㈠ 為什麼電影上下兩部分都是黑色
不僅象LVTT說的,還有,黑色吸收所有光,可以使視覺感受更好,電影更有觀賞性.
㈡ 電影的標志
以香港電影標志，舉例子如下。
1982年電影進入現代化，標志就是「香港新浪潮電影」的誕生。
我對香港電影最早的感知也差不多是這個時段的電影，但「新浪潮」完全不在我的視野中。
最早進入我視野中的香港電影是成龍的功夫喜劇，《A計劃》、《警察故事》、《飛鷹行動》等等。之後陸續還有《英雄本色》、《龍虎風雲》、《喋血雙雄》、《天若有情》等一系列英雄片／梟雄片。
這些電影幾乎就是我最早對於電影的認識，算得上是啟蒙意義，而即便今時今日這些電影仍舊能夠吸引到我。
這讓我在很長一段時間里都在不斷反思一個問題，香港電影的根本魅力到底何在？
我的結論是，原因有兩個：
一、香港電影絕少取材文學作品（反倒有不少改編自漫畫），電影劇本都是原創；
二、劇本很多時候都是現拍現寫（即是香港人稱的「飛紙仔」），有時甚至無劇本拍攝（不僅僅王家衛如此）。
《阿飛正傳》（1990）
這在全世界的電影業中都是罕見的，好萊塢、日本、歐洲都不可能有這種拍法，印象中只有法國新浪潮時期的電影是如此為之（正是要以此與根據文學作品改編的法國舊電影傳統決裂）。
電影之於文學作品，它首先是一種感知，觀眾是先從影像中產生感知，產生快感（有強弱之分），然後才會產生認知，繼而形成一種意義。
換言之，它是從感知到表意的一個過程。文學作品的接受恰恰相反，它是先從文字元號中產生一種表意系統，然後才會慢慢產生一種感知。
再簡單點說，電影是快感在先，意義在後。無有快感，毋論意義。伯格曼、安東尼奧尼的電影，無論有多麼復雜的表意，但首先他們都會把感知放在第一位，最極端的《假面》《蝕》都是如此。
《假面》（1966）
即便是對真理性問題（終極表意）始終糾結不放的戈達爾，哪怕在他那些最意識形態顯露的電影中，都會有最強烈的感知表達方式。
香港電影即是因為這種絕對「原創」的劇本寫作法以及各種陰差陽錯（電影工業機制、歷史緣由、文化傳統、天生布景板式的城市構造等）的原因，准確的把握到了這種電影的特質。
一切以創造感知為第一要義，這在哪怕最小眾、最文藝的藝術片中也是如此。
香港電影對於文學／文字元號的決絕放棄，造就了影像表達系統的無限豐富性。
香港電影的類型也是完全依據感知與快感出發，我印象中最深刻最歷久彌新的香港電影類型──英雄片、賭片、三級片（包括情色風月、施虐殘暴兩種）、鬼片──都是將感知，將生產快感放在第一位，將意義留在其後。
㈢ 為什麼電影的上下兩端都是黑色的呢
應該是為了跟讓畫面接近真實吧，大家都知道人的眼睛的可視范圍是寬大於高的啊，當視線聚集在畫面中間的時候，眼睛自然接收了寬度的畫面雖然我們會不計得眼角看到了什麼，可是意識告訴我們，我們看的整個畫面在移動變化著，這樣就產生了真實的感覺，
在補充一點，在電影院里看電影是沒有上下黑色部分的，只是電影為了讓我們這些四四方方的屏幕可以顯示出電影的全部才整體縮小了畫面，這才出現了上下的黑色，所以好的電影在影院回味一次簡直是不同的感受來的。