纪三四十年代的好莱坞电影
好吧，电影1895年才诞生。也就是说，20世纪初，电影才在法国刚刚开始被人所接受。至于好莱坞，其实真正的兴盛是从20世纪30年代开始，也就是美国经济大萧条变相的促进了美国电影的繁盛。如果说真正的20世纪初的话，20世纪30年代应该是不太算的。
如果真的要做这个时期的美国电影的话，那个时期比较有代表性的也就是格里菲斯的1915年的《一个国家的诞生》，和1916年的《党同伐异》。都是以那个时期的社会为背景，涉及一些三K党，种族歧视等等问题。萨杜尔曾经说：“如果很好的回顾一下历史，1915年2月8日《一个国家的诞生》首次在美国上映的日子乃是好莱坞统治世界的开始，同时也是至少在以后几年间好莱坞艺术称霸世界的开端。”
格里菲斯虽说是里程碑式的人物，但是也许大家不会太对那个年代感兴趣，稍稍提及一些就好。但是从1913到1927年有声电影《爵士歌手》开始带领好莱坞进入黄金时期，这10多年都是查理·卓别林默片的天下。比如《城市之光》，《摩登时代》，《淘金记》等等。这个大家多少有些了解，资料也比较好查，可以着重这方面。
当然，如果想更丰富的话，可以简略讲述一下比如第一部彩色电影《名利场》，第一部有声电影《爵士歌手》，这些有代表性的电影后来都进行过翻拍，也有代表性，时间也是20世纪20年代末30年代初左右，比较符合你要求的时间背景。甚至也可以略略提到好莱坞称霸世界开始的30年代，比如秀兰·邓波儿，比如大量改编拍摄的名家电影，像是《小妇人》，《茶花女》，那个30年代是好莱坞开始振奋人心的黄金时期。略提这里也未尝不可。
建议参考一下北京电影学院的教材《外国电影史》，会有很大帮助。
希望以上这些能帮到你。
❺ 东西方电影文化差异
有些可以体现差异的电影先给你推荐下
<面纱><西洋镜>
刮痧，喜宴等
从电影着手，浅析东西方文化的差异 很多人都说，东西方的文化一直存在着很大的差异，这种差异不止局限于语言上，更多的表现在一些细节上。
就像中国人的影片，在外国人眼中，一直以来所被他们看好的还仅止局限于中国功夫，除此之外，对中国的文艺片，他们好像一直不怎么买帐；
而外国人的影片，似乎在中国人的眼中除了特技以外，一些外国人特有的表达方式也都在翻译中被消减了。
其实最直接的对比，就是拿中国人拍的武侠片与外国人拍的科幻片来看：中国人的武侠片讲究的多半是动作的华丽、大气，语言上比较苍白，讲究的往往是神态以及一些内心戏的表白，从而体现英雄气短、儿女情长的那种中华民族精神。并且把很大一部分的力气用在了选景上，却乎略了一些人物本身的魅力；
而外国人的科幻片，也许人物本身没有什么特别的演技要求，但他们的语言方面相当幽默，而且往往从大处着手，把特技放在一个很高的位置上。无论是场景的特技还是人物打斗的特技都显的相当炫目耀眼。人物的个人魅力往往通过外在的更直接的视觉系效果来体现，通过视听的方式来加深观众对人物的个性魅力的理解，而不是从其内心深处的东西来挖掘一个人。可以说西方人表达的一些东西更直接。
从电影本身也可以看出东西方人在个人的人生观以及价值观上的差距。因为外国人他们不论从科幻还是魔幻题材的影视作品中，往往所反映的都是一些与明天、与未来有关的东西；而中国人则更多的喜欢拍古装戏，或者就是拍一些五六十年代的农家题材的片子，显得相当的怀旧。就如同外国人喜欢提前消费，而中国人喜欢把钱存银行一样。
这就是中西方人的文化差异。
在影视剧选定角色上也是如此。外国人显的更加开放大气，往往喜欢将主人公英雄人物放在一个优秀的团队里，不论是主人公也好，还是他周边的伙伴，都是相当有个人魅力的家伙，而整个团队则有整个团队的魅力；
中国式影片如果是武侠的题材，往往将主人公描写的相当到位，而其他的人物则显得相对苍白，而且比较喜欢个人英雄崇拜，团队精神不足。
我想也许这就是东西方文化在电影中的最明显的体现吧！
从电影内容看东西方文化的差异
中国不能拍出和西方人一样精彩，出呼意料的动作片，
这是地方文化差异，就像他们不可能拍出像我们这样的武侠片一样的道理！
不知道你们有没有发现，中国人的想象力，是往洞穿宇宙奥秘发展的...比如说太级，人体经络，气功，长生不老...
而西方人的想象力是往科技，技术，科幻发展的...
中国，日本，韩国的恐怖片多以鬼怪出镜，我认为美国人肯定看不懂是什么意思，可能只认为那人长的丑了一点，
而西方人的恐怖片，多以血腥，暴力，科幻出镜...我们不觉得恐怖，而是觉得想吐！
西方人认为外表可怕的就是恐怖，
而中国人却是认为内心可怕的才是恐怖...
❻ 从影视作品浅谈美国文化价值观
]影视作品就像历史文化的一面镜子，透过影视作品我们可以了解不同文化背景下人们的生活观念与态度。美国的影视作品之所以俘虏了全球人的眼球，一个重要的因素就是将美国文化价值观巧妙地贯穿于其中。本文从捍卫梦想、追逐民主自由以及人性的光辉三个方面对美国影视作品中的文化价值观进行了分析与总结，让我们在通过影视作品了解美国文化的同时，也能对自己的人生观、价值观有重新的定位与思考。
美国的大部分影视作品都是选用亲情、友情、爱情、正义以及科幻为线索。大规模耗资制作的华丽场面，再加上其政治、经济、文化的优势，使美国文化中的个人主义、英雄主义、自由与民主借助影片完整地展现在观众眼前，由此引起人们的思索与探究。美国影视作品传达出的道德关怀和人道主义，物质进步和增长以及追求自由与平等的价值观都值得观众借鉴和学习，而这些不仅是美国经济、文化发展的支柱，同时也成为世界上大多数国家所乐意标榜的完美价值观。
一、美国的文化价值体系
美国文化体系的构建大多数来源于它的移民文化，所以美国的文化被称作一个“大熔炉”。美国的传统文化大多数是盎格鲁撒克逊人从他们的原住地所带来的，尽管融入了许多移民国的文化，大体上还是以英国的传统文化为主。自由女神像，芭比娃娃，《美国哥特式》，野牛镍币和山姆大叔被视为美国传统文化的五大象征，由此派生出的民主政体、自由原则、个人主义和英雄主义也就成了美国传统和主流的文化价值观。由于美国是一个新兴的资本主义国家，传统文化保留的时间也相对较短。美国的现代文化也是由传统文化逐渐过渡而来，主要表现在美国梦，自由与平等，道德主义与人道主义之上。无论是美国人，还是亚洲和拉美人，他们都把美国看成是实现梦想的摇篮，并想通过自己的努力在这片土地上有所获。同时，作为一个建立在自由之上的国家，自由与平等同样在美国文化体系中占据了最重要的位置，这是由于早期的美国殖民大多数来自殖民国的中下层阶级，他们严格反对“旧世界”的许多不平等现象，希望实现真正意义上的自由，即自己管理自己的生活。大多数美国人都有着虔诚的宗教信仰，因此道德主义和人道主义也被视为美国文化价值观中的一个重要组成部分。总的来说“美国的现代文化正在从隔阂走向统一”。当然这与美国的社会体制的改革密不可分。
二、从影视作品透视美国文化价值观
(一)捍卫梦想
1.不同人的不同梦想
电影虽作为一门视听艺术，但是在物欲横流的今天，大多数电影也不过是人们在闲暇之余以供消遣娱乐的玩物。但是对于真正让人看后有启示、有收获的电影还是一样会得到观众的热衷与好评。美国的大部分影视作品都在造梦，它并不仅仅局限在某一小小的部分。有希望实现种族平等的梦;有渴望过上富足生活的梦;有盼望登上万众瞩目的舞台，成为明星的梦;也有期望拯救全人类，探索未知世界的梦。而这些无一例外地都从另一个角度彰显了美国人的个人主义和英雄主义的价值观。无论是哪种意义上的梦，人们都笼统地把它称作现代意义上的“美国梦”。尽管不同的人对这个词语有自己不同的理解，但是他的轴心始终不会改变，美国这块土地提供一个可以实现梦想的平台给人们，即“人人都有成功的希望和创造奇迹的可能”。
2.从《阿甘正传》浅析阿甘的永不放弃
美国的许多电影都对“美国梦”有一个非常完美的诠释。影片《阿甘正传》和《当幸福来敲门》就是展现美国梦的典型。在《阿甘正传》中阿甘由始至终都贯穿着“笨有笨的作为”这一思想。尽管他是一个智障儿，但是凭着对生活永不放弃的信念，他顺利地完成了大学学业并参了军，最终还成为人们心目中的战斗英雄。命运对每个人来说都是未知数，我们永远无法知道等待我们的下一站会是什么。上帝为你关上一扇门的同时，也会记得帮你打开一扇窗，透过窗户，阳光依然可以照进来。阿甘的故事教会人们只要敢想敢做，一切皆有可能。
3.从《当幸福来敲门》中解读克里斯是如何捍卫梦想
另一部将现代意义上的“美国梦”诠释得很完美的电影就是The pursuit of happiness，美国电影《当幸福来敲门》取材于真实的故事。故事的主人公就是当今着名的投资专家Chris grander。这部电影属于励志电影，但是却与简单地描述个人了奋斗与梦想的励志电影截然不同。它成功地刻画了一位濒临破产，老婆弃家，只有和儿子相依为命的穷酸落魄业务员的形象，最后是如何凭借自己的努力成为知名的金融投资家的故事，而这一过程没有坚强的意志与精神的支柱，常人是很难做到，儿子就是他不断奋斗下去的动力。克里斯在影片中说：“我生活的这一部分叫做搭公车;我生活的这一部分叫做冒傻气;我生活这一部分现在的一部分叫做疲于奔命，我生命中这个阶段的阶段叫做幸福。”这部影片不是一味地强调个人的奋斗，脚踏实地抑或是凭借聪明的才智去获得成功。这里的幸福不是一个目标，一个方向，更是一种责任，一种权利。追逐梦想不是一味地行走，偶尔也需要停下来思考一下，人生的目标究竟是什么，有梦想就要好好地去捍卫它。
(二)追逐民主自由
1.美国文化价值体系中的自由与民主
平等与自由是美国人一直以来普遍认同的观念，美国人虽然没有统一的思想，但却有普遍认同的观念，即以平等和自由为中心的价值体系。美国的《独立宣言》更是将平等与自由放在了首位，他明确地指出“我们认为以下这些真理是不言而喻的：“人人生而平等，造物主赋予他们若干而不可转让的权利，其中包括生命权，自由权和追逐幸福的权力。”美国的自由与民主似乎就是上帝赐予他们的光环。在好多美国电影的开始，都有过这样的`一幕，在一片金色的光芒中，一个象征着美国人民争取自由、对美好生活的向往与追求的女神像高高地耸立在纽约港口的自由岛上。因此民主与自由也就被反复地穿插在影视作品中。
2.在《肖申克的救赎》中安迪和瑞德对自由的追求说到美国文化中的追求自由，同样也会把大多数观众的视觉拉回到1994年上演的《肖申克的救赎》当中。“有一种鸟儿是永远也关不住的，因为它的每片羽翼都沾满了自由的光辉。”这部电影用第三人称的旁白描绘了肖申克监狱所发生的故事，以瑞德的视角描绘了安迪的所作所为和因为他而得到救赎的肖申克监狱的人们。本片最能吸引观众的还是主人安迪公强大的内心的力量和对自由生活的执着。他说人生可以简单地归于两个选择：忙着活，或者忙着死。影片的整个过程中我们可以看到主人公渴望自由的执着从来没有停止过。花19年用石锤凿出一个洞，是什么给了他动力，是内心的希望的火种。“Fear can hold you prisoner，hope can set you free.”这也是作品本身所要告诉人们的。
(三)人性的光辉
1.人性的光辉是美国电影持久不衰的秘诀
美国的电影自始以来虽然在极力制造各种英雄神话，以各种视觉效果打造影片的独特文化。如《真相至上》《战马》《泰坦尼克号》《2012》《惊涛大冒险》《危情时速》等。但无论是法制题材的电影抑或是一些巨型的灾难片、科幻片，他之所以吸引观众的注意力，一个重要的秘诀就是将人性的光辉巧妙地穿插在了整部影片当中。
2.《绿里奇迹》中黑人死囚约翰及监狱长的身上所呈现出的人性的光辉
拍摄于1999年的《绿里奇迹》，它同1994年的《肖申克的救赎》一样同属监狱题材的电影。监狱，是最阴暗恐怖的场所，充满恐惧又令人毛骨悚然。尽管在这样的地方，也不乏闪耀着人性的光辉。在《绿里奇迹》中，黑人死囚犯约翰·科菲相貌恐怖，体形硕大，但却身上有着温暖的爱心和神奇的力量，他和监狱长保尔·艾治科姆一起诚心地帮助死囚们平静地、安心地走过了人生最后的旅途，演绎出一段感人的故事。而中国恰巧相反，尽管监狱中也有许多感人的故事，但是因为教条主义的影响，很少有人去触及。
3.《泰坦尼克号》中人性的真、善、美
影片《泰坦尼克号》是一部里程式的电影，自1997年上映至今，一直为人们津津乐道，这部电影之所以震撼人心，不仅仅是因为伟大的爱情，还有人性。“让妇女和儿童先上”而不是“领导先走”。这是在船沉没的那一刻，霍利克用钱收买大副要求先上救生艇这一戏剧冲突强烈地表现了出来。在生死面前男士们自己浸在水中，让妇女儿童先上救生艇，他们克服了人性的自私，他们都是英雄。在“泰坦尼克号”沉没的那个瞬间，船上相拥赴死的老年夫妇，母亲讲着故事和两个孩子一起葬身海底，牧师在最后一刻还不忘给予人们精神的安慰，这都显示出人类那无与伦比的伟大和无畏，他们就像会思考的芦苇在自然的毁灭中迸发出了撼天动地的力量。一场灾难，见证了人的脆弱，但也同样见证了人性本身所含有的真、善、美。关于人性的主题，无论电影、电视剧、动画片，总会让人看后有思考、有收获，也会成为人们永久歌颂的美话佳谈。
4.从《拯救大兵瑞恩》中看硝烟弥漫中闪烁的人性的光辉
《拯救大兵瑞恩》在大多数观众眼中，它不过是一部精心制作的美国爱国主义宣传片。但如果仔细观看，将会领悟影片其深层次的含义。一个母亲有四个儿子参战，三个同时战死，于是美国参谋总长下令无论如何要将身陷前线的第四个儿子安全撤回。作为现代民主的发源地之一，美国的立国精神就是强调个人价值。尽管“战争没有仁慈，杀戮没有良知，但硝烟弥漫中仍闪耀着人性的光辉”[4]。八个去救一个人，为的是不让一个年老体衰的母亲，经历所有儿子都命丧战场的噩耗，相信看过此片的大多数男性也会在此片中找到自己的影子。[5]
三、结语
美国的影视作品凭借其别具一格的文化特色在全球范围内树立了标杆。美国影视作品所反映出的寻求梦想，追逐自由以及对个体生命价值的尊重等价值观已成为全球文化价值评判的标准。欣赏影视作品不仅可以帮助我们不断提高对美国文化的深入了解，而且可以掌握语言本身的应用能力。大多数影视作品中都对中美文化的差异及冲突进行了描写和探讨，了解不同的文化背景、历史背景和地理区域的差异，可以有效地促进跨文化交流的顺利进行。取其精华，去其糟粕，更好地继承和发扬中华传统文化。
❼ 战争题材电影浅析
关于战争题材，入手基本从几个方面，宏大战争场面、人物光辉形象、内心深处刻画……
人物方面又有大人物、小人物，关键决策者、不见经传的普通一兵又抑或纠结矛盾身处战争中的反战者……
印象最深刻《诺曼底大风暴》（另译《艾帅与登陆日》），描写了最高指挥官艾森豪威尔的深思熟虑，深夜里划亮的火柴和走出指挥所舱门时的骤雨，能够让人把战争胜利狂欢和运筹帷幄的压力纠结链接起来。
对战争中的人物内心刻画最细致的我认为是李安的《比利林恩的中场战事》，主人公的被动的一举成名和发生在现场的难以名状的真实之间让他一度低沉消极，幸好有一个爱他的姐姐以及爱神突然的降临加之自身的挣扎思索，比利林恩最终走出矛盾的牢笼……
比之《美国往事》的讲故事的反思模式，《比利》更能让人通过走进主人公内心通过思考产生共鸣得出结论。
主题电影在中国电影史上占有浓墨重彩的篇章，在中国人民志愿军赴朝作战70周年之际，《英雄儿女》4K修复版上映，再现英雄岁月。影片中的人物和故事基本都有原型，血肉之躯和钢铁意志谱写出一部部可歌可泣的英雄赞歌。作为主题电影，人物内心的挖掘显然让位于民族大义家国情怀。
再有向《拯救大兵瑞恩》《血战钢锯岭》等以团队作战为底本的描述，《赤壁》《三国》《斯巴达》等古代战争
也有以记录战争为思路的《我的长征》等等……
❽ 浅析旁白在电影《肖申克的救赎》中的运用
《肖申克的救赎》曾获得七项奥斯卡金像奖提名，却全军覆没，打败它的是《阿甘正传》。当时的民众更热爱梦幻狂热的美国梦，不想被现实桎梏。人们对于艺术作品的价值感知总是后知后觉的，就像梵高的《向日葵》，随着时间的推移，人们也越来越感受到《肖申克的救赎》的魅力与价值，豆瓣评分高达9.7分，成为中外公认的影史第一。
影片讲述了银行家安迪被诬告谋杀了妻子和情人，法庭宣判其终生监禁的故事，主人公安迪用19年的时间完成了对自我、狱友、肖申克监狱的救赎。导演并没有将故事的讲述者设置为主人公安迪，而是巧妙地选择了在肖申克监狱资历更深的狱友瑞德，这是一种极具智慧的选择。
瑞德的饰演者摩根•弗里曼是大器晚成的影视演员，他的声音平静沉稳，让人津津乐道，好莱坞夸赞他为上帝之声。 禁锢与自由、绝境与希望、反抗与救赎， 这些影片极力传达的主题通过瑞德的旁白穿过每个人的身体，在灵魂间回荡。影片之所以取得如此巨大的成功，旁白功不可没。
今天我们就来分析一下， 旁白在电影《肖申克的救赎》中的应用。
1，旁白的起源与发展
电影与文学虽是两种独立的艺术形式，却有着千丝万缕的关系。文学在中国有着极高的地位，相比之下电影更像一位年轻人。大量电影改编自文学作品，然而电影习得的不仅仅是内容，还有艺术手法，其中旁白的起源便来自文学作品中的“介入叙事”。
20世纪20年代，有声电影出现了，“伟大的哑巴”第一次说话了，画面与声音的相互融合成为电影史上重要的的里程碑。文学作品中的“介入叙事”脱离纸张的二维限制，来到电影世界，成为电影中的文学元素，包括台词对白、音乐、音响音效等，旁白作为台词对白的附属形式孕育而生，极大地丰富了电影的语言，帮助电影艺术迈入了新的台阶。
旁白是指以画外音的形式出现的人物语言，是一种独有的人声的运 用手法，以画面外的声音对影片进行补充、解释 、评 价 。由于旁 白从 实质上来说是 一种文字语言的外化 ，所以在一定程度上它具有很强的抽象性和概括性 。
旁白最早出现在纪录片中，那时它的功能还仅仅局限在对视频画面的解说，如央视栏目《动物世界》，有一个画外音向观众介绍大自然中各种各样的动植物，揭示动物世界的秘密，这个声音来自一名未知的主播，低沉稳重，客观真实，这样的旁白属于第三人称的解说旁白。
在今天，旁白已经作为一个独特的元素被导演灵活使用，渐渐发展出了音画分立的旁白、第一人称的内心独白，多种形式的旁白在电影中相互穿插、融合，这种独特的方式让电影达到了意想不到的视听效果。
2，旁白在电影中的运用分析
01，叙述故事
一部电影由许多故事组成，情节发展与转折都需要一条主线进行串联，而旁白作为电影语言的特殊元素，可堪当大任。影片题材、内容丰富度、时间跨度都对观众的理解能力提出了挑战，旁白的叙事功能可以通过故事铺陈、情节推动、时空转换等形式保证影片的连贯和完整性，让观众对影片有一个整体的把控。
旁白的叙事功能可分为全知叙事与无知叙事，二者的区别主要在于信息的掌控量。 经典的影片除了好故事，还需要一个叙述者。叙述者可以是剧中人物，也可以是幕后创作者。他不但引导和推动故事的发展 ，还很大程度上影响着观众对电影的理解。比较叙述者与影视作品中人物的信息掌控量，可以对叙事功的分类做出判断。
在全知叙事的电影中，叙事者站在上帝视角，旁白知晓剧中人物的前世今生，每个人心理活动在叙事者面前袒露无遗。影片《红高粱》为全知叙事，叙述者的身份是作为孙子的“我”，通过“我”的旁白讲述了爷爷奶奶的传奇人生。
旁白
我给你说说。我爷爷我奶奶的这段事。这段是在我老家至今，还有人提起。日子久了有人信，也有人不信。
这是我奶奶。那年的七月初九，是我奶奶出嫁的日子。娶我奶奶的是十八里坡烧酒作坊的掌柜李大头，50多岁了才娶上这门亲。
我罗汉爷爷当天夜里就走了，一晃9年，我们家的十八里红出了名，我爹也9岁了。
《红高粱》看似是以“我”的第一人称叙事，但“我”并未出现在影片，根本无法亲身经历爷爷奶奶的事，这其实早已跳脱出第一人称的限制，进入第三人称全知叙事，这样的结合不但让故事更加完整，也拉进了“我”与故事的距离，给观众的感觉是“我”在讲述一段自己的家族故事，真实贴切，更容易打动观众的心。
在无知叙事的电影中，叙事者不再处于上帝视角居高临下，往往是剧中普通的一员，是一位在场的叙述者，他看不透其他人的内心，更无法预测未来。
在《肖申克的救赎》中，瑞德被导演选定为叙述者，他的饰演者摩根•弗里曼是大器晚成的影视演员，其独白能力让人津津乐道，好莱坞夸赞他为上帝之声，然而叙述者瑞德并非上帝，而是肖申克监狱中的“权威人物”，他拥有讲故事的权利，同时也是故事中的一员。
1927年入狱的瑞德对肖申克监狱有着深刻的理解，狱中人更加懂得狱中心，通过他的眼睛，观众看到了真切的肖申克监狱的生活，同时瑞德无法预知未来，更不能窥探到安迪的内心，这也给观众留下不少悬念，使得影片更有吸引力。
旁白
每个监狱可能都会有我这样的人，我能为你弄到各种东西。香烟大麻，家有喜事想喝白兰地也行，几乎是任何合理的东西，是的先生，我就像百货公司。
1949年，安迪杜弗伦让我替他弄张丽塔海华斯的电影海报，我立刻回答没问题。
1966年，安迪杜弗伦逃离，肖申克监狱狱方寻获泥囚衣、一块肥皂、一把石锤。
电影旁白第一次出现，镜头进入高墙里的世界，这是肖申克监狱故事的开端。瑞德像是主人公安迪身边的一台有思想的智能摄像机，用他独特的视角叙述着安迪19年的牢狱生活，影片时长142分钟，故事经历了的开端、高潮和结局，旁白对故事的起承转合、时空转换进行引导与串联，且始终与情节发展保持一致的步调。
02，塑造人物形象
人物作为电影的关键要素，其形象的塑造关系着电影的成败。随着故事情节的发展，人物形象会不断丰盈。由于电影语言的特性，人物的外在形态在镜头前是立竿见影的，但是内在品质却不易展现。《肖申克的救赎》为监狱题材，相比于其它类型题材，缺乏丰富的外在情感表现，那如何让安迪的形象更加清晰饱满呢？
了解一个人最好的方法是去问他最好的朋友，好朋友一般都会有长时间的相处经历，彼此非常了解，知道各自的小秘密。在《肖申克的救赎》中，没有人比瑞德更了解安迪，以瑞德为叙述者，通过他的旁白可以更好的完成安迪的形象塑造。
旁白
说实话，我当初并不看好他，弱不禁风的，这是他给我的最初印象。
起初安迪不与人来往，大概心事重重，努力适应牢狱生活。
安迪言出必行，每周写两封信。
他走了令我伤感，有些鸟是不应该被关在笼子里的，因为他们的羽毛太丰润了，当它们飞走，你会由衷的祝贺他获得自由
瑞德的旁白可以直接传达给听众，将自己眼中的安迪真诚的诉说出来。从最初的弱不禁风、心事重重，到言出必行、渴望自由，安迪的形象逐渐丰满起来。瑞德作为影片中的一员，他的旁白其实是自己内心的映射，有一定的主观性，但没有人比他更了解安迪，他塑造的主角形象是与真实的安迪最接近的。
相比于《肖申克的救赎》的循序渐进，影片《小时代1》对于人物的塑造更加简单粗暴。在电影开篇，林萧直接通过旁白介绍了几位女主角的身份经历与性格爱好，这种打标签式的旁白从一开始就将生动饱满的人物形象刻在观众心中，为后续情节发展做铺垫。
旁白
别误会，这不是我，我没有这么漂亮。这是我的好朋友南湘，她主要绘画雕塑，有艺术气质，又有美艳皮囊，是我心中色艺双馨的楷模。
03，展示人物内心世界
内心独白是旁白的一部分，有着不可替代的作用。在文学作品中，一个人的内心世界可以大篇幅的描写刻画，而在电影中，文字变成了语言，以内心独白的形式直接作用于观众的听觉，叙述者可以游刃有余地向观众传达复杂的人物内心世界。
我可听不懂这一天那两个意大利女人唱得什么，说实话，也不想知道，有些事情不说出来更好。我是想说她们唱得太好了，无法用语言来形容，好得让你心痛。
我得面对残酷的现实。我根本混不下去。我一心想违反假释。也许能重返肖申克。活在恐惧中真是糟糕。
我发现我很激动，几乎坐不住，我的思绪纷乱。这是一个自由人才能感受到的。一个自由人开始了漫长的旅程……伴随着未知的结局。我希望我能成功越过边界。我希望看见我的朋友，和他握手。我希望太平洋的海水如我梦中那样的蓝。
在《肖申克的救赎中》中，瑞德一共有3次假释，分别是20年、30年、40年，从年少轻狂到垂垂老矣，无论是身体还是内心，瑞德不断被肖申克监狱改造。就像他说的：“这些墙很有趣，刚入狱的时候，你痛恨周围的高墙，慢慢地，你习惯了生活在其中，最终你会发现自己不得不依靠它而生存，这就叫体制化”。
当安迪广播唱片的时候，瑞德的内心独白让观众感受到了他对自由的渴望与无奈，对他来说，这分明是自由之歌，却美到令人心碎。歌声可以透过高墙，直穿云霄，而他的身体却牢牢禁锢在肖申克监狱。
最后一次假释，当瑞德已经被完全体制化，失去对自由的渴望时，假释通过了，这就是肖申克监狱的残忍之处。出狱后的瑞德并未得到真正的解放，从他的内心独白中，观众似乎看到了布鲁克的身影，他们如此的相似，做着同样的工作，整日惶恐不安，难以生存，唯一不同是瑞德对安迪的承诺。
按照安迪的嘱托，瑞德来到一片农场的大橡树下，找到了安迪留给他的信，这不仅是一封信，更是一份希望，正如信中所说：“心怀希望是一件好事，也是最好的事。心怀希望，就永远有希望”。
在这里，信以旁白的形式展现，只不过叙述者换成了安迪。内心从未放弃希望的安迪越狱成功，重获自由，而被肖申克体制化的瑞德此刻却无法在外面的世界生存，安迪变成了救赎者。
在安迪的鼓励下，瑞德踏上了漫长的旅程，从他的内心独白可以看出他发自内心的激动，重新燃起了自由的希望，得到了最终的救赎。
自由与希望、迷茫与恐惧，瑞德的内心世界通过旁白完整的展现出来，给观众带来了启迪与感动。
3，总结
《肖申克的救赎》虽然属于传统的监狱电影，但它独特的旁白运用为影片带来了震撼人心的效果。无论是串联叙事、塑造人物形象，还是展示人物内心世界，旁白作为电影的重要元素，从始至终都发挥着举足轻重的作用。影片不仅带给人们审美和观感上的喜悦，更是内心与灵魂的震撼。
影片之外，每个人心中都有一座肖申克，自我救赎是人生的必修课。
❾ 浅析弗拉哈迪作品《北方的纳努克》与《亚兰岛人》
浅析弗拉哈迪作品《北方的纳努克》与《亚兰岛人》
纪录片是以真实生活为创作素材，以真人真事为表现对象，并对其进行艺术的加工与展现的，以展现真实为本质，并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。纪录片的核心为真实。电影的诞生始于纪录片的创作。以下是我给大家整理的浅析弗拉哈迪作品《北方的纳努克》与《亚兰岛人》，欢迎大家阅读！
浅析弗拉哈迪作品《北方的纳努克》与《亚兰岛人》
“搬演”又称情景再现，对于纪录片来说，搬演就是使用演员、置景、道具等手段来表现某一个曾经(或可能)发生过的事件。“在纪录片中使用搬演的手段与剧情片有所不同，尽管搬演避免不了虚构，但是对于纪录片来说，这样的虚构必须被纳入非虚构的范畴，或者至少不与非虚构的原则发生抵触”。
搬演在今天在我们的很多纪录片，尤其是主流媒体的电视专题片或者宣传片中已经司空见惯，比如央视近年比较有影响力的纪录片《故宫》，北京电视台的《档案》栏目，崔永元的《电影传奇》系列等等，本文回到纪录片的起始阶段，从人文关怀角度探讨弗拉哈迪对其作品《北方的纳努克》与《亚兰岛人》两个影片的“搬演”处理。
虽然两个影片都是基于对客观真实存在的事件的还原，但是《北方的纳努克》具有开创性的历史意义，虽然拍摄的都不是现实生活中进行时态的事件，弗拉哈迪赞美的不是爱斯基摩人当时的生活方式，而是他们记忆中的往昔传统。《亚兰岛人》也一样是搬演亚兰岛上居民曾经的生活状态，都具有一定的记录价值和社会学研究价值。而之后有不同的评价和待遇，是因为影片制作过程，导演拍摄动机及两个影片所具有的审美价值等等因素决定的。弗拉哈迪拍摄《亚兰岛人》同样延续了《北方的纳努克》的的拍摄手法，而且从制作手法上已经超越《北方的纳努克》，戏剧性也更强，但是影片的社会影响无法与《北方的纳努克》相提并论。我们从以下几个方面来对比分析：
1、拍摄动机对比：主动审视和被动审视
弗拉哈迪拍《北方的纳努克》是一种发自内心深处的个人情感，如他自己所言：“我执意要拍摄《纳努克》，是由于我的感触，是出自我对这些人的钦佩，我想把他们的情况介绍给人们。”他这样写道：“白种人不单破坏了这些人的人格，也把他们的民族破坏殆尽。我想在尚有可能的情况下，将他们遭受破坏之前的人格和尊严展现在人们面前。”这是一个主观感知客观真实的过程，是主观艺术审美价值取向的客观表现。弗拉哈迪已经被爱斯基摩人感动，所以才会驱使他几次探访北方，深刻了解了爱斯基摩人过去和当时的生活状态，拍摄时间长达10年，可以说这是一部时光堆积的不朽纪录，是主观的在纪录。而且弗拉哈迪和纳努克在这一过程中关系由拍摄者和被摄者转变为有着深厚友情的朋友关系，整个片子更有人性的主观的东西在里面，更具有亲切感，更使人感动。
而弗拉哈迪拍《亚兰岛人》是有电影公司出资赞助的被请去拍摄的一部“远程旅行纪录片”，是被动的去感知客观真实，是一种纯粹的“他者”进入。而且很多场面就是纯粹的搬演，虚构的成分非常浓，比如《亚兰岛人》中一个岛上的男性原住民纹身一段，男性原住民这一“表演”是被导演的，而且是有片酬可以拿的，而在《北方的纳努克》中，纳努克虽说也是在表演，但是他的主观情感表露要比《亚兰岛人》中男性原住民的表演真实，亦或说朴实，因为他们没有金钱关系，创作者和被摄者的关系纯洁的多，而后者就是一个雇佣关系的影像体现，是简单的被摄者和拍摄者的关系，和我们今天的导演和演员的关系是一样的。《亚兰岛人》最后成为当地居民吸引游客的工具也就不奇怪，两部影片的拍摄动机不一样，具有的审美价值也就有所区别。
2、表现形式分析：个体表现和群体表现
《北方的纳努克》表现的是以纳努克为主要拍摄对象的爱斯基摩人的生活，主要通过纳努克这一具有代表性的人物主体来表现。纳努克是焦点，叙事的线路比较清楚，主要以纳努克为主线。他以个体代表了爱斯基摩人这一特殊群体。所以在影片叙事上它的结构是密集的，人物性格刻画相对容易些，所以塑力了纳努克这一勇敢男子汉形象。而《亚兰岛人》是以一个群体为主体对象来展开，叙事的线路不明确，焦点模糊，结构散乱，不能突出表现，人物形象立不起来，缺少像纳努克那样的一个精神象征。
3、拍摄时间比较：几近10年磨一剑和三年拍摄的结果
《北方的纳努克》前后制作长达10余年，《亚兰岛人》只用了短短几年时间，从时间上就可以判断两部影片的积淀程度，《北方的纳努克》像一坛老酒，品起来回味无穷，而《亚兰岛人》只能算是一瓶啤酒，喝起来让人涨肚子罢了，同样是酒，但是给人的感受是不一样的。
弗拉哈迪拍摄《北方的纳努克》，对现实生活的态度不是科学的精确纪录，而是对现实生活充满诗意的再创造。弗拉哈迪对现实是持积极参与的态度的。因此，弗拉哈迪是浪漫的诗人而非科学家。他需要的是摄影机前的真实，是拍摄结果的真实。这是弗拉哈迪的真实观。比如他曾对纳努克说，如果拍摄捕猎海象，“在影响拍摄的时候，你和你手下的`人可要放弃猎物。你要知道，我要得是你捕海象的镜头，而不是它的肉。”
此外，还有一个说法，据说那个着名的猎取海豹的场面里，纳努克从冰洞里拖出的海豹其实已经死了多日。整个场面都是事先安排好的。
比尔·尼克尔斯的 《纪录片导论》中这样描述弗拉哈迪和爱斯基摩人纳努克的关系：“它以一种爱斯基摩人自己并不十分愿意接受的方式展示了爱斯基摩人的文化，它代表的是弗拉哈迪的赞助人雷福林·福斯的利益。”
而《亚兰岛人》更是遭到同为纪录电影大师的格里尔逊的公开质疑：“在世界性的经济萧条中，弗拉哈迪为什么无视亚兰岛居民在困苦中挣扎的社会背景?”从这里也可以看出，《亚兰岛人》和《北方的纳努克》在人性关怀程度上的差距，再一次说明功利性强的艺术作品是很难超越主观的，人性的作品的，毕竟人是影片恒久不变的主题。
其实，在弗拉哈迪拍摄《北方的纳努克》的年代，当地的爱斯基摩人捕海象已经不用鱼叉，而是用步枪。为了拍到更为原始的场景，纳努克才用他爸爸的方式猎捕海象。弗拉哈迪在后来的《摩阿拿》、《亚兰岛人》和《路易斯安娜州的故事》等影片中一再重复这种拍摄方式，让人们用父亲或祖父的方式表演生活。
有人据此斥责弗拉哈迪“做假”。弗拉哈迪却认为在艺术创作中，创作者的行为方式是积极主动，而不是客观冷静。这就要求把非虚构的生活场景同想象和诗意完美结合。摄影机前的生活只有合理干预才是更真实、更合理的。这种思想观念对后来的纪录片创作影响深远。
《北方的纳努克》影评
第一次上纪录片课，看的第一本片叫做【北方的纳努克】。黑白默片，字幕解说。常常说电视比电影平民，就是因为看电影时，只有银幕是发光的，人的注意力不得不集中在那儿，无法分心做其他事，当然，除了睡觉（这里特指在电影院，幼年的我常犯这种阶级错误）。而电视摆在那儿，随意性很大，看的人可以做别的事，吃饭喝水打牌。所以如果从开头就吸引了人，那么就可以将人的目光吸引在电视上，从而无心做其他事。
本以为很枯燥，不料从开始就被吸引，如同老师说的，纪录片开头就要吸引人。我错过了开篇，从纳努克坐上船然后下船那里开始看，“下船”便是那个纪录片历史上公认的经典长镜头。老师说如果由几个镜头完成，会让人不免怀疑那艘船是不是真的可以装那么多人，想想是很有道理，可是我也有点小小的怀疑，是不是弗拉哈迪不经意的举措，也许他认为一个长镜头可以搞定的不需要一个一个地剪。下个船而已。（学术研究者看到不要打扁我。）
纳努克的确是个出色的猎手，他穿越浮冰的技术一流，独自一人，独一叶扁舟，在浮冰重重的海面自如游走，看似平静也许暗涌不断，也许暗藏在水下的冰峰可以轻易将他阻挡。即使徒步穿越，手持一细长棍就能探测虚实，若是我等，恐怕只能望而兴叹了，甚至会盲目跌落水中，葬身冰冷海水之中也许不忘感叹自己为何不生在爱斯基摩人之中。
捉大马哈鱼，背景音乐也配的极好，没有诱饵的垂钓，纳努克有节奏的抖动手腕，如正在弹奏。捕上岸的鱼直接用嘴咬死。
值得一提，爱斯基摩人处在古代文明中，很明显的一点就是他们喜欢用嘴唇以及牙齿去试探。比如用嘴将捕得的鱼咬死，面对从未见过的黑胶碟唱片，他也用牙咬一咬；孩子们争夺海豹鳍也是用牙齿紧紧咬住的你来我往生拉活扯；早晨起床妻子为丈夫用牙齿咬软冻僵的靴子。
他们表达情感与内心的举动直接而单纯，如同婴孩——我见过许多抓了东西就往嘴里送的小孩子。
最喜欢他们与白人交易的那一段，他围绕着唱片机，拿起唱片咬一咬，看一看，再咬一咬，脸上的笑纯粹的一下子就感染了我。纳努克的孩子们吃着白人们给的蛋糕点心吃到撑，不得不喝下一口植物油润肠，腼腆地看着镜头笑着咂嘴，仿佛连油都是可口的。这一段的背景音乐也配的极好，轻松跳跃如同卓别林的电影。
平行蒙太奇的运用在建造“伊格鲁”（即爱斯基摩人居住的冰屋。）时表现的很好，一边是大人们建造冰屋，一边是孩子们“滑雪”，每滑一次，爸爸的屋子就已经升起大半。他们是充满智慧的，因为懂得如何采光，一切纯天然。
而与他们单纯可爱对立的是，捕猎时的凶猛。这样说倒不是因为他们捕猎就不单纯不可爱了，只是原始的人性直接表现出来，如同兽类，但可以理解。匍匐前进，向一群熟睡的海象趋近，只有一只“哨兵”，还是发出了警报信号。但慢了一步的，不幸就被叉住，就是这一段让我觉得，“落单”这个词的深刻含义，同伴们都得以逃脱，只一个深陷危险之中，眼前的是同伴的回望，而身后却是猎人紧紧不放的绳索，金属的钩叉在身体里的刺痛提醒着自己的恐惧。虽然海豹有两吨的体重，但还是敌不过人类的力量。同伴无效的努力救助，最终还是没有救回落入人类手中的落单海象，终是死了。纳努克和同伴费力的将它顺着海浪拉上岸，即使饿着肚子，对食物的强烈欲望使他们将两吨重的海象，剥皮，肢解，然后用满足的表情啃食割下的肉。是的，在现代人看来无法理解的吃生肉。
如此的搏斗还有最后的捕海豹，而这次落单的是纳努克，当然也是片中另个着名的长镜头。他只身一人，与海豹拉锯般的拉扯，如果不是看到前因后果，就很像滑稽录像，纳努克用各种姿势拼命拉住他们一家的食物，而食物为了生命拼命的挣扎。当优势者落单时，只需发出求助信号变有同伴前来帮助，纳努克打着手势向同伴求助，人多力量大便是这个道理。
同样是两个落单，结果却不同。海象丢了命，而纳努克得到了食物。
另个比较震撼我的镜头是，拉雪橇的狗们，闻到海豹的血腥味，露出了它们祖先狼的本性，龇着牙，表情贪婪凶狠。与它们晚上在伊格鲁之外满身落雪的傻傻的样子，实在不同。都是有本性的吧，人和兽类。
大自然的弱肉强食就是自然法则。
这是弗拉哈迪第二次进入北极拍摄，第一次拍回的胶片因为一个烟头化为灰烬，也似乎是天意让他尽善尽美。当再次回到爱斯基摩人之中，不仅与他们朝夕相处获得了信任使得纳努克一家在镜头前高度自然，而且完善了之前的不足。有说弗拉哈迪拍这本片是因为目睹了工业革命给自然带来了野蛮的伤害，本着让人重温古代文明的意图。
值得一提的一点是，对于这本片，反对的人，一是因为：片中有搬演和主观干预，与现实不符，比如当时爱斯基摩人已经不用鱼叉而是用步枪捕猎；纳努克一家的起床是“表演”的结果；因为照明问题，只能将伊格鲁削去一半。二是因为他们认为弗拉哈迪不关心社会，仅仅醉心与异域风情。
我却认为这样的理由若是当时，是可以引起共鸣的，但在现在这两个所谓“不好”，根本不值一提。纪录片奇妙的，它要求真实却可以用假来表现创作者想要表达的真。它可以反映社会也可以表现创作者的内心。
关心国家大事社会时事政治，或者只顾内心理想偏爱坚持，管他的。
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